3. Cubismo (2015)

Apunte Español
Universidad Universidad Pompeu Fabra (UPF)
Grado Humanidades - 3º curso
Asignatura Arte Contemporáneo
Año del apunte 2015
Páginas 11
Fecha de subida 30/03/2016
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Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch 3.- EL CUBISMO  Eugenio Carmona  Lola Jiménez Blanco Pintura: La verdadera revolución que se produjo en el arte a principios de siglo. El expresionismo y los fauvistas van muy lejos, desarrollan mucho la idea de la liberación del color, pero los que plantean realmente una nueva manera de mirar son los cubistas, en torno al año diez.
Georges Braque, El portugués, 1911  Aquí ya se ha roto el sistema de representación heredado del renacimiento. No podemos hablar de tradición en ningún sentido. Vemos líneas, ángulos, planos superpuestos y que se cortan los unos a los otros, letras, sombras, pocos colores y prácticamente todos de la misma gamma que es más bien apagada. Las sombras nos la dan la sensación de los planos que se superponen. Es como si viéramos al personaje que toca la guitarra simultáneamente desde todos los ángulos posibles, hecho que hace que aparezca una visión confusa. Si no tuviéramos el título casi sería imposible distinguir algún tipo de tema. Las letras que se leen más claramente dicen “bal”, baile. Esto ya nos da la pista que se trata de un tema relacionado con la música o el mundo del espectáculo.
Algunos impresionistas ya empiezan a hacer aparecer algunas letras a finales del XIX. En el café, de Manet, las letras tienen la voluntad de situarnos en cómo era la vida moderna, los cafés, la publicidad… En el caso de El portugués, y en general del cubismo, la función de las letras no está tan clara. Una función podría ser no perder totalmente el hilo con la figuración y con la realidad. El cubismo es el primer estilo con el riesgo de perder completamente el enganche con la realidad. Los cubistas recurren a formas que ayuden a mantener el enganche, y un ejemplo son las letras y las palabras. Se trata de letras de imprenta. Antes la letra aparecía solamente para la firma del artista, y contribuía a individualizar las obras. La letras de imprenta, en cambio, no tienen nada que ver con la emotividad, lo personal, lo subjetivo… Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch Esta imagen no apela tanto a los sentimientos porque los colores no son llamativos. Los colores siempre han estado asociados a los sentimientos y las líneas a la reflexión. Los cubistas lo que hacen es una reflexión y una investigación para llegar a un lugar distinto. No se trata tanto de una reflexión lógica sino de una investigación y experimentación. Son los críticos los que reflexionan y explican con palabras el cubismo.
El término cubismo viene también de una palabra despectiva. En el año 11 un crítico (Vauxcelles, el mismo que dio nombre al fauvismo), cuando vio unas cuantas pinturas de Braque dijo “Braque es muy atrevido, todo lo reduce a cubos”. El cubismo, en su fase de creación, es un asunto de pocos años, entre 1909 – 14.
Casi podríamos decir que el cubismo comparte únicamente con la pintura tradicional el hecho de que se aplican unos colores en un lienzo. La figuración y la perspectiva desaparecen por completo. Todo esto desaparece en un proceso de experimentación, puramente plástico, que llevan a cabo dos personas: Picasso y Braque. “Trabajábamos como dos alpinistas encordados”. Los dos vivieron, trabajaron y salieron juntos. Los dos vivieron en paralelo y sus cuadros de aquélla época son enormemente parecidos.
El cubismo viene de dos vertientes - Cézanne, la vertiente más “tradicional” y evolutiva  la importancia que tiene la geométria y la pincelada paralela que crea los planos - Seurat, la vertiente más “cerebral”  la presencia de la geometría también es muy importante Picasso, Retrato de Gertrude Stein, 1906  Era una escritora alemana que vivía en París. Fue Matisse quien se la presentó a Picasso. Tuvo muchas dificultades para realizar este retrato. No acabava de encontrar la postura perfecta y finalmente la encontró mirando atrás, hacia las pinturas del pasado. Existe una clara influencia del retrato de Monsieur Bertin, de Ingres, que se sabe que también tuvo muchas dificultades porque no sabia como retratar la esencia y la personalidad de una persona tan poderosa. Gertrude Stein también era una persona importante, en la medida que tenía y dinero y podía comprar muchas obras. Una de las cosas que más le costaron a Picasso fue la realización del rostro de la mujer.
Finalmente se influenció por obras tan antiguas como la Dama de Elche y el Relieve de Osuna, que en aquél momento estaban expuestas en el museo del Louvre. Algo de la seriedad que hay en estas esculturas ibéricas lo trasladó al retrato de Stein. También tuvo influencias de Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch las máscaras africanas. Matisse y Derain le enseñaron algunas máscaras que habían adquirido, y en París también había arte africano expuesto. A partir de este momento él mismo empezó a coleccionar arte africano. Recogió la simplificación, la reducción a lo fundamental.
Piero della Francesca, Historia de Santa Elena, 1452. Este autor también le intersaba a Picasso por la geometrización del rostro y el elemento de hieratismo; tienen unas caras totalmente simétricas e inexpresivas.
Cuando Gertrude Stein vio terminado el retrato dijo que no se parecía a ella, y Picasso le respondió que estuviera tranquila, que se acabaría pareciendo. Y efectivamente, con el paso del tiempo, Stein acabó afirmando que el retrato se le parecía.
Picasso conoció a Derain y a Matisse y fueron bastante amigos.
En estos años Picasso vivión en París, en el Bateau Lavoir en la calle Ravignan. Era un edificio ruinoso lleno de estudios de artistas.
Picasso, Las señoritas de Avignon, 1907  Allí, en el Bateau Lavoir, pintó esta obra.
Aun así se inspiraba en la calle Avinyó de Barcelona dónde había un prostíbulo.
Inicialmente este cuadro tenía que ver con una historia personal de Picasso. Un amigo suyo se suicidó por un desengaño amoroso. El cuadro empieza como una especie de homenaje a él. Hay muchos bocetos preparatorios en los que inicialmente aparecía una figura masculina en el centro. Finalmente Picasso llevó a cabo un proceso de eliminación, de quitar lo accesorio. Y la presencia del hombre y de un porrón de vino y de un jarrón de flores le parecieron accesorios. El hombre llevaba una calavera como alusión a la muerte.
Finalmente lo único que deja es un pequeño bodegón en la parte inferior del primer término. El fondo, que era una cocina, también desaparece. No hay fondo, hay simplemente una especie de planos que se colocan al mismo término que las figuras. Las formas angulosas de las figuras tienen continuación en esa especie de fondo. Lo que le quita de sentimentalismo la omisión de todos los otros elementos hace que gane agresividad. Tuvo muchas malas críticas, igual que La Danza de Matisse, que se definió como algo agresivo y monstruoso. En aquel momento lo que el público estaba acostumbrado a ver era un “impresionismo light” o “pasado por agua”.
Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch En 1907 hace muy poco que ha muerto Cezanne y se han expuesto todas sus obras. Al mismo tiempo, La Olympia de Manet se acaba de exponer en el Museo del Louvre. Hasta entonces no se la había reconocido tal peso en la historia del arte.
El bodegón se piensa que puede ser un homenaje a Cezanne, pero no está muy claro. En cualquier caso el bodegón había estado un tema muy importante para la evolución y la renovación de la pintura a finales del s.XIX. Es un tema que ha servido mucho para experimentar porque no es demasiado importante.
Aquí también econtramos influencias de la escultura ibérica y del arte africano. Las figuras de la izquierda son más “convencionales” comparadas con las dos figuras de la derecha, que tienen mucho parecido a las máscaras africanas.
Pinceladas constructivas y paralelas, parecidas a las de Cezanne.
Postura de la mujer agachada en primer término, no es nada habitual. Unos años después se pueden ver en algunas pinturas del Grupo el Puente.
Picasso, Dos figuras, 1906  Es como si viéramos las dos mujeres desde ángulos diferentes.
Picasso se encuentra en este camino del cubismo. No son figuras ideales, no se encuentran dentro de la tradición académica. También tiene que ver del punto que venía Picasso aquellos años: la etapa rosa, en que las figuras pertenecen al mundo del circo y el espectáculo, que son más amables que las de la etapa azul, más relacionada con el simbolismo y los temas de la enfermedad y de la muerte.
Braque, Gran desnudo, 1908  Hizo este desnudo a partir de Las señoritas de Avignon y de las Dos figuras. Hizo una serie de dibujos preparatorios. El creía que tenía que crear un nuevo tipo de belleza a partir del volumen, la masa y las líneas. Crea una belleza subjetiva. Crea una figura que plasma desde tres planos diferentes. Aunque esta obra esté cerca de las obras de Picasso, Picasso sigue siendo más “radical” y lleva las formas mucho más allá.
Braque, Casa en l’Estaque, 1908 Picasso, La fábrica en Horta de Ebro, 1909  pintura muy importante para el camino hacia el cubismo.
No les interesan los colores, les interesan las formas, y por eso utilizan una gama muy reducida.
Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch Braque, Puerto de Ameberes, 1906  Antes del cubismo, Braque venía del fauvismo, y de exponer con Matisse y Derain. Era un pintor colorista y de formas muy amplias. Había tenido un entrenamiento de “pintura industrial”, era un pintor decorador. Hay grandes masas y superficies de color.
Picasso, Retrato de Ambroise Vollard, 1911 / Cézanne, Retrato de Ambroise Vollard, 1899  Aún y la influencia de Cézanne en Picasso, existe una clarísima evolución en la experimentación de la pintura. Vollard era un importante galerista de arte. Dos retratos de él con doce años de diferencia. En Picasso los ángulos entran unos en otros con un sistema de luces y de sombras. Es como si Picasso estuviera en un lugar desde el cual lo ve todo y desde todos los ángulos. Tal y como decía él mismo: “Yo no pinto lo que veo; pinto lo que sé.” La paleta de color es muy sobria, y no nos distraen en absoluto.
Picasso, Ma Jolie, 1911.
Todas estas obras pertenecen al cubismo analítico. Picasso y Braque analizan lo que van a pintar, lo deconstruyen y lo presentan desde todas sus facetas de manera simultánea.
Hubo muchas críticas y chistes en la prensa satírica acerca de este estilo.
Picasso, Bodegón con rejilla, 1912  Para que no se pierda del todo la relación con la realidad hay un punto de inflexión, y lo constituye esta obra. Esta obra marca el inicio de otra cosa, de algo nuevo. El marco es importante: es una cuerda que coloca alrededor del lienzo en forma de óvalo él mismo Picasso. Y no es solo eso sino que además pega un trozo de hule, que es la rejilla que se ve en parte izquierda inferior. Es un ule en el que se representa de manera industrial una rejilla de una silla. Lo que hay pegado al lienzo es una representación de algo industrial. También se colocan unas letras, que eran también elementos para no perder la conexión con la realidad. “Jou” son las primeras letras de Journal, periódico. Así pues, pasamos a una nueva etapa de la pintura  la pintura se construye. El pintor empieza a trabajar como un “manitas”, como alguien que monta cosas, que hace bricolaje, que hace trabajos manuales. Ya no es solamante alguien que dibuje y pinte. Picasso abre la puerta a una manera nueva de hacer pintura, de hacer arte, combinándola con elementos de la realidad que se sacan de su contexto habitual para adentrarlos en una nueva dimensión. A partir de esta obra cualquier objeto puede servir para hacer una obra de arte. Se rompe la jerarquía entre lo corresponde el gran arte, el arte con mayúsculas, y el arte de minúsculas. Ahora todo puede servir. Ahora se trata de fabricar, de construir.
Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch Apertura a unas nuevas posibilidades de hacer arte. Ya en obras anteriores se habían incluido elementos de la realidad, pero eran siempre casos muy puntuales (Ej. telas de verdad en la imaginería religiosa) y se consideraban como la excepción. Más adelante esto lo veremos más acentuado en el dadaísmo.
La obra de arte como algo que se fabrica, como construcción, como bricolaje. Se acaba una línea, pues, que venía desde la Edad Media. Las miniaturas de esta época, por ejemplo, eran más valiosas cuanto más valiosos fueran los materiales utilizados. Ahora no importa que el material no sea valioso, puede ser cualquier cosa.
Llega un momento, en el año 1912, que Picasso se traslada y deja trabajar tan conjuntamente con Braque y sus obras cada vez se van diferenciando más. Este momento es también en el que se comienza a difundir más el cubismo. Se publican algunos libros, entre otros uno que se llama Sobre el cubismo. Se remontan hasta Courbet, hablan de Cézanne y llegan hasta los cubistas.
A partir de este momento empieza a hablarse del cubismo sintético.
Picasso, Guitarra, 1913  Se recortan los papeles y se ponen los unos por sobre de los otros. Las líneas dibujadas no se corresponden con las formas de los papeles. El fondo azul juega como un color más. La gama cromática pasa a ser más variada. Se produce una vuelta al color Braque, Violin, pipa, Le Quotidien, 1913  Sigue los mismo patrones que la obra de Picasso.
Picasso, Retrato de joven, 1914  En algunos casos la vuelta al color se vuelve más clara. En esta obra hay también reminiscencias puntillistas.
A partir de 1914, año del inicio de la guerra, muchos franceses son llamados para ir a la guerra. Aquí se dice que se rompe totalmente el contacto entre Picasso y Braque, y se dice que se cierra la etapa del cubismo, aunque permanece siempre a lo largo del tiempo porque se va incluyendo y combinando con los distintos y nuevos estilos que van surgiendo.
Escultura: La escultura del siglo XIX a los críticos les parecía demasiado académica, cargante y aburrida. En el siglo XX surge la idea que la escultura es algo más primitivo que la pintura.
Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch La escultura es reproducir las cosas mientras que en la pintura se pasa a otro nivel, el de las dos dimensiones.
Influencia de los fetiches de los pueblos primitivos y de la presencia y de la brutalidad de la figura escultórica en las sociedades primitivas. Todo lo que tienen estas esculturas, las ibéricas, etc. a los artistas de vanguardia les interesa, porque suponen lo contrario del estilo escultórico inmediatamente anterior.
Pablo Picasso, Pequeña figura, 1907  En el ámbito cubista Picasso hace algunas esculturas de este tipo. Esta obra es demasiado mimética, y demasiado parecida a la escultura primitiva. Entonces intenta ir más allá y trasladar el cubismo a la escultura  Picasso, Cabeza de Fernande, 1909. Las formas son más angulosas pero realmente no implican nada nuevo.
Picasso, Violín, 1915 / guitarra, 1912  Empieza a verse un cambio más importante después del bodegón con rejilla, a partir de 1912. Utiliza materiales de cualquier tipo y la geometrización es mucho más clara.
Aplicación práctica de este tipo de escultura  Trajes y figurines para los espectáculos de balé  Picasso, Parade, 1917. Estas nuevas propuestas se acentuarán, de nuevo, en el dadaísmo. Normalmente cuando el público se encontraba espectáculos de este tipo las reacciones eran bastante malas. Este tipo de esculturas recibieron también muchas críticas periodísticas; se las consideraba como “monstruosidades que pretendían pasar por artísticas”. El cubismo tenía la fama de ser un movimiento español, por eso su aplicación en Francia recibió muchísimas críticas más.
El cubismo se difunde a través de diversos textos y artistas. Uno de los artistas más significativos de este estilo es Juan Gris (en realidad este nombre es un pseudónimo). Pasa de los dibujos que hacía para revistas satíricas a hacer cubismo. Era de Madrid, pasa por Barcelona y finalmente llega a París, donde conoce a Picasso y a Braque y conoce el cubismo. Empieza a pintar como un pintor cubista y destruye muchas de sus obras anteriores. Finalmente, aún así, él acaba marcando su propio camino. Sus obras tienen un sentido del orden muy superior al que tenían Picasso y Braque.
Juan Gris, Homenaje a Picasso, 1912 Juan Gris, Bodegón, 1911 Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch Juan Gris, La botella de anís, 1914  Botella muy típica en el momento, hecha toda a base de rombos. No es casual que la escoja. Es una botella “cubista”. Aparecen los nombres de las tres ciudades que fueron más importantes por él: Madrid, Barcelona y París.
Juan Gris, Naturaleza muerta y paisaje: place Ravignan, 1915  Una de las grandes novedades que supone la obra de Juan Gris. Unión entre una manera cubista, la manera con la que pinta el interior de su habitación, y el exterior, que se pinta de una manera mucho más tradicional. El exterior refleja ya todo lo que estaba suponiendo la primera guerra mundial, el desastre de la guerra. La guerra condujo a que se produjera una vuelta atrás, hacia una representación otra vez más clásica y tradicional (otro ejemplo seria la mujer con mantilla de Picasso). Esta obra de Gris es muy colorista en relación a las primeras obras cubistas, alrededor del año 10.
Fernand Léger (1881 – 1955) La difusión del cubismo llega gracias a él, junto con dos pintores más. Sus orígenes vienen del impresionismo, pero enseguida contacta con el cubismo.
Léger, los fumadores, 1912  todavía divisamos casas, chimeneas, árboles. Todavía distinguimos las figuras aunque el lenguaje viene claramente del cubismo. La paleta es un poco más colorista.
Léger, Contraste de formas, 1912 / Cilindros coloreados, 1913  El camino que seguirá Léger se muestran bien en estas obras. En estas obras se prescinde del tema, tal y como vemos en los títulos. Trabaja con formas que vienen del cubismo. La diferencia es que emplea colores fuertes y puros.
Léger introduce también en su pintura el mundo de la industria y de la fábrica, el mundo moderno. Utiliza mucho formas como si fueran tubos, como tubos de construcción. Esto hizo que algunos críticos hablaran de Tuvismo, porque además utiliza un cubismo bastante atenuado. Esto pasa a causa del proceso de vuelta al orden que lleva la primera guerra mundial que, además, también hace en Léger que vuelva a pintar obras con tema, y para mostrar sus gustos e intereses.
Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch Léger, Tres mujeres, 1921  cubismo más suave, porque después de la guerra se vuleve un poco al orden.
Léger, El mecánico, 1920  canto a la modernidad y al progreso. Pese a la guerra, se creía todavía en un progreso.
La ideología de Léger es importante. Era un socialista, y no es ajeno a esto su interés por la representación de los trabajadores. Paralelismo de Pissarro, que era un anarquista y en vez de pintar los “paisajes de fin de semana” pintaba los paisajes de trabajo, con fábricas e indústrias.
Robert Delaunay: Uno de los primeros artistas que hace obras abstractas. Aun así, Delaunay viene del fauvismo y el puntillismo, pero después entra en contacte con el cubismo.
Delaunay, La ciudad de París, 1910 – 12  canto a la ciudad. Tema de las tres mujeres desnudas (recuerdo de las tres gracias; aunque no lo parezca las influencias clásicas no desaparecen completamente).
Es uno de los pintores que más se interesa por la ciudad, y tiene un gran número de obras de la torre Eiffel: La torre Roja, 1911 – 12.
Delaunay, Ventanas abiertas simultáneamente, 1912  Su aportación fundamental. Tuvo la idea de una pintura que solo tendría color, que se desarrollaría en el tiempo pero que se podría percibir simultáneamente. Formas fragmentadas con contrastes de colores. Pese al título, se elude completamente el tema. No distinguimos ninguna forma figurativa. Solo en algunas obras incluye algunas alusiones o sugerencias a elementos figurativos.
Delaunay, Homenaje a Blériot, 1914  Los helicópteros también eran una novedad de la época.
Juntó con Delaunay, trabajó también su mujer: Sonia Delaunay. Lo más interesante es que llevó las posibilidades que en el caso de su marido solo plantean en la pintura hasta el campo del diseño; las telas, la ropa… El tema de la vestimenta fue un tema importante durante la época de la guerra y entreguerras, sobre todo después de la Revolución rusa.
Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch En España hubo algunos focos de cubismo, y entre estos encontramos a María Blanchard.
Puntos importantes de la trayectoria de Picasso después del Cubismo: Retrato de Olga, 1917  Un ejemplo de la vuelta al clasicismo después de la primera guerra mundial. Se produce un interés por Ingres que en el caso de Picasso es claro. Recuperación de la figura y de la mímesis. Aún así hay elementos que no podríamos clasificar en una obra anterior al siglo XIX: El chal que muestra por detrás es completamente plano, no muestra pliegues. Es una manera un poco rápida de pintar una tela. Ingres, en cambio era muy minucioso en este ámbito.
Las tres bailarinas, 1925  Aquí retoma muchos elementos cubistas, y no se fija nada en Ingres.
Bañista sentada, 1930  Años del surrealismo. Figuras completamente desconyuntadas que tienen sus orígenes en el cubismo. Elementos muy aterradores: la cabeza es una especie de cuerpo más que tiene una especie de manos que podrían ser también las manos. Parece que las figuras estén creadas con materia osea.
Desnudo acostado, 1932  Al mismo tiempo pinta esta obra absolutamente sensual y alegre.
El lenguaje es totalmente distinto. Como que Picasso tiene tantos recursos, dependiendo del tema que quiera pintar; más serio, más triste, más alegre, más cómico, utiliza un lenguaje u otro. Picasso, según su humor y según sus intereses, adopta un lenguaje u otro. En la pintura anterior pinta a su ex pareja; en cambio en esta pinta a su chica actual.
Guernica, 1937  Para representar la guerra recurre al lenguaje cubista y al blanco y al negro, para mostrar la máxima sobriedad. Renuncia al color para mostrar un tema como este. Expresividad de las figuras; podemos imaginarnos los gritos y el sufrimiento. Lengua puntiaguda del caballo y de una de las mujeres: representación de la violencia. La bombilla es una bombilla pero al mismo tiempo podría ser un sol. Le hicieron este encargo para el pabellón de la república española en París. Él tardó un tiempo en decidirse en como lo pintaría. Hay fotografías que dejan ver todo el proceso.
Matanzas de Corea, 1951  Volvió al tema de la guerra en otras ocasiones. Recorda a Goya en los fusilamientos de la montaña del príncipe pío. Representa a los que van a morir como Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch seres individuales. Mujeres y niños, y van desnudos, parecen más vulnerables todavía al lado de los soldados que se representan como unas máquinas de matar.
Mujeres de Argel, años 50  Mira hacia atrás y hace reinterpretaciones de artistas antiguos.
Es el caso también de Las meninas.
Minotauro, 1933 / El abrazo, 1963 ...