Últimas Tendencias del Arte (2015)

Apunte Español
Universidad Universidad de Barcelona (UB)
Grado Historia del Arte - 3º curso
Asignatura Art de les Últimes Tendències
Año del apunte 2015
Páginas 26
Fecha de subida 20/02/2015
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ÚLTIMAS TENDENCIAS DEL ARTE Temas: 1. Abstracción, expresión y utopía: políticas culturales y artísticas 2. Arte y cultura de masas: los años del Pop 3. Estructuras, procesos y percepción en la era tecnológica: cinetismo, neoconcretismo y Op Art 4. La expansión de las fronteras del arte I: Povera, Land Art 5. La expansión de las fronteras del arte II: Accionismo, Situacionismo, feminismos 6. Conceptualismos 7. El fin de la modernidad? La postmodernidad a debate 26-09-2014 INTRODUCCIÓN: ÚLTIMAS TENDENCIAS DEL ARTE - Se llamará moderno no sólo aquello que pertenece al período de la modernidad, sino aquel que suscribe un cierto número de valores de la modernidad artística. El “gran relato” de la historia del arte, tal y como se ha presentado en los museos occidentales, está fundamentado en una tipología de movimientos, clasificados según criterios progresistas y articulados en una genealogía. Son integrados prioritariamente los artistas cuya obra responde a los cánones instituidos y que participan en la historia colectiva por su implicación en los movmentos modernos — C. Grenier (Introduccion a la exposición Modernités Plurielles 1905-1970) Visión progresista del arte → lo nuevo es mejor que lo antiguo, concepto en relación a las ideas de la ilustración. Crítica al canon historiográfico-artístico elaborado por las instituciones del mundo del arte o el gobierno.
Clement Greenberg, crítico de arte de gran poder durante los años 50 marcará el establecimiento de los cánones del arte moderno en su obra: La pintura moderna, 1961 → interpreta la evolución del arte hacia la modernidad. Habla de neovanguardia = movimientos artísticos que surgen a partir de la Segunda Guerra Mundial. Greenberg crea un discurso con un fuerte trasfondo político y social; contexto de Guerra Fría, el lenguaje artístico implica una u otra posición política.
• Liberalismo (Estados Unidos → libertad) vs Comunismo (URSS → paz) Greenberg busca relacionar el inicio de las vanguardias con el arte de su época. Se interesa por el paso de la figuración a la abstracción, así como el traslado del centro artístico de París a Nueva York. Crea un canon basado en la occidentalización del arte, la eliminación de todo aquello que no es esencial para llegar a la pureza material. Greenberg crea un relato historiográfico a través de artistas en el que justifica el traslado del centro artístico a Nueva York.
• A partir de Monet argumenta cómo la figuración se vuelve plana hacia la opticalización total – valor del puntillismo (Seurat). Cezanne pierde el interés por el realismo = pérdida de la noción de espacio en el lienzo, base para el cubismo, que reducirá todo a formas simples y limitará la obra a la bidimensionalidad (Picasso). Mondrian representará la conexión física y real del arte europeo con Estados Unidos, con Pollock se consolidará Nueva York como nuevo centro de creación artística.
Para Greenberg la culminación de la modernidad será la abstracción post-pictórica, basada en la bidimensionalidad absoluta y el color. En 1939 elabora un texto centrado en la modernidad y lo kitsch, separándolo cláramente de las avanguardas. Compara las ilustraciones de magazines con el realismo del s.XIX, relacionándolo a su vez con el realismo socialista → realismo va destinado a un público sin educación, mientras que las avanguardas requieren de cierta formación.
Alfred Barr, conservador y importante figura del MoMa — Cubism and Abstract Art, 1936: Muestra las relaciones y la evolución de los movimientos artísticos, con las que hace una defensa formalista alegando que es el estilo el que se mueve al margen de les condiciones contextuales a su creación.
En Europa, el análisis de la historia del arte se basa en un punto de vista más sociopolítico, dando mucha importancia a los movimientos surrealistas y dadaístas.
Según Brüger, Vanguardias = crítica al sistema + intento de reinserción del arte en la praxis vital.
Etiqueta los movimientos posteriores a la Segunda Guerra Mundial como neovanguardia, simples imitaciones de la vanguardia sin ninguna intención crítica. Se reproducen tendencias ya institucionalizadas, se crea para el sistema que las vanguardias rechazaban. Escribe El Arte desde 1900, October – critica y revisa el canon de Greenberg, introduce metodologías alternativas al formalismo. Incluye un artículo por año des de 1900.
Estudios post-coloniales Corriente intelectual de los años 80 que propone puntos de vista alternativos, interés en los espacios marginales del arte sin un lugar establecido dentro el canon tradicional (Sudamérica, Asia, África...). Trata una historia alternativa al margen de la visión occidental.
El concepto de modernidad no es propiamente occidente, tiene origen en los diarios de Ruben Darío escritos durante su estancia en Barcelona (España no se consideraba dentro el canon occidente de arte moderno). Darío propone integrar los conceptos de diversidad, complejidad... Se usará para complementar el discurso crítico a la hegemonía occidental colonial. Según Darío, el modernismo no es un proceso de purificación de las formas (Greenberg), sino de la complejidad de las mismas. Propone un análisis socio-cultural más allá de las divagaciones estilísticas. Por ejemplo: Diego Rivera utiliza el lenguaje de vanguardia (cubista) para plantear un mensaje político y expresar su apoyo a la revolución mexicana → 2-10-2014 1.ABSTRACCIÓN, EXPRESIÓN Y UTOPÍA: POLÍTICAS CULTURALES Y ARTÍSTICAS La bomba atómica supuso un punto clave en el pensamiento de la segunda mitad del s.XX, afectará también a muchos artistas. En contexto español es importante la Guerra Civil, que dividirá la sociedad en dos ideologías opuestas: fascista y democrática. La Guerra Civil española se verá convertida en una causa internacional, y la lucha por la República será imagen de la heroicidad de la izquierda perdida, un símbolo para otros estados.
Durante la Exposición Internacional de 1937 en París, en el pabellón de España se buscaba reclamar la atención hacia la causa republicana con la colaboración de artistas como Miró o Picasso. El Guernica, 1937 se tomará en Estados Unidos como el comienzo de un nuevo arte.
Sería también símbolo de resistencia contra el fascismo. La Exposición Internacional presentaba diferentes avances tecnológicos no directamente basados en el arte, pero se transformó en una convención de diferentes ideologías defendidas por los artistas representativos de cada país.
Mientras todo eso pasaba en Europa, muchos artistas emigran a Estados Unidos. Harold Rosenberg, importante crítico americano, publica On the fall of Paris, noviembre de 1940, un artículo donde relaciona la caída política de París a manos de los nazis con la caída de París como capital cultural frente a Nueva York.
Características del Expresionismo Abstracto • Promocionado por galerías, museos, críticos y exposiciones.
• 1942 Peggy Guggenheim Art of this Century: centro para la creación de cultura artística norteamericana.
• Abstracción + Expresionismo: evasión de lo exterior por exploración de lo interior • Renovación espiritual tras la guerra • Canalizar la emoción, pesimismo, impulsos internos, catarsis ante la angustia • Influencias del surrealismo vía artistas exiliados (acto de pintar = automatismo psíquico = gestualismo) • Espontaneidad: hacer salir los niveles profundos del ser interès en el inconsciente colectivo.
• Gestualidad, violencia, acumulaciones de color: Action Painting — Pollock • Exaltación del acto de pintar (acontecimiento) Jackson Pollock en relación con Emilio Vedova (Europa) en el action painting, el uso de todo el cuerpo para pintar, importancia en el movimiento – hará falta un gran formato paa captar el movimiento del artista en el espacio.
Expresión individual como relación intensa con la pintura, mientras las primeras vanguardias estudian la relación del individuo con el mundo, las segundas se deshacen de este y exploran el ser en si mismo.
Tendencia al all over = ocupar todo el lienzo, la pintura se extiende hacia el infinito. No hay un espacio central ni un clímax.
Barnet Newman: “Estamos reafirmando el deseo natural del hombre por lo exaltado, por una preocupación por nuestra relación con las emociones absolutas. No necesitamos los apoyos obsoletos de una leyenda desfasada y anticuada. Estamos creando imágenes cuya realidad es patente y que están desprovistas de los soportes que evocan las asociaciones con imágenes anticuadas, sublimes y bellas. Nos estamos liberando de las trabas de la memoria, la asociación, la nostalgia, la leyenda, el muto, que han sido los recursos de la pintura europea occidental. En lugar de hacer catedrales de Cristo, el hombre, o la vida, las estamos haciendo a partir de nosotros mismos, de nuestros propios sentimientos. La imagen que producimos es la de la revelación, evidente, real y concreta, que puede comprender cualquiera que la mire sin las gafas nostálgicas de la historia.” (Lo sublime es ahora, 1948).
Ruptura con la tradición europea, con la composición clásica y la relación de espacios = fonamentos del nuevo arte expresionista abstracto. Por primera vez Estados Unidos tiene una vanguardia a nivel internacional.
3-9-2014 El arte tiene un componente ritual, cuando se puede reproducir la obra técnicamente, esta podrá ser mostrada de forma masiva – se pierde el carácter sacro, puede ser descontextualizada y recontextualizada.
Jackson Pollock será reconocido por la revista Life como el mejor pintor vivo en el año 1949. Eso servirá para popularizar y abrir un movimiento artístico establecido en Nueva York, aunque seguirían con un ambiente elitista. La Escuela de Nueva York ganará protagonismo; el grupo escribe a la revista alegando que no están suficientemente protegidos por la institución el 1951, abriendo un debate sobre la importancia de proteger los jovenes artista emergentes del país, ya que en el momento sólo se hacía con los europeos. Las élites políticas (CIA) considerarán la importancia de patrocinar un núcleo cultural própiamente americano de vanguardia para distanciarse de Europa y confrontarse directamente a Rusia – instrumentalización del expresionismo abstracto.
El expresionismo abstracto empieza a gestarse en los años 40, al llegar a los 50 ya se ha completado como estilo unitario Pollock Autumn Rythm 1950 - “Cuando estoy dentro de mi pintura, no soy consciente de lo que hago. Solo después de un período de “amoldamiento” veo lo que he realizado. No tengo miedo a hacer cambios, destruir la imagen, etc. Porque la pintura tiene vida propia. Intento dejarla fluir.” Se interesa por la tradición de los indios navajos de pintar en horizontal en el suelo, para luego destruirlo. Formación dentro el movimiento que tuvo lugar en el new deal promocionado por el gobierno – estilo realista de izquierdas. Trabajo sobre el arquetipo y la psicología; inconsciente colectivo como posibilidad de crear arquetipos canalizados en la gestualidad.
Abstracción o no abstracción, conserva referencias figurativas.
Estilo de telaraña, superposición de capas, un cosmos de colores y goteos. 1950 mantiene aún cierto respeto al marco (composición central).
A partir de 1953 recupera la figuración con elementos simbolistas ya trabajados en los años 40.
Rothko Colorfill. No hay violencia en el trazo. Composición espacial marcada claramente. Trabajo específicamente basado en el color y la veladura. Grandes dimensiones. Interpelación directa entre el observador y el quadro.
Trabaja también dentro el programa del new dea iniciándose en un realismo que derivará en simbolismo. Se interesa por el mundo arcaico. Progresivamente elimina la figuración, influencias de Matta. El color adquiere importancia, planteado de forma desordenada y trabajando en veladuras, hasta llegar a la creación de rectángulos que superponen colores creando un espacio de experimentación para el espectador.
9-10-2014 De Kooning Queen of hearts, Black untitled, Ashville... Va rompiendo el espacio a través de líneas, salpicaduras... tiene todavia referencias figurativas muy evidentes, irá avanzando hacia un espacio más complejo y roto.
Destacan sus representaciones de mujeres, desgarradas y que recuerdan a Die Brüke.
Con su explícita polémica social, los artisas de Die Brücke se habían limitado a presentar tipos o modelos (aunque negativos): éste es el error que De Kooning se propone corregir sustituyendo el expresionismo figurativo con un expresionismo abstracto que ya no capta la realidad del mundo revelando sus contradicciones, sino que explora en profundidad expresando la angustia de la condición humana del ser-en-el-mundo. El gesto impresionista de pintar, de colocar los colores, de darles fuerza y de manipularlos sobre la tela, para De Kooning es un gesto de ruptura que desintegra la realidad.
- “La pintura no es sólo el objeto visual que llega a tu retina, es lo que hay detrás de él y dentro de él. No estoy interesado en “abstraer” o eliminar objetos, o en reducir la pintura (…)" En America los expresionistas abstractos van a estar muy mediatizados, serán sacados como una imagen heroica en contacto con la materia, casi como respuesta a la tendencia del arte moderno a la intelectualidad i distanciamiento de la manufacturación de la obra.
Motherwell (1915-1991) - “Me doy cuenta de que cualquier significado acumulado de una pintura no es más que el significado acumulado de diez mil pinceladas, cada una de las cuales ha sido decidida durante el acto de la pintura. En ese sentido, la pregunta ¿qué significa una pintura? Es en esencia incontestable, salvo como acumulación de cientos de decisiones ejecutadas con el pincel(…)" Aún querer distanciarse del arte de avanguarda europeo, muchos artistas volverán a tendéncias propias de las primeras avanguardias (trabajo del inconsciente, por ejemplo).
Elegia a la República Española. A las cinco de la tarde, 1949 La caída de la República Española tendrá una gran importancia como símbolo para el pensamiento de izquierdas posterior. Trabajo de la mancha.
Identificación con el barroco español en el trabajo en blanco y negro. Constante referencia a la República Española, tema controvertido en tiempos de caza de brujas de McCarthy. Motherwell explicará que no considera sus elegías como reivindicaciones políticas sino que tienen una intencion más bien poética.
Newman (1905-1970) empezó como crítico y estudioso, unificará los artistas expresionstas abstractos y planteará una teoría del movimiento. Conectará el movimiento con la abstracción postpictórica, aunque en un principio se rechazará la conexión.
Onemnt I, 1948 Su estilo entraría dentro el campo del colorfill – podemos identificar cierta gestualidad en estas franjas de color, que se irán convertiondo en zonas completamente planas y apersonales. La mano del pintor será cada vez más dificil de ver Vir heroicus sublimis, 1950. Se interesa en crear un espacio ambiental, la obra de arte de gran tamaño como una obra atmosférica.
Será precedent para Donald Judd.
Retórica del individuo alienado pero a la vez heroica de los artistas del expresionismo abstracto, la mayoria hombres, que será altamente mediatizada.
EUROPA Al mismo tiempo que se desarrolla el expresionismo abstracto en Estados Unidos, se vive en Europa una situación diferencia. La Segunda Guerra Mundial afectó en todos los aspectos posibles a Europa; a diferencia de Estados Unidos, los ciudadanos Europeos se vieron directamente y físicamente afectados por la guerra, la vieron y la sintieron, con un gran sentimiento de destroce como consecuencia. Además, ya desde los años 30 se estaba desarrollando una dinámica de rechazo con las vanguardias (sobretodo por los fascismos) y se buscaron modos alternativos.
Recuerdo de la violencia muy presente. Sentimiento de culpa en Francia por haber sido vencidos además de los colaboradores, aquellos que ayudaron a los nazis – desde el gobierno francés a los mismos ciudadanos, como contraposición a la resistencia francesa. Todo eso formará el movimiento artístico informal, gestado al margen de los organismos oficiales.
Francia como nación tendrá que definirse después de la guerra, e inmediatamente después de esta, después de años de invasión y crítica directa al arte de vanguardia, apostarán por hacer una declaración de principios escogiendo a Picasso como representante. Picasso era el ejemplo de artista de vanguardia que se renovaba constantemente (juntamente con Mondrian y Gorki) – era un artista de vanguardia, moderno y de izquierdas.
Informalismo Francia intenta construir una identidad cultural que sobrepasase la vergüenza del colaboracionismo. En pequeños espacios irán apareciendo artistas que se distinguen claramente de Picasso. El término informalismo surge a tavés de Jean Fautrier, que plantea una abstracción plenamente matérica, en la que se puede ver la pasta de la pintura; agrupa un gran número de artistas, aunque habrá mucho rechazo y controversia hacia esta etiqueta.
No veremos una unificación estilística ya que surge en pequeños núcleos. Charles Estienne, intentando conectar el nuevo estilo francés con Estados Unidos, busca unificar tendencias.
Michael Tapié crea toda una mitología y vocabulario para reunir diferentes grupos y artistas.
Había muchos artistas que des de la guerra se interesaban por la abstracción, pero sobretodo con el trabajo sobre la materia.
Características del informalismo: • Entre abstracción y cierta figuración • Cualidad visual de las formas, calidades matéricas, evocación de signos • Importancia de la mancha frente al dripping • Desengaño por la guerra y desconfianza en los valores vigentes • Existencialismo y surrealismo: lo inconsciente, fantástico se encuentran valores permanentes (contra las estructuras de la razón) • Zozobra: materia torturada, despojo, prevalecen los materiales • El artista: araña amasa, rasga y pega.
• Variedad de recursos plástios: pincelada, empaste, ensamblaje • Juego con los límites del lienzo, introducción de materiales extrapictóricos • Técnicas: collage, grattage, frottage...
• Tipos: ◦ Pintura gestual – vitalidad, trazo (Soulages, Vedova, El paso...) ◦ Pintura matérica – (Tapies) ◦ Pintura sígnica Jean Fautier mostrará sus obras La judía, 1943. Había oído las torturas, había estado ingresado en un psiquiátrico donde había pacientes contando sus vivencias con los nazis.
No hay forma definida; cierta reminiscencia figurativa, referencia clara al mundo sensible, hay una intención. Trabajo muy tactil, casi sucio y destructivo. La figura sigue estando situada en el centro, de composición muy clásica. Hay forma y fondo distingibles. Hablamos también de formatos mucho más pequeños que los americanos.
Serie Otages, 1944-1946 – referencias directas a rostros, aunque si hay una abstracción. Tono mucho más inquietante que el estilo expresivo de nueva York.
Cabeza de rehén, 1944 – tonos ocres que recuerdan a la putrefacción, relieve de la materia.
Jean Debuffet, se convertirá en uno de los artistas reconocidos por la crítica de Estados Unidos, que solía considerar el arte francés como decadente. Morobolus, 1945 – trabajo en pastas densas en las que hay un trabajo dentro de una figuración extremadamente naíf y a la vez muy perturbadora. Interpelación directa al espectador.
-“Por este término (art brut) entendemos las obras producidas por personas que no han sido dañadas por la cultura artística, en las cuales el mimetismo despeña un papel escaso o nulo... Estos artistas derivan todo, temas elección de los materiales, medios de transposición, ritmos, estilos de escritura, etc., de sus prpias profundidades y no de las convenciones propias del arte cl´sico o de la moda. En estos artistas asistimos a una operación artística por completo pura, sin refinar, en bruto, totalmente reinventada en cada una de sus frases a través de los únicos medios que son los impulsos propios de los artistas. Es, por tanto, un arte que manifiesta una inventiva sin parangón…" Rechazo a la academia, a las enseñanzas oficiales. Valor de aquellos que están fuera del sistema, enfermos mentales, niños... Quiere su pureza inventiva, originalidad, etc. Hay un rechazo tan fuerte al sistema que llevó Europa al horror de la guerra, que los artistas buscarán formas para crear un nuevo mundo creativo.
16-10-2014 En los años inmediatamente posteriores a la Guerra Civil España adoptó una economía aislada, cerró las fronteras y se le denegó la entrada en los órganos de política internacional. Buena parte de los artistas habían huído al extrangero, y por aquellos que se quedaron o nuevos artistas, era muy difícil conseguir un permiso para visitar otros países.
Final de la Guerra Civil Española → Dictadura Fascista → Cambio de los preceptos estéticos (demonización de la vanguarida y la abstracción que habían apoyado la república).
Proceso de reconstrucción cultural e instauración de una nueva política, se busca recuperar la hegemonía de la España Imperial del s.XVIII – producción de estilo del barroco español, se teorizará sobre la posibilidad de actualizar el estilo (Eugeni d'Ors). Des del franquismo se promoverán exposiciones de barroco con el discurso de “continuación de la herencia del Siglo de Oro”. (ej. Paco Ibera, La Guerra ha terminado, 1939) Se busca reconstruir España dentro del legado imperial, voluntad representada por el Monasterio de San Lorenzo del Escorial de Juan de Herrera, monumento que será reproducido por todo el territorio culminando en El Valle de los Caídos.
Paralelamente tiene lugar un movimiento clandestino de recuperación de los estilos vanguardistas a pesar de la fuerte crítica de las instituciones; finalmente acabará triunfando la pintura imformalista.
Barcelona a partir de 1948 (Dau al Set) Barcelona será uno de los primeros enclaves donde la voluntad de recuperación de las vanguardias se consolidará en un grupo de artistas: Dau al Set (formado por escritores, pintores e intelectuales). Como los movimientos estadounidenses, quieren establecer una continuidad entre las primeras vanguardias y la modernidad – idea de desarrollar las bases vanguardistas. Recupera características del movimiento dadaísta y surrealista e irán depurando el estilo hacia el informalismo (detaca Tàpies). Toman a Miró como modelo contemporáneo. Publican revistas donde analizan la actualidad.
Influencias del misticismo medieval; no se ha desarrollado una abstracción.
Desvinculación total del arte con lo social o revolucionario para centrarse en el ámbito individual.
Ej. Joan Ponç Dau al Set, 1947 — Referencia a Miró, estilo de constelación; la mancha y el color empiezan a cobrar protagonismo.
Tàpies desarrollará una serie de autorretratos de aire místico (Autorretrat, 1947) – referéncia a la religión. Reflexión individualista. Empezará a usar materiales extrapictóricos – la materia adquiere importancia (Collage de l'arròs i cordes, 1947). Evoluciona hacia lo simbólico; lo onírico en relación al surrealismo va tener un papel muy importante (The las reader. The letter, 1950).
Santnder (Escuela de Altamira) Al mismo tiempo que Dau al Set empieza a formarse en un círculo pequeño de Barcelona, surgían otros círculos por España trabajando sobre la necesidad de desarrollar la modernidad hacia la abstracción: Escuela de Altamira en Santander – primitivismo, influencia de el estudio de las Cuevas de Altamira (pinturas prehistóricas). Interés en el proceso primigenio de creación del artista (idea original de Geritsz, que crea un espacio de reflexión planteando la necesidad de crear un arte nuevo – volver a lo esencial). Modelo principal = Miró.
La Escuela de Altamira conseguirá el apoyo del governador civil de la ciudad = se oficializa el movimiento. Se trabaja sobre el surrealismo prescindiendo del pensamiento político – individualismo = Estados Unidos.
- “Para la creación de la obra cuenta más la ley de las mareas y la migración de las aves que las instituciones sociales” — Luis Felipe Vivanco, 1951 (crítico de arte).
Se considera que el arte genera arte, el contexto socialpolítico queda al margen de la expresión del artista. Valoración formalista.
Individualización de la creación artística = prescindir de ideas políticas en el arte = posibilidad de un arte moderno en una dictadura fascista – proceso de negociación entre artistas y régimen 1951 – Primera Bienal Hispanoamericana: primer signo de apoyo al arte moderno en España (obras como: Dos de Ramis, Aborigen de Millares, Ellos acusan de Tapies, Redes y Verdes de Mampaso).
Reacciones similares a la Exposición de Arte Degenerado de 1937. En 1955 la Bienal claramente apoyará a los artistas informales = transformación de las instituciones culturales y un punto clave para el desarrollo del arte español.
Dalí vuelve a España y se declara a favor del franquismo. Al régimen le interesa el apoyo de una figura de peso internacional, se buscara el retorno de los artistas exhiliados; el régimen ve los beneficios de neutralizar la vanguardia a su favor. La viveza de un mundo artístico en el país denota cierta modernidad, cosa que puede ayudar al régimen a ser aceptado por Europa.
1953 – Contexto de Guerra Fría, el régimen fascista de España pasará a ser un punto de apoyo para frenar el comunismo. Se firman contratos con Estados Unidos (= inyección monetaria), se abren las fronteras y se permite su ingreso en órganos internacionalos + Acuerdo con el Vaticano a cambio de otorgar poder a la Iglesia en España. Cuando España entra a formar parte de los circuitos internacionales, Estados Unidos propicia su contacto con redes artísticas.
=> Llegada de exposiciones, publicaciones, posibilidad de mobilidad de los artistas y mejora de las condiciones de vida de la población. Se establecen relaciones con el grupo informalista de Tapié en París – estudio de las primeras vanguardias. Ej. La Aparición, Guerrero, 1946 – influencias de Matisse. Paso por los diversos lenguajes vanguardistas como proceso de aprendizaje.
Surrealismo como punto de encuentro.
III Bienal de Arte en Barcelona – exposición clave, da protagonismo a los artistas modernos y el tono de crítica disminuye; Estados Unidos participará como país invitado = se exponen las obras del expresionismo abstracto (Pollock, Motherwell, Rothko...) = posibilidad de confrontación con la producción española.
En 1957, la Sala Gaspar en Barcelona expone a los artistas informalistas franceses – Arte Otro (Tapié, Appel, Burri, Mathieu, Saura, Tàpies, Fautrier, De Kooning, Pollock, Tharrats, Vila Casas...) - Las manchas, texturas e incluso signos de esta pintura, no necesitan transcripción, actúan como expresiones desde el mundo interior del artista al mundo interior del contemplador sensibilizado para tal tipo de creación — Juan Eduardo Cirlot, 1957 Se busca el arte por el arte, expresión del mundo interior del artista (individualismo). Tapié diseminó su teoría estética aunando las producciones de Europa y América (visión integradora no usual; Greenberg y otros críticos americanos separaban claramente las dos producciones).
Madrid (El Paso) – 1957 Discurso individualista, sin embargo, los artistas se presentarán a si mismos siempre como grupo o colectividad. Intención integradora – movimiento de transformación de la sensibilidad cultural en España, fundamental para introducir la modernidad. Defensa de la subjetividad. Reducción de la paleta de colores, importancia blanco-negro en relación al legado artístico del barroco español – Velazquez, Goya... => se busca una continuidad esencial de la cultura ibérica: Se propone (según manifiesto) un arte fuerte, profundo, solemne y significativo (...) nuestro propósito de sentar las bases del futuro arte español de carácter universal en el cual predominen ciertas características mantenidas como constantes en el arte ibérico de todos los tiempos – recuperación de una serie de preceptos esencialistas presentes a lo largo de la trayectoria del arte español.
Bienal de Venecia de 1958 se conocerá Tàpies y impulsará a los círculos de artistas modernos españoles hacia la promoción internacional – el régimen entiende los beneficios de apoyar el arte moderno (= normalización como país, atracción de turistas, etc...).
23-10-2014 2. ARTE Y CULTURA DE MASAS: LOS AÑOS DEL POP Inglaterra: Independent Group Apropiación de las figuras icónicas de la cultura de masas (cine, publicidad, cómics...). Imágenes descontextualizadas en interacción con el espacio. Juego de escalas, superposiciones y fragmentaciones de un espacio que como espectadores reconstruiremos – primeras propuestas de lo que será el Pop Art.
Arte de los objetos cotidianos – recuperación del ready made de Duchamp: un objeto banal puede convertirse en obra de arte al cambiar de contexto.
I was a rich man's plaything Eduardo Paolozzi, 1947 Exposición This is Tomorro's Art 1956 – estilo iconoclasta, superposición de imágenes popularizadas por el cine. Obras grupales, organización por espacios. Se busca romper las convenciones de la pintura como objeto a observar para transformar el arte en un espacio a entrar y habitar. Uso de personajes del entretenimiento de consumo: Tobby the Robot = ironia.
Richard Hamilton: Just What is It That Makes Homes So Different, So Appealing? Propuesta de cartel para la exposición. El artista, además de interés por los avances tecnológicos, tenía una relación directa con el mundo de la cultura pop más allá del círculo plástico — fascinación por las celebrities.
Hamilton crea una marca de si mismo y se comercializa = apropiación de los sistemas publicitarios de compra-venta de los 60. Interés por Duchamp.
David Hockney: A bigger splash, 1963 No es apropiación, usa el lenguaje pictórico de los dominios de consumo. Trabaja sobre espacios domésticos de la clase acomodada, remitieno a los ambientes de tv y cine. Pincelaa limpia, superficies unifermes y claredad de líneas. Despersonalización del arte? Pop Art en EEUU Estados Unidos será donde se desarrollará de forma más grande el movimiento. Consolidación y consagración en 1962, cuando un artista pop es portada del Life. Se expone sobretodo en galerias. Influencia de la presencia de Duchamp en Nueva York; los artistas tienen acceso a él.
1964 Gran Premio de Pintura para Robert Rauschenberg a la Bienal de Venecia – primer artista americano en ganar + entrada del Pop en Europa.
Se ataca claramente el posicionamiento tradicional del arte, específicamente al expresionismo abstracto: ante su subjetividad, expresión y mitificación del proceso artístico se busca la objetividad, despersonalización y distanciamiento de la obra = se trabajará en superficies limpias recorriendo imágenes del mundo publicitario.
Hay un proceso del paso del expresionismo al pop — Se retoman algunas de sus prácticas como el assamblage. Robert Rauschenberg, La cama, 1955 – obra que muestra la transición de movimientos: en la mitad superior no hay figuración sinó que se usan estrategias del expresionismo abstracto pintado encima de una colcha. Giro irónico, intimidad que los expresionistas abstractos planteaban en su obra, la relación directa con el lienzo Respecto al Dada, coincide la voluntad de desmitificación del arte y el artista + introducción de lo cotidiano en el arte. Diferencias –> el Dada busca hacer una crítica a la sociedad, mientras que los artistas Pop y Neodadaistas buscan sorprendrer por sorprender siempre dentro las instituciones del mundo del arte. En el neodadá emplean los ready-made para descubrir en ellos valor estético. Se reproducen los objetos del anti-arte elevados a la esfera artística.
Oldenburg: Soft Toilet, 1966 – no hay crítica però no es una acción puramente estética; hay un claro tono de humor e ironia.
- “Yo les lancé a la cara botellas y el orinal como una provocación y ahora los admiran como lo bello estético” — Duchamp, 1962 Características del Pop Art • Apropiación de las técnicas de los mass-media según los hábitos de visualización de la sociedad contemporánea: el mundo popular de los 60 estaba invadido de imágenes que invitaban al consumo.
• Estética del desperdicio • Introducción de los objetos comunes (herencia de Duchamp), reforzando de su carácter objetual (ambivalencia entre arte y relidad) reproduciéndolos en serie. Ej. Warhol: Brillo Box • Fascinación por el mundo urbano.
• Ruptura con la concepción tradicional de obra de arte y la organización del mundo artístico.
• Búsqueda de bidimensionalidad (imitando el múndo de la publicidad) – colores planos en pintura acrílica, gran formato (introducido por el expresionismo abstracto, para establecer una relación directa entre obra i observador), uso de la fotografia (del pop inglés), serigrafia (para conseguir un acabado clean despersonalizado totalmente y reproducible) • Iconografía apropiada de diferentes medios – comic, publicidad, cine...
Hamilton: Interior II, 1954 – Ingrid Bergman (icono del cine) introducida en un espacio cotidiano.
Se representa el entorno donde la clase media consume las imágenes del televisor (los massmedia). Pintura + collage. Obra de y sobre la sociedad.
Lichtenstein: Hopeless, 1963 – imita el estilo frío de los cómics producidos en masa.
Descontextualización de una viñeta, elimina la narración => interés por la estructura formal.
Rauschenberg: Express, 1963 – concepto de secuencia cinematográfica. No busca narración, sinó imitar la sensación de avance de planos.
Fregmentació, repetición y serialización – Warhol 16 Jackies, 1964 – serigrafia jugando con la intensidad de coloroes, la obra cambia un poco a cada copia. Sociedad de consumo como una repetición constante que crea neceseidad para seguir consumiendo.
24-10-2014 - “Son cuadros de y sobre nuestra sociedad” — Richard Hamilton Tom Wesselmann, Gran desnudo americano, 1964 – sexualidad como producto dentro el consumo de masas. Se transforma la voluptuosidad pornográfica en arquetipo (reducción a lo esencial, colores planos, bidimensionalidad…), no se representa una mujer en su concreción, sinó la “imagen de la imagen” de una mujer. Proceso de separación y distanciamiento de los artistas respecto la técnica y el significado. Se trata de una figuración no representativa.
Distanciamiento y objetividad => manifestaciones de las sociedades del capitalismo tardío) - “Pienso que cualquiera sería capaz de hacer por mí todas mis pinturas” — Warhol; cualquiera puede hacer arte. Creará la Factory, busca la maquinización y industrialización del arte.
Trato de la obra de arte = mercancía – obras se reproducen como objetos de consumo y llegan a la masa, producen dinero. Juego irónico entre la neutralidad y la exaltación de lo popular.
- “Pinto cosas de las fotografías... la fitografía era una imagen producida por una máquina... La reproducía tan fotográficamente y precisa como podia..." — Rosenquist; interés en la producción objetiva de la maquinaria.
James Rosenquist, President Elect, 1961-1964 – Coche y pastel = referencia a la opulencia americana. Crítica? Es el sueño americano optimista, generoso y naive... El mito americano. Pero esto es el mejor de todos los mundos posibles (R. Indiana).
- “Estoy estupefacto, fascinado, excitado por el modo como las cosas son lanzadas en plena cara. Estamos bombardeados por la radio, por la televisión y las obras de comunicación visual...
con tal fuerza y tal rapidez que la pintura parece ahora un muy viejo juego... La pintura es probablemente más apasionante que la publicidad; por qué no darle entonce el mismo poder, el mismo brío, el mismo impacto” — Rosenquist, F111, 1962 Jasper Johns, Target with plaster casts – artista pop en la transición entre neodada y el popart, destaca la materialidad de la obra. Tres banderas, 1958 – símbolo. Usar la bandera americana me ayudó porque no tenía que diseñarla. Así que seguí trabajando con cosas similares como dianas, cosas que la mente ya conoce...
Painted Bronze, 1960 – latas de cerveza pintadas = Eleva a objeto artístico algo de desecho (= Duchamp).
13-11-2014 Raúl Martínez Fragment, 1967 usa las estrategias Pop dentro del marco de la revolución cubana; antes trabaja durante la dictadura en códigos informalistas, buscando crear shock en las elites del poder => arte como herramienta antiimperialista.
- “Mi vida artística se divide en dos periodos; uno la abstracción, el otro la figuración. La primera fue la única manera de descubrir des de adentreo quien era yo como ser humano. La segunda descubrir des de a fuera.” Viaja a Nueva York.
Uso de los carteles como espacio de experimentación de las estrategias Pop (iconos, repetición) planteando cuestionamientos de la estructura. No plantea iconos de la sociedad de consumo sino figuras del mundo revolucionario cubano. Cuba Lucía – imita el estilo serigráfico de Warhol en óleo.
La isla, 1970 – cronologia bastante más tardía que las obras del pop en EEUU. Tendencia a la multiplicación sin pretender la serialización de Warhol; personajes individualizados en un espacio tropical, representando la sociedad cubana que se está construyendo.
Personajes mezclados en un espacio tropical, representa la multiplicidad de aquellos que representan la revolución. Cuba está apoyada por la Unión Soviética pero hasta entonces no incorpora el estilo artístico del realismo socialista: se intenta unir experimentación artística con las tendéncias de esta ideología.
TEMA 3: ESTRUCTURAS, PROCESOS Y PERCEPCIÓN EN LA ERA TECNOLÓGICA: CINETISMO, NEOCONCRETISMO Y OP ART Después de la segunda Guerra Mundial, los artistas del Arte Concreto van a perder fuerza.
Muchos de ellos se trasladan a Suiza y recuperan las ideas de los años 30.
Max Bil Half a sphere around an axis – era miembro de la Bauhaus.
Denise René, galerista francesa que pondrá en contacto a las nuevas generaciones y los artistas de vanguardia con otros que trabajaban en el momento; se interesa por la abstracción geométrica, expondrá a partir de 1955 obras en relación al movimiento: exposición Le mouvement, donde Tinguely, del grupo de los Nuevos Realistas presentó sus obras.
En París seguirán ciertos reductos abiertos a la abstracción geométrica.
Arte cinético o Op art. En París se utilizó el término “cinético” para todas aquellas obras que trataran el movimiento real o virtual.
En 1955 se realiza una exposición en Nueva York The movement – despierta el interés de los críticos por el arte virtual (figuras geométricas que crean el efecto de movimiento en la retina humana) = Op art (1955-1968).
Los artistas van a trabajar a partir de las formas geométricas básicamente (por eso Tinguely se separa del movimiento) – búsqueda en el racionalismo, geometria, interés por los sistemas de percepción visual y un desinterés total por la angústia del informalismo/expresionismo.
Se usan diferentes estrategias: multiplicación, uso de blanco y negro, confusión entre figura y fondo... estímulos retinianos (desestabilización de la percepción estructurante) que se basan en teorias psicológicas de la percepción (Gestalt) –> percibimos lo más simple a una vez, y después el ojo da sentido a las formas que percibimos. Cuando se complica el proceso de llegar a la imagen esencial se forma la sensación de movimiento. El espectador es fundamental para que el movimiento se produzca – algunos críticos hablan del “ojo-motor”, que pone en movimiento a la obra.
Vasarely, Bi-Forme, 1962 – uso materiales industriales reflectantes que favorecen la sensación de vibratibilidad + figuras geométricas que nos impiden captar los triangulos y cuadrados = sensación de movimiento. Idea de perturbar la actividad del ojo. Crítica por su carácter comercial, se popularizó y la indústria se apropió del estilo.
Características del Op Art • Abstracción geométrica • Bipolaridad blanco-negro • Estructuras de repetición • Redundancia • Racionalidad: relación arte y ciencia • Interés por la Psicología de la Percepción • Participación del espectador (espectador creativo) • Importancia del factor del tiempo – reconfiguración del concepto de obra: no solo no está hecha por un sólo artista, sinó que necesita de un público que la perciba.
Bridget Riley, White Disks, 1965 y Movement in squares, 1961.
El color lo hace más confuso.
Estructura all-over, no hay ningún elemento central Cruz-Diez, Fisicromia, 1961 — Sensación de movimiento no directa, se produce cuando nos movemos como espectadores. Listones de madera pintados enganchados. Sensación de color y movimiento más allá.
Soto fusiona informalismo y cinetismo: Vibración, 1967. Juego con la contraposición de dos pantallas. Dibujo gestual, gran formato. Al hacer sus Penetrables hay introducción de lo corporal => apela a la interacción del público.
GRAV – “Groupe de Recherche d'Art Visuel". Artistas de orígenes diversos producen obras individualmente dentro de un contexto común además de algunas obras colectivas, usando materiales industriales. Buscan la desestabilización de los procesos de la visión y la percepción + desmitificación de la obra de arte. Participación del espectador (de lo estético a lo político) — carácter lúdico. El laberinto del Grav, bienal de París de 1963 — Importancia de lo lúdico, el espectador tiene que incidir en el espacio para ver las obras. Experiencia del tiempo, de recorrerlo es fundamental.
Morellet – interés por las estructuras geométricas op art de la retícula. A la vez, desmonta la forma de la esfera, idea de inestabilidad.
14-11-2014 Julio le Pare gana la Bienal = reconocimiento individual = la institución se apropia de un movimiento de voluntad rompedora = cinetismo como movimiento internacional.
En Cuba, Elena Serrano: Che, 1968.
Se imita a artistas europeos, intercambio de tendencias; justo después del contacto - principios cinéticos de desetabilidad con los iconos cubanos, sentido ideológico claro. El poster tiene más desarrollo artístico en cuba.
Influencias del GRAP - multiplicación del cuadrado.
Colores planos. Expansión - el Che está irradiando = estrategias cinéticas con contenido ideológico.
En Italia Gruppo N — cinetismo desarrollado en provincias. Artistas propensos a la extrea izquierda. No se representan a sí mismos como artistas sino como trabajadores/científicos. Valoran el increíble desarrollo tecnológico del mundo occidental. Europa devastada aplica el Plan Marshall + sistemas de producción = desarrollo económico y producción en serie —> Punto de vista utópico positivista desarrollo = progreso social.
Teoría sólida pero la producción nunca llega al nivel tecnológico deseado. No llegan a introducirse en los medios de producción.
Grupos centrados en las relaciones psicológicas de la percepción, arte e industria.
En Londres, producción alrededor de la Signals Gallery — fascinación por trabajar con el movimiento desde un punto de vista més corporal que visual + sistemas perceptivos..
David Medalla, Cloud Canyons, 1964 — Interés por los procesos de transformación. Máquina que saca espuma. Significación poética.
Signals Gallery expuso por primera vez a Lygia Clarck, grupo sudamericano con interés por el movimiento sin eliminar lo subjetivo.
Construcción sin forma concreta correcta - voluntad propia de la obra.
En Brasil: 1a Bienal de Sao Paulo = descentralización del arte. Se invita a Max Bill (recuperador del arte concreto en los 40s) — teoría de los procesos de racionalización de la forma (unidad tripartita). Se organizan exposiciones para recuperar el arte constructivista = gran infuencia.
Se crean dos grupos: • Grupo Ruptura - Sao Paulo: Trabajo sobre la racionalización de la forma + constructivismo.
Formas planas despersonalizadas • Grupo 1954: Principios del arte concreto, se aleja de la mimesis, formas geométricas esenciales No van a sentirse cómodos dentro de los límites del arte concreto por lo que promueven el arte neo-concreto: •Reformulación del arte concreto desarrollado en Brasil •Participación corporal del espectador •Ruptura de la bidimensionalidad (arte en el espacio) •Experiencia subjetiva > percepción visual •Objetos tridimensionales y manipulables (materiales orgánicos) •Experiencia fenomenológica Trabajo en el espacio a través de la economía de formas Uso de materiales orgánicos sin coste Hand Dialogue, 1965: manos se convierten en esculturas por la goma.
Helio Oticica: Neoplasticismo — referencia a Malevich. Meta-esquemas.
Séries Núcleo - la obra ocupa el espacio entero, el espectador recorre la obra.
Bólidos - forma geométrica pierde importancia. Cajas sensoriales. No pierde contacto con el concretismo -> colores plano.
Las obras contienen elementos sorpresa para el espectador (siempre de materiales pobres). Valor de lo sensorial.
20-11-2014 Abstracción Geométrica En vez de hablar de arte óptico o cinético se llamara The Responsive Eye, en voluntad de unificar artista europeos y jóvenes artistas americanos, a lo que los estos sentirán rechazo Des del principio quieren separar-se de la tradición europea para crear una línea al margen y de comprensión diferente, desde la consciencia del objeto = manera de reforzar una tradición diferenciada.
- “Mi pintura se basa en que lo único que hay ahí es lo que se ve. Relmente es un objeto.No hay significación más allá, interés en presentar el color sobre la tela” — Frank Stella Stella trabajará con los mark-canvas – dlas formas no tienen que estar limitadas al marco sino que el marco en si mismo puede ser una obra.
- “Los pintores geométricos aspiran realmente a lo que denomino pintura relacional. La base de toda su idea es la balanza. Usted pone algo en un ángulo y lo balancea con alguna otra cosa en el otro. Ahora la nueva pintura es no-relacional. El factor de balanza no es importante... buscan pintura no equilibrada. La simetria permite que la balanza no sea necesaria, hay una repetición constante. Ninnuna parte se compensa con otra, es una especie de contínuo. Des de el punto de vista compositivo, el constructivismo se basaba demasiado en la compensación entre partes del parte: ej. Mondrian. “ Kenneth Noland – parte de la Nueva Abstracción. Desarrolla una obra basada en circulos/dianas centrades – forma central repetida sin compensación.
Línea de Sombra, 1967 – ejemplo de pintura no relacional, las partes no se compensan.
A diferencia de las producciones europeas, los autores quieren dictaminar como tienen que ser observadas, no dejando espacio a la libre interpretación o intersección con el público.Tamaño y escalas mayores permiten el desequilibrio.
Buscan una experiencia visual interesante que interpele el público de alguna manera. No pretenden más que eso: crear una relación diferente con el espectador – plantea cuestiones sobre qué es realmente una obra de arte. La necesidad del espectador, relación corporal. Creación de un espacio ambiental que el público recorre = fundamental para la abstracción geometrica y el minimalismo.
Ellsworth Kelly, Angulo Blanco – traspaso entre abstracción post pictórica y minimalismo.
ARTE MINIMAL - “No a la trascendencia y a los valores espirituales, no a la escala heroica, a las decisiones angustiosas, al relato histórico, no al artefacto valioso, a la estructura inteligente, a a experiencia visual..” — Ellsworth Kelly La simetría puede ser usada para hablar de otras cuestiones, rechaza la idea de valorar la reducción por su implicación de síntesis, ya que encuentra un interés propio en las formas mínimas. Importancia de la enteridad del objeto, sin partes – interés por la totalidad.
21-11-2014 Minimalismo Movimiento especialmente escultórico (aunque rechazan etiquetas) • Reducción a estados máximos de orden y mínimos complejidad • Redescubrimiento del constructivismo y Duchamp Eliminan lo social del constructivismo, valor de los materiales industriales Duchamp valor del concepto/idea más que obra Exposición Primary Studies, 1966, grandes formatos. “El arte no es útil”. Estructura = eliminan la idea de mimesis, creación de una imagen/espacio que no está.
Características del Minimalismo • Economía de las formas - geometría simple • Materiales industriales • Superficie limpia • Evitar relacionalidad entre partes —> repetición y serialización David Flavin trabaja con neones - introduce luz, efectismo.
Monument I for Tatlin, 1964 - homenaje al constructivismo (el monumento a la internacional), solo en el título. “Fetiche de lo material, valor de su reproducibilidad. Luz se proyecta en el espacio.
Donald Judd, 1968 Módulos producidos en serie - quieren separarse de neoplasticismo y constructivismo europeos.
Solo interés por America. Serialización = PopArt.
Robert Morris Sin Título. Tres bigas en L, 1965 Objetos que se refieren a sí mismos, no hay nada más allá (objetos específicos, elimina distinción entre escultura y pintura). Busca eliminar la huella del artista y la realización técnica.
Misma forma colocada diferente = cambiante.
Objetos específicos => el espacio real tiene 3 dimensiones. Así se pone fin al problem del ilusionismo y del espacio literal - se elimina relíquia notable y objetable del arte moderno. Rechazo a la base antropormorfica de la estrucura.
Carl André, Sin título, 1964 Eliminación del pedestal. Interés por Brancusi - ya había entrado en un trabajo no relacional.
Visión total unitaria, de conjunto. Composición = orden (Gestalt). Valor de la instantaneidad y la simplicidad.
Equivalent VIII - rompe con la norma de verticalidad de la escultura - horizontalidad.
Plano de magnesio y cobre, 1969 - sigue el concepto de Brancusi de escultura infinita en horizontal. La obra se tiene que experimentar.
Grandes dimensiones: presencia y ambiente. Interés en el objeto dentro del espacio. Crítica formalista - la obra entra en una dimensión más bien teatral.
Deriva hacia el conceptualismo = conceptualización > obra material. Lo importante es la planificación de la obra pero hay que hacerla para verla. Valor de la experiencia perceptiva.
Abstracción geométrica en España Se introducen tendencias ópticas y un cierto minimalismo.
Jorge Oteiza — artista que se desarrolla en dialogo con París. Trabaja sobre la abstracción material/metafísica hasta desarrollar la Caja Vacía, 1958 (estudio del espacio, racionalización…) Forma el Equipo 57 bajo la idea de colectividad y anonimidad. Plantean una obra contraria al informalismo en voluntad de recuperar el constructivismo.
Equipo Córdoba — promueven pintura colectiva, racional, formas puras… Se unirán para dar alternativa al informalismo. Movimiento de estilo internacional sin connotaciones racionalistas promoviendo una experiencia positiva, política. La crítica lo ve frío.
=> Arte Normativo plantea una teoría de movimiento utópica para la transformación de la sociedad mediante la estética. Revistas como plataformas de reflexión. Trabajo con el espacio plástico.
Diseñan objetos - buscan afectar la vida con el arte.
No tiene efecto real y se pasa al realismo crítico.
27-11-2014 A partir de la segunda mitad de los 60, en España se recupera el interés por la abstracción geométrica — se buscará la estructuración de la forma = Estados Unidos y el proceso de reducción formal de la abstracción pictórica en relación con el minimalismo. Todos los artistas intentan justificar una relación con el contexto social o el espacio — se busca evitar asociaciones con el informalismo. Uso de materiales industriales mucho más comedido.
(ej. Gerardo Rueda Rojo, 1966: cajas de cerillas pintadas). Se desarrollarán en España una serie de exposiciones que agruparán los artistas más propensos a identificarse con el constructivismo.
Sistematización formal y con el color.
Galería Edurne en Madrid hace una exposición Op Art, introduciendo su relación con el mundo de la moda al invitar una diseñadora (en Estados Unidos se huía de esta relación).
Arte Objetivo - exposición que reúne jóvenes artistas interesados en la abstracción geométrica.
Angel Crespo reúne a los artistas bajo el termino “objetivo”, para no identificarse con las tendencias norteamericanas (Op Art, prefieren unirse al cinetismo). Se repiten las mismas prácticas que vemos en el arte óptico y cinético en París y otras ciudades, un poco más tardías.
Sempere - trabajos con electricidad en relación a la gestalt y la ley de la buena forma.
Eusebio Semprere Movil, 1968 // Salvador Soria Máquina para el espíritu, 1966 - idea de obra abierta, manipulable i transformable por el público.
Los artistas participarán en un seminario en la Universidad de Madrid Seminario de Generación Automática de Formas plásticas — asociar artistas con técnicos informáticos para llegar a producir arte a través del ordenador - Manuel Barbadillo Menele, 1965 - módulo que se mueve de forma sistemática. Falta de conocimientos técnicos y posibilidades reducidas en variedad de producciónes. Iturralde, Figura imposible, 1968. Por ese diálogo con la ciencia, matemática y cibernética, acabarán produciendo unas obras mucho más racionales y objetivas. Algunos artistas (Manuel Calvo) se distanciarán de la obra formal: El artilugio, 1967 - aparato que interactua con el público según lo manipule.
Lugán Computadora sensible al contacto humano 1970 - partes de ordenador que reaccionan cuando se acerca alguien. Interés en crear obras que interaccionen con el público.
Obras relacionadas con un estudio matemático.
Trabajo sobre el color y el monocromo (Michavila, Yturralde) Interés por la percepción trabajando a través de la repetición y otros (Pericot) 4. LA EXPANSIÓN DE LAS FRONTERAS DEL ARTE: POSMINIMALISMO, POVERA Y LAND ART El minimalismo provoca una reacción inmediata a la reducción extrema de la forma. Se cree que se ha llegado al límite de la experimentación formal — se buscan nuevas salidas y alternativas.
Posminimalismo Crítica al minimalismo mediante sus propias propuestas, planteando otras cuestiones y usando diferentes materiales. Objetos mucho más mórbidos, flexibles, evitando superficies límpias y industriales y las formas geometricas perfectas. El uso del espacio sigue siendo importante para la obra. Interés cada vez más importante en el proceso de creación más que en la obra en si misma.
Posminimalismo, antiforma y arte procesual — una serie de exposiciones a partir de 1966: Eccentric Abstraction; Lucy Lippard crítica: “serie de obras que aunque tienen componentes minimalistas lo superan al introducir el humor, el exotismo/excentricismo, dando importancia al carácter sensoria frente a la interpretación” (como hacía el minimalismo). Lippard crea una genealogía de estas prácticas relacionándolas con el dadá y el surrealismo y Oldenburg (del pop); reunión de artistas diversos según la posición de un crítico.
Obras de materiales sintéticos (no industriales) importancia del tacto = carácter sensual. Es un tipo de abstracción que no llega a desarrollar un estilo, hay artistas con maneras muy diferentes de trabajar. A pesar de su relación con el surrealismo y el erotismo, los objetos reniegan del componente metafórico o simbólico, pero no quiere decir que el espectador tenga que hacerlo.
Una de las artistas que participa en la exposición es Louise Bourgeois — desarrolla una obra en términos surrealistas en relación con temas de la mujer. Se acaba interesando por otras cuestiones: Double negative, 1963 - pasa de la figuración a unas formas no identificables con relación a elementos orgánicos = sensación de incomodidad, referencias inconscientes. Se interesa por la versatilidad de los materiales - uso de látex mezclado con yeso para crear una experiencia contradictoria flexibilidad y rigidez.
La fillette, 1968 - arte des de una perspectiva muy personal, arte = catharsis.
Referencia sexual constante. Violencia. Se hace fotos acunándolo. Relación contradictoria. Distancia del minimalismo. Importancia de la textura.
Eva Hesse — artista europea casada con un escultor vive en Estados Unidos.
Empieza a hacer obras que contradicen las formas autónomas y autorreferenciales del minimalista. Hang Up, 1966 - desestabiliza la forma perfecta del rectángulo y se apoya directamente en el suelo, invadiendo el espacio del espectador. Va a utilizar recursos minimalistas: repetición de forma desorganizada y manufacturación.
Uso de resinas y látex. Las formas no son regulares. Objetos mucho más volátiles, casi en transformación. Ennead, 1966 -hilos no tienen manera específica de colocarse, se transforma la obra según como la colocamos. Se va contra una forma establecida o concreta, busca transformación constante Anti-forma Robert Morris crítica al minimalismo desde el minimalismo. Busca la no forma con materiales no rígidos, sujetos a la gravedad y donde no hay preconcepción — azar, indeterminación, la obra se irántransformando. Hará una genealogía concidiendo con Lippard i Oldenburg (objetos blandos e inestables).
Transitoriedad (contra la idea preconcebida de forma). Proceso-acción: búsqueda de lo intangible.
Ya no se pretende centrarse en los objetos que se perciben unitriamente.
- “Lo que está siendo atacado es más que el arte como icono. Lo atacado es la noción racionalista de que el atrte es una forma de obra que resulta en un producto acabado. Lo que el arte tiene ahora en sus manos es materia mudable que no necesita llegar a un punto de tener que estar finalizada respecto a tiempo y espacio. La noción de que la obra es un proceso irreversible, que desemboca en un icono-objeto estático ya no tiene relevancia.” Crítica radical a los principios de qué es una obra de arte — no tiene que ser acabada, siempre estará en transformación. Obra abierta en el sentido del material. No busca una forma específica preconcebida. Untitled, 1969 importancia al comportamiento propio del material como resultado de la obral.
Conduce a formas que no han sido proyectadas de antemano, formas de ordenación casual e imprecisa.
Richard Serra One Ton Prop, 1969 - trabaja en diferentes términos. Formas geométricas, ahonda en la cuestión del desequilibrio. Cubo precario formado por placas no soldadas. Referencia directa a las obras de Carl André, levantar las placas de su escultura horizontal i construir un House of cards. Ro encircle Base plate hexagram, 1970 - introduce una figura en las vias de circulación de Harlem.
Trabaja con la idea de equilibrio precario.
28-11-2014 Bruce Nauman: Failling to levitate in the studio, 1966 Relación con el arte corporal. Trabaja des de California. Interés por Yves Klein - se empieza a crear una obra a partir de la acción.
Flour arrangements, 1967 — El vídeo es cada vez más importante para documentar lo efímero. Constante transformación negando una forma específica. Es más importante la acción de crear que la forma.
Transitoriedad, efimereidad. Importancia del comportamiento propio del material.. Aspecto lúdico de ir probando.
The true artist helps the world by revealing mystic truths, 1967 Neón. Ironiza sobre la figura del artista y su idea mística del expresionismo abstracto/romanticismo.
Self-portrait as a fountain - referencia a la Fuente de Duchamp.
Manipulating a fluorescent tube, 1969 Referencia al minimalismo, va moviendo el neón: dialogo con prácticas minimalistas. Participa de la obra. Relación prácticas experimentales + danza contemporánea - Dance or walk in the perimetre of a square, 1968.
Povera Mientras en los EEUU encontramos el minimalismo y posminimalismo, se desarrollan prácticas en Italia en relación con la producción de París (anti-forma).
1967 como punto de partida, primera exposición en Tourín. Los críticos buscan crear un discurso para unir diferentes artistas: Germano Celat. Figura del curador = crítico/teórico (= Restany en el Nuevo Realismo) Arte Povera: nuevas prácticas basadas en una vuelta a los objetos y materiales humildes (= antiforma) y introducir los naturales (no industriales) donde el material determina la forma (antiforma). Buscan crear conexión entre el hombre y la vida, no a través de la cultura (modernizada, capitalismo, industrialización) sino con una vuelta a lo natural.
Italia = tradición agrícola, años 60 tiene lugar una industrialización brutal, artistas del centro industrial del norte. Introduciendo carácter sensorial + lírico o poético.
Involucración política: 1967 - momento crítico en Europa, al margen del movimiento estudiantil posicionamiento de izquierdas, obras para transformar a la sociedad, verán limitaciones y renegarán.
Identificación con las guerrillas libertarias (Sudamérica y Vietnam). Crítica al capitalismo americano = se distancian del Pop Art, Op Art y Minimalismo - participa del arte capitalizado.
Relación experimental. Genealogía con sus propios artistas: Burri: Sacco, 1953 - primero en dar importancia a los materiales.
Fontana: Concepto espacial, 1959 - concepción social de la obra transgrede en el espacio.
Manzoni: Achrome Merda d’Artista, 1961 - amplia los límites de la obra introduciendo la experiencia del artista.
Escultura viviente fetichización del artista, cuestionamiento de qué es arte y artista.
4-12-2014 Cella (arte povera) - Textos Constatación sobre un sistema, la sociedad de consumo (“sociedad produce y el hombre consume”) - el artista forma parte del sistema y produce para él. Se basa en el marxismo. Sistema que aliena a seres humanos.
“De ahí la abolición de cualquier posición categorial por obra de una focalización de gustos que no añaden nada a nuestra vida, sino que vienen como gestos sociales autosuficientes… Identificación entre hombre i mundo.” El artista se convierte en un guerrillero para ir en contra del sistema. Arte rico frente a un arte pobre comprometido con la contingencia = efimereidad, el mundo que desaparece. Las obras del arte povera no están hechas con materiales que pretenden pervivir, de ahí la importancia del gesto por encima del objeto.
Crear un arte libre “nueva actitud para llegar un control real de nuestro ser”. El artista se sale del encasillamiento, vuelta a la naturaleza? Busca reestablecer la relación entre arte y vida (cuestión básica de las primeras vanguardias - a la vez que se va desarrollando la sociedad capitalista positivista, el arte empieza a ser arrinconado fuera del espacio de la comunidad para ser confinado a un mundo aparte, donde surje el artista-genio. Con las primeras vanguardias se va a reivindicar romper esta separación y reintroducir el arte como programa social. Con las nuevas vanguardias varios movimientos lo intentarán nuevamente; arte povera comprometidos con las revoluciones estudiantiles de los 60, quieren dar una nueva significación al arte).
Land Art Respuesta/en relación con el minimalismo — critica su componente teatral.
Desde 1968, a la vez que hay las obras de la anti-forma y arte povera, en EEUU surgen las Earth Works, obras a partir de la tierra Earthwork, Dwan Gallery, 1968 (comisarios: Robert Smithson i Virginia Dwan) - voluntad de traer a la galería elementos de la naturaleza.
Abandono del museo o estudio y trabajo con la naturaleza: teorización sobre el paisaje norteamericano y su relación con la americaneidad. Relación con la idea de monumentalidad de los movimientos precedentes.
Desarrollo de las obras en función del lugar - site specific (obra hecha para un lugar concreto).
Smithson considera importante integrar tanto el tiempo como el lugar - se centrarán en el paisaje natural (frente a Pop que presenta paisaje urbano lujoso, y el Povera paisaje de deshechos).
Intentar escapar del espacio institucionalizado de la galería. Se expondrá en galerías a partir de documentación fotográfica y video =/= representar. Tiempo y experiencia de la obra: necesidad de viajar y esperar para aprehenderla. No hay intención de persistencia del objeto - idea de la antropía, todo acaba en caos. Las obras acabarán siendo destruidas. Termodinámica: el espacio de energia acabará por desaparecer.
Hans Haacke, Condensation Cube, 1963 - “Hacer algo que experimenta, reacciona a su ambiente, cuya forma no puede predecirse con exactitud, hacer algo que reacciona a los cambios de luz y temperatura, está sujeto a las corrientes de aire y depende en su funcionamiento de las fuerzas de gravedad.” Relaciones entre formas geométricas, culturales (pirámides y zigurats), naturales (monañas) y sociales (estratificación de los deshechos de la Smithson, Nonsite, 1968 Disposición minimalista de materiales orgánicos. Cajas de piedras + cinco fotos de los sitios de donde sacó las piedras. Nonsite - a través de estos elementos, nosotros directamente referimos a ellos. Extraemos algo que pertenece al site dentro del espacio de la exposición.
Asphalt Rundown, Roma, 1969 - tira camión de asfalto que va a ir cayendo en honor al gesto de Pollock.
11-12-2014 Trabajo e investigación, materiales en comunión con la naturaleza, voluntad de visibilizar los procesos cíclicos de la naturaleza, presentada como un ente con vida propia. Tendencia animista — aplicar una comunión del ser humano con la naturaleza. Obras efímeras, materiales en transformación (como la piedra, solida, puede transformarse en algo fluido y al revés, entra en un ciclo de continuidad). “Lo que le da vida a la obra es también el que la destruye”.
Trabajar con la naturaleza para salirse deloading los espacios institucionales, del mercado. No hay auto-referencia a una obra de arte sino a un trabajo.
Necesita de la fotografía como lenguaje y para plasmar el proceso de transformación del material.
Ver desde una perspectiva más lejana y analítica, asimilar.
El tiempo como agente activo en la producción de la obra, afecta el proceso de creación. El tiempo no es controlable, único elemento que se escapa de su gestión = desafío de no poder controlar todos los parámetros. Seloading manipulará el tiempo en los vídeos para una percepción condensada del proceso.
Antropía = según Smithson proceso de desaparición de los objetos por el paso del tiempo. Es uno de los parámetros sobre los que trabajan los artistas del Land Art. Desaparición como algo que es consustancial a la existencia humana o a toda forma de energía.
Robert Smithson: Spiral Jetty 1970, Utah.
En Estados Unidos, los artistas del Land Art se fascinaron por el paisaje, a escala gigantesca y monumental, mientras que en Europa los artistas trabajaban a una escala humana, construidas por ellos mismos.
Michael Heizer, Dissipate, 1968 Trabajo a través de la eliminación, utiliza el vacío como espacio de reflexión. Formas minimalistas en negativo al espacio natural.
- “No hay ninguna foto que pueda describir la obra… El próximo año solo quedará el paisaje. el clima ha desarrollado el proceso y la obra ha sido fotografiada a medida que se iba desintegrando. La abstracción prolifera paralelamente al deterioro físico, ambos entablan un diálogo.” La obra tiene el mismo proceso de construcción y de desaparición, tensión de factores crea la obra.
Walter de Maria, The Lightning Field, 1974-1977 Pone para-rayos siguiendo una retícula de estructura geométrica (fundamental también en minimalismo), planifica de alguna manera un dibujo. Experiencia del tiempo — desplazar-se hasta el lugar, estarse 24h y esperar que la obra ocurra (la tormenta). Cuestión de la espera como algo fundamental, necesidad de documentar lo efímero con fotografías.
Andre Sixteen Steel Cardinal, 1974: - “En realidad, para mí la escultura ideal es ua calle. La mayor parte de mis obras, o en cualquier caso las más logradas, son en cierto modo calles: nos obligan a seguirlas, a rodearlas, a subirse a ellas…” Richard Long, Walking in Line in Perú, 1972 - “La diferencia entre su trabajo y el mío reside en que él realiza esculturas planas sobre las cuales es posible caminar. Son espacios por los cuales andas y que pueden desplazarse y reubicarse en otra parte. En cambio, mi arte es el propio acto de andar. Carl Andre realiza objetos sobre los cuales es posible andar, mientras que mi arte se materializa andando. Ésta es la diferencia fundamental.” Obras que producen una visión cartográfica, lugares donde él interactúa por ejemplo a partir de una línea de piedras = uso muy estético.
Agustín Ibarrola, Bosque de Oma, 1982-1985 Caso español, miembro del Equipo 57, algunas obras dentro del realismo, militante comunista. Vive en la montaña, se planeta llevar sus lienzos en la naturaleza. Tratamiento muy pictórico, árboles = lienzo.Hay que hacer un recorrido para apreciar la obra = intervención del tiempo. Especie de continuidad, formas que se crean dependiendo de las perspectivas del espectador.
Yturralde planteará un trabajo con los elementos atmosféricos y la naturaleza creando una especie de cometas de formas geométricas que va a dejar volar. Se interesará por la dinámica. Plantea estructuras geométricas ligeras que pueda hacer volar 15-1-2015 6. CONCEPTUALISMOS Confluye de varias tendencias de los años 60 (minimal, ya defiende el arte como idea + antiforma). Serie de prácticas que van a poner en duda diferentes cuestiones sobre la naturaleza objetual de la obra de arte. Críticos observan este proceso: Lucy Lippard: Seis años, la desmaterialización del objeto artístico de 1966 a 1972 — dentro de las prácticas artísticas de los 60 ya hay una tendencia a desinteresarse por la obra material (Land art, Performance…). Las obras empiezan a perder su objetualidad, se plantean como dar una primacía al concepto, a la idea = es importante el documento (ya lo era) como única forma de materializar la obra. (Ana María Guash, El Arte Último). Las prácticas conceptuales no proponen una forma unitaria de trabajar. Hay una cierta categorización de los artistas: • Derivaciones del ready made • Intervenciones en espacios concretos (remite del land art) • Trabajos a partir de mapas, notas, fotografia — gráfico • A través de lenguaje Crítica al formalismo. John Latham: Art and Culture, 1966. Ruptura con el paradigma de Greenberg (Art and culture), se considera inicio de la era posmoderna. Latham pide a sus alumnos que mastiquen sus obras, se destila la masticación en unos líquidos, que presenta como el estudio de Greenberg “digerido”. Esa obra es una desmaterialización en sí misma, pone en cuestionamiento el pensamiento de Greenberg. Inicio dentro de los intereses del arte conceptual.
La obra no objetual no se puede vender — posición crítica sobre como se comercializa el arte, voluntad de salirse de los canales del mercado institucional, acabarán creando uno própio. Ya no se trata de objetos únicos, se buscará su reproducibilidad.
Del arte objetual al arte de concepto, Simón Marchán.
Precedentes: • Ad Reinhardt: Black Painting, 1960-1966 — ya no hay pintura, objetivismo más puro de la obra.
• Robert Rauschenberg: Erased de Kooning Drawing, 1953 — lo importante es la idea de De Kooning, no el dibujo en sí.
• Piero Manzoni: Mierda de Artista.
Sol LeWitt, 46 3-Part variations on 3 different kind of cubes — el arte mínimal va a ser muy importante para la desmaterialización.
Morris ya estabá yendo más allá del minimalismo también. Es más importante la conceptualización intelectual que la materialización. Crea obras estructuralmente casi seriadas. En 1967 escribe varios textos “… la idea es una máquina que genera arte” Robert Morris, Card File, 1962 — considerada como un antecedente por el conceptual. Archivo de tarjetas donde guarda la información para la creación del mismo archivo. Archiva la información del proceso de archivación: la obra es una reflexión sobre la misma obra de arte.
La idea del arte como concepto había nacido en un momento y un lugar específico. Primer debate sobre el arte como concepto por el grupo Fluxus. El grup Zaj plantea la importancia de la documentación de las obras.
Henry Flynt - Concept Art, 1961: “El concept art es un arte cuyo material son los conceptos como, por ejemplo, el material en la música son los sonidos. Al estar los conceptos íntimamente ligados al lenguaje, el arte del concepto es un tipo de arte cuyo material es el lenguaje.” - “El arte es, de una manera general, independiente de la habilidad del artista y de su maestría técnica. El objetivo del artista conceptual es hacer que su trabajo sea mentalmente interesante para el espectador, lo cual equivale a emocionalmente neutro” — Deskilling: proceso consciente de eliminar la habilidad, que havia regido el arte des de el renacimiento.
- “La idea en sí, aunque no aparezca visualizada es tanto una obra de arte como el producto final.
Todas las etapas intermedias — anotaciones, esbozos, dibujos, modelo búsquedas, pensamientos, conversaciones — persentan interés. Las que revelan el proceso mental del artista son a veces, más interesantes que el proceso mental” — LeWitt, 1967 Asociación de una serie de artistas con un galerista Seth Siegelaub que va a dar un espacio para exponer sus prácticas.
Huebler (en el catálogo): “El mundo está lleno de objetos más o menos interesantes. Yo no deseo añadir ninguno más. Prefiero simplemente constatar la existencia de las cosas en términos de tiempo y/o espacio (con fotos: importancia del fotoconceptualismo) Más exactamente, el trabajo concierne a cosas cuya interrelación está más allá de la experiencia perceptiva directa. Puesto que la obra está más allá de la experiencia perceptiva, la conciencia de la obra sólo puede adquirirse a través de un sistema de documentación (fotos, mapas, descripciones…)”.
Huebler: Duration Piece nª7, 1969 - ponína en manifiesto de unosp receptos que definirán la obra. El artista se convierte en un archivista.
Organización del material, trabajo metodológico… Vito Acconci: Following Pieces, 1969 — propone como trabajo elegir personas al azar y seguirla hasta que llegue a un lugar privado, documentándolo en fotos.
Kosuth: Una y tres sillas, 1965 — el objeto, la representación y la definición; rama del conceptual como algo lingüístico y neutro.
El arte como una tautología, que se refiere a sí mismo. El arte es en sí mismo una definición sobre sí mismo. Circuito cerrado.
Diferentes modos de comprensión visual referenciativa, todas refiriendo a la obra + significado coneptual. Semántica de larte.
Interés no está en mostrar la silla como un objeto artístico, ni en la estética de la fotografía — deskilling, evita toda estética adrede.
- “La definición más pura del arte conceptual sería la que constituye una investigación sobre los cimientos del concepto de arte… El arte conceptual está fundado en una encuesta sobre la realidad del arte… su aportación es teórica en el sentido que reflexiona sobre el arte del pasado y del presente e intenta llegar a una serie de ocnclusiones. “ Sol LeWitt, Red Square, White letters, 1963 — sistematización de representación y significancia.
Kosuth Arte como idea como idea, 1966 — elimina toda representación material para evitar interpretaciones estétics. Definiciones o textos que leemos. Pictoricista, presenta en un formato de pintura tradicional un texto.
Robert Barry, Telepathic Piece, 1969 — la desmaterialización del conceptual lingüístico llega a tal punto que el artista no produce una obra material de ninguna forma.
Lawrence Weiner, Statement of Intent, 1969 — escribe. Importante de la obra es que se ha pensado. Siento estas tres opciones idénticas y consecuentes con la intención de lartista, la decisión sobre la condición de la obra correspondo al receptor en el momento que la recibe.
16-1-2015 Artistas del anti-forma, minimal, etc. se pasan al conceptual, desde una actitud de investigación.
Art and Language — grupo conceptual representativo del conceptualismo lingüístico, plantea una reflexión estéticas sobre las cuestiones del arte. Secret Painting, 1968, lectura textual de la obra. Publican una revista para dar espació a la difusión de ensayos, poemas y textos de artistas. Voluntad de que el espectador desarrolle un trabajo intelectual ante la obra, que dedique tiempo a su lectura para su comprensión = apreciación como investigación. Podemos hablar de un “texto pictórico”? Intentan encontrar nuevos canales de distribución mediante recursos como las fotocopias, en voluntad de subvertir el concepto tradicional de arte.
Las fronteras entre disciplinas se desdibujan, trabajo común de reflexión sobre cómo representar. Los artistas se posicionan como teóricos para tener más constrol sobre su obra.
On Kawara Dates Painting, 1966 Dificultad para salirse del marco pictórico.
On Kawara Confirmation, 1970 — mail art, correo postal como alternativa a los canales del mercado, con la posibilidad de crear una red artística ajena a la institución.
El arte conceptual dará espacio para artistas políticos.
Hans Haacke MoMa Poll, 1970 — investica sobre las relaciones de poder, planteando cuestiones con carga crítica sin posicionarse; busca interpelar al público para que saque sus conclusiones. Sus obras se verán censuradas y retiradas del museo, por poner en relación la propiedad del suelo de Manhattan con empresas importantes de Estados Unidos. Haacke responderá com una obra desvelando las relaciones del propietario del museo con una de las empresas que junto a la CIA apoyó el golpe de estado y la dictadura en Chile.
En España, con la editorial Marchán se publicarán textos marxistas, reivindicativos y de reformación del mundo del arte. Segun Marchán hay 3 corrientes en el conceptualismo: • Lingüística • Empírico-medial — obras de formato foto como constatación de hechos • Ideológico — arte político, sobretodo en España y Argentina Grup de Treball Solidaridad con el movimiento obrero, 1973 Difiere del concelptualismo de Art and Language en tanto que no es una obra tautológica, no hace referencia al propio arte, sino que ejerce de crítica política. Se definen como un grupo heterogenio de tendencia ideológica. Crítica al arte como mercado, buscan salir de él produciendo obras que no se puedan distribuir. Consideran que el deber del artista es cambiar la sociedad usando también los canales existentes.
Francesc Abad, Recorrido diario, 1971 — documenta como sobrevive el artista en la realidad de la época, estudio de su estado social, que derivará en asociaciones profesionales al final de la dictadura.
Interés por Heartfield en Madrid, creación de la Galería Redon como único espacio para los conceptualismos, debate y exposición.
Serie de documentos promovida por Alberto Corazón La Paloma, análisis de la obra de Picasso, sus connotaciones políticas en el frente comunista.
EXAMEN 4 diapositivas, 15 minutos por cada uno, 1,5 puntos cada una — a identificar el movimiento, si se puede el autor. Justificar por qué. Situar cronológicamente el movimiento. Análisis de la obra, explicar las características del movimiento en base de lo que vemos en la obra.
Tema, dos a escoger, 4 puntos — una hora. Comentar un texto, un título… No será una pregunta evidente. Importante organizar y preparar el tema antes de escribir. Poner en relación cosas.
Explicación transversal.
FALTA 10-10, 17-10 30-10, 31-10 6-11, 7-11 5-12 ...

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