Treball Furió (2015)

Trabajo Catalán
Universidad Universidad de Barcelona (UB)
Grado Historia del Arte - 1º curso
Asignatura Llenguatges Artístics
Año del apunte 2015
Páginas 4
Fecha de subida 25/04/2016
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Cabré Cano, Miguel DNI: 46364477L NIUB: 16816391 Llenguatges Artístics, grup A1, 19 de Noviembre de 2015 Primera parte  “No pinto lo que veo sino lo que vi […]”1  “DOS LABIOS ARDIENTES CONTRA LOS MÍOS EL CIELO Y LA TIERRA SE DESVANECIERON Y DOS OJOS NEGROS MIRARON DENTRO DE LOS MÍOS-”2 Edvard MUNCH, Kyss (El beso), 1897, Munchmuseet. Oslo Comentario personal: La obra que he seleccionado es del artista noruego Edvard Munch, y consiste en una pintura al óleo sobre tela, con la temática costumbrista de un beso.
Para realizar este comentario personal sobre la confrontación entre el lenguaje escrito y el artístico pictórico, utilizaré como principal referencia bibliográfica El FRISO DE LA VIDA3, un libro que recoge notas del artista, que las legó tras su muerte al ayuntamiento de Oslo4.
Para poder hacer una lectura correcta de esta obra, tendremos que fundamentarla en base a aquello que vemos y a lo que Munch dejó escrito. Como observamos en el primero de los comentarios seleccionados, se puede entrever qué es el arte para el autor: Munch no pinta un momento concreto sino que expresa la sensación que desprende ese justo momento, pinta recordando una sensación. En esta reflexión que hace Munch sobre qué es aquello que pinta, podemos entender el porqué se separa del impresionismo y del realismo en busca del sentimiento, del poder reflejar la sensación de la obra, con una fuerza que el impresionismo no admitía5.
Centrándonos ya en la obra que nos atañe, observamos una pareja fundida en un abrazo culminado por un beso que une los dos cuerpos.
1 Edvard MUNCH, EL FRISO DE LA VIDA. Nórdica Libros, Madrid, 2015, p.34.
Edvard MUNCH, EL FRISO DE LA VIDA. Nórdica Libros, Madrid, 2015, p.106.
3 Edvard MUNCH, EL FRISO DE LA VIDA. Nórdica Libros, Madrid, 2015. “El presente libro reúne una selección de sus textos, ilustrada por su propia obra, en una invitación a conocer el recorrido del prolífico artista noruego como si de una galería se tratara, una verdadera extensión de su Friso de la vida.” En http://www.nordicalibros.com/ficha.php?id=347 [consulta: Noviembre 2015] 4 Siguiendo a Hilde Bøe, encargada del prólogo de la op.cit. Hilde Bøe, La relevancia de los textos de Munch para la comprensión de su obra. En Edvard MUNCH, EL FRISO DE LA VIDA. Nórdica Libros, Madrid, 2015 5 Siguiendo la idea de Munch en la op.cit., Edvard MUNCH, EL FRISO DE LA VIDA. Nórdica Libros, Madrid, 2015, p.53. Donde el artista habla de su rechazo y abandono al impresionismo “en busca de expresión”.
2 En la nota de Munch (la segunda de las seleccionadas) observamos que explica con un lenguaje literario la sensación que su pintura quería decir para el. Por cómo relata esta nota, se puede decir que narra una vivencia propia, por tanto, esta imagen que a nosotros nos llega no la pudo ver el artista ya que, si era una vivencia propia, él, claro esta, era uno de los “protagonistas”6.
La sensación que describe Munch, la podemos resumir en el hecho de que el acto del beso provoca en él una reacción, dicho en términos coloquiales: les desaparece el mundo y solo quedan ellos dos unidos por el beso.
Refiriéndonos al leguaje artístico, la obra en si, podemos ver como aquello que dice Munch se cumple, no se ve fácilmente el punto en que los dos cuerpos se delimitan, sino que están unidos, el beso ha hecho de ellos uno. Tampoco podemos ver claramente el espacio cerrado en el que están los dos protagonistas, ni distinguir si es de día o de noche, solo que hay una penumbra oscura y unas líneas que rodean los cuerpos en sintonía con la fuerte unión de los amantes. La oscuridad, a la cual no hace referencia Munch, pero que puede ser provocada por constantes retoques en la pintura al óleo, no da una sensación de tristeza o pesadumbre, sino que favorece esta unión entre los dos amantes.
Podemos decir que de la lectura de esta obra -o cualquiera de este tipo- donde el artista narra una experiencia vivida, la interpretación que éste haga, a parte de ser la correcta es absolutamente irrefutable, ya que nadie entenderá mejor una sensación vivida que aquel que la vive.
En un artista tan especial como Munch -que repetía una y otra vez sus obras con tal de encontrar esa sensación- y que durante su vida vivió mucho tiempo atormentado y enfermo, es curioso ver que hay obras que salen de este mundo de negatividad y dolor.
En relación a los personajes, quiero hacer referencia a la opinión de Marie J. Colombet7, tiene respecto de la mujer en la obra de Munch. Ésta, por lo general, adquiere una condición de mujer fatal, y citaré como ejemplo el cuadro de mujer vampiro en el bosque8 donde ella absorbe la sangre del personaje masculino. Sin embargo, esta condición decae- a mi entender- en El beso, ya que en esta obra Munch plantea una idea completamente diferente de la mujer, la relación que nos representa es pura, sincera y sin perversión alguna.
Finalmente, en mi opinión, esta obra refleja una sensación personal positiva del autor, pese a que en sus notas no hiciera referencia alguna a esta benevolencia del beso, y, sin embargo, entiendo que cada espectador interpretará un significado propio de la obra de arte cuyo lenguaje, entonces, es ambiguo.
6 En tanto que no pinta aquello que vio, sino aquello que sintió podemos dar por buena la primera cita, y todo aquello expresado en el párrafo anterior.
7 Partiendo de su idea, Marie J. COLOMBET,Le symbolisme, le rêve… la femme dans l’art à la fin du XIX e et au début de XXe siècle. Publibook, París, 2011. p.263 Consultado en Internet.
8 Edvard MUNCH, Mujer vampiro en el bosque, 1916-1918, Munchmuseet, Oslo.
2 Segunda parte Jean de BOULOGNE (Giambologna), El rapto de las Sabinas, 1581-1582, Galería de la Academia (desde 2008), Florencia Nicolas POUSSIN, El rapto de las Sabinas, 1637-1638, Musée du Louvre, París Comentario personal: El Rapto de las Sabinas, es una de las historias míticas narradas por Tito Livio en su obra Ab urbe condita. Esta historia narra como ante la falta de mujeres, los jóvenes fundadores de la ciudad de Roma, por ello piden a los pueblos vecinos si se pueden casar con las jóvenes. Ante la negativa, los jóvenes romanos, preparan unos atractivos juegos dedicados al dios Neptuno ecuestre a los cuales invitaron a todos sus “vecinos”, y cuando se despistaron, Rómulo dio una señal y sus hombres raptaron a las mujeres Sabinas, solo una de las raptadas estaba casada, Hersilia.
En este comentario veremos dos representaciones del Rapto de las Sabinas, con el objetivo de poder centrarnos exclusivamente en el aspecto formal, realizadas con dos lenguajes artísticos diferentes, en primer lugar una escultura y posteriormente una pintura. Para realizar el comentario, primero se explicará cada una de las obras, con sus características y técnicas correspondientes y en segundo lugar una comparación de estas técnicas y de la composición creada por los dos artistas.
El rapto de las Sabinas, en la versión de Jean de Boulogne, es una escultura de los años 1581-1582, por tanto manierista, realizada en mármol blanco, podemos afirmar que Giambologna utiliza este material por la facilidad de adquirirlo, debido a la cercanía de la ciudad de Florencia respecto a las canteras de Carrara. Para la realización de una escultura de mármol, el artista necesita de diferentes herramientas, cinceles, limas y taladros principalmente. En la creación artística en mármol, habitualmente se siguen tres pasos9: -Preparación del original (es opcional) -Sacado de puntos (traslado de medidas del modelo al bloque) -Acabado 9 Guido GUIUBBINI.“La escultura en piedra” en: Corrado MALTESE (coordinador), LAS TECNICAS ARTISTICAS, Cátedra, Madrid, 1981. p.26-35 3 En esta escultura, realizada a partir de diversos bloques de mármol, y que representa el rapto de una de las sabinas, con un romano alzándola sobre su cabeza y un anciano a sus pies desesperado. Las figuras, se entrelazan en una espiral llamada serpentinata y que entre otras cosas permite ver la obra desde cualquier punto y entenderla. La serpentinata también nos permite ver una mayor teatralidad y que se suma a la unión de las miradas de los tres personajes, con el objetivo de dar un sentimiento. La obra esta dotada de un gran realismo y el mármol muy pulido que le dan un brillo que contrarresta con la frialdad del mármol.
La obra de Poussin es un óleo sobre lienzo, creada en 1637-1638 para el Cardenal Luigi Omodei. La pintura al óleo (resultado de la mezcla de pigmentos con aceites vegetales), uno de los grandes beneficios que introdujo en la pintura, fue la lentitud del secado que permitía realizar cambios durante el proceso de creación de la obra, otros beneficios introducidos por la pintura al óleo son la textura y la brillantez de las obras realizadas con este método, que permitían realizar reproducciones mucho mas realistas que con la pintura al temple.
En esta obra de Poussin, podemos ver un gran realismo en la representación de las figuras y de los elementos arquitectónicos. Los colores vivos de las vestiduras contrastan con la arquitectura gris oscuro y da más relevancia a la acción de los personajes. La composición es horizontal, y el punto de vista surge del arco de triunfo situado en el centro de la imagen.
La comparación entre estas dos obras, se realizará a partir de las posibilidades compositivas que nos otorgan y del color y realismo de ambas obras.
La composición de las dos obras, es muy diferente, casi contraria, la de Giambologna, es vertical y en espiral, la de Poussin, es más horizontal y engloba toda la acción, desde la aparición de Rómulo a la anciana sabina que le clama clemencia. Es cierto que en un primer plano de la pintura vemos dos figuras que nos recuerdan bastante a la figura de Giambologna, nos referimos a la mujer alzada en primer plano y vestida de azul. Puede ser que Poussin conociera la obra de Giambologna, en la época que vivió en Italia, y se dejara influenciar por ella. Pero la importancia de estos dos personajes es mucho menor, obviamente, que en la obra de Giambologna.
En el aspecto del realismo, ambas tienen una gran calidad y reflejan una veracidad muy elevada, posiblemente el color del cuadro, brillante y realista, contrasta con el blanco del mármol, que intenta imitar las esculturas clásicas, que en aquella época se pensaban blancas10.
Finalmente, como conclusión, se ha de decir que aun que sean dos lenguajes artísticos diferentes, con ambos se puede realizar una representación realista de un mismo tema encontrando un resultado, que podríamos reconocer sin lugar a dudas como positivo.
10 Es a partir del siglo IV cuando se impone el blanco. Guido GUIUBBINI. “La escultura en piedra” en: Corrado MALTESE (coordinador), LAS TECNICAS ARTISTICAS, Cátedra, Madrid, 1981. p.24-25 4 ...