1. Los Fauves (2015)

Apunte Español
Universidad Universidad Pompeu Fabra (UPF)
Grado Humanidades - 3º curso
Asignatura Arte Contemporáneo
Año del apunte 2015
Páginas 7
Fecha de subida 30/03/2016
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Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch ARTE CONTEMPORÁNEO INTRODUCCIÓN: Históricamente, el arte ha tenido una función educativa muy importante, además de una función devocional (en la pintura religiosa) o de dar una lección moral o de comportamiento, entre otras.
Las vanguardias, en cambio, rompen con esta función tradicional del arte. El arte se convierte en autónomo porque solamente depende de sus propios medios (color, línea, materiales…) De este modo, el arte deja de depender de la cultura, de la historia, de la literatura, de la mitología, etc. las obras no nos describen ni narran ninguna cosa. Nos evocan algo, pero no nos cuentan nada.
Se produce un cambio en la concepción de perspectiva y de belleza, debido a que aparecen nuevas formas que se diferencian de las canónicas (la perspectiva renacentista y la belleza de Grecia y Roma).
Se trata de un cambio que va más allá, por ejemplo, del paso del románico al gótico, en el cual la diferencia principal es que uno se utiliza el arco de medio punto mientras que en el otro se pasa al arco ojival que contribuye a dar más luz.
Este cambio se refleja también en las nuevas vestiduras de la época de principios del siglo XX, mucho más libre.
1.- LOS FAUVES 1905, París, exposición de un grupo de amig os en un salón, que consiste en varias pinturas que rodean a una escultura central.
Crítica hacia estos artistas: “Vaya, Donatello [el modelo, el canon] entre las fieras.” Con Donatello se refiere a la escultura de Marque, Busto de niña, que no se aleja demasiado de los bustos de Donatello. Con “fieras” se refiere a las pinturas del grupo de artistas que acaban Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch adoptando el nombre de su propia crítica, aunque nunca se unirán firmando un manifiesto con unas reglas determinadas.
A los academicistas y tradicionalistas les chocaban muchas cosas de estos artistas: los colores puros, fuertes y estridentes, los contrastes, la ausencia de dibujo previo… Se encontraban con una aplicación directa del color sobre el lienzo, aplicada en gran cantidad y de manera tosca (pintura pastosa) que perfectamente se podría haber aplicado con el propio dedo y no con un pincel.
Los contrastes de color muchas veces no se corresponden con la realidad, ya que no buscan imitarla, ni acercarse a ella. Ni tan solo intentan darnos la sensación que buscan los impresionistas, que pintan las cosas “aquí y en este preciso instante” para mostrar una realidad efímera y pasajera.
Por el contrario, los fauves tratan de hacer una obra independiente que adquiera valor por sí misma y no en la medida que copia o reproduce algo. El artista fauvista “crea” obras con propia vida.
¿De dónde viene todo esto? 2 caminos fundamentales, 3 padres fundamentales: PAUL GAUGUIN, VAN GOGH, CÉZANE Estos artistas son post-impresionistas  tienen el objetivo de hacer el impresionismo “solido”, en contra de las formas borrosas o manchas de color típicas de este estilo. Por lo tanto, tratan de recuperar la solidez de las formas.
Cristo amarillo, Gaguin, 1889  Color simbólico y no realista  no tiene una misión mimética ni descriptiva sino que asume una independencia.
La visión después del sermón, Gauguin, 1889  El color tiene la misma función simbólica. La perspectiva usada no es la tradicional, ya que la imagen se enfoca desde arriba de modo que solamente vemos el suelo (carece del punto de fuga renacentista) Viñedos rojos de Arles, Van Gogh, 1888 Aplicaba mucha cantidad de pasta y la esparcía de manera sinuosa. También utiliza el color con una función expresiva.
Mont Sainte-Victoire, Cézane, 1904 – 6  Fragmentación de las formas, construcción libre.
La mancha no se corresponde con la línea.
A partir de estos artistas post-impresionistas surgen dos nuevas líneas estilísticas.
Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch - Línea más geométrica influenciada per Cézane, que nos llevará hasta el cubismo - Línea más expresiva y sensual (sensitiva, de los sentidos), influenciada especialmente por Van Gogh, que nos llevará hacia los fauves y los expresionistas.
Los fauves no constituyen un grupo coherente, no hacen un manifiesto, simplemente son amigos que coinciden estilísticamente y artísticamente durante un período breve de tiempo (del 1903 al 1907).
Interior en Colliure, Matisse, 1905  Falta de respeto hacia la tradición con la perspectiva, el uso decorativo y simbólico de los colores (sirven para dar orden y armonía, se entienden como acordes musicales que se repiten en distintos puntos del cuadro ordenándolo).
Retrato de Derain, Matisse, 1905  Más atrevido en los colores y en la pintura pastosa Retrato de Matisse, Derain, 1905  Más respetuoso y moderado, no transgrede tanto las reglas.
El “fauvismo” es un término despectivo (=salvajismo). Esto no es nada nuevo, más bien es lo habitual (impresionismo también es un término despectivo, y barroco y gótico también).
Lo que unía a estos artistas era el interés por los colores vivos con función expresiva, la falta de respeto hacia la tradición, la yuxtaposición de colores, la transición de la luz… En el momento que Picasso pinta las señoritas Avignon cada artista fauvista toma un camino diferente y hay algunos que dejan los excesos característicos del fauvismo y otros que se acercan a Picasso y crean el cubismo.
 Hay muy poca gente sensible a este tipo de pintura. Entre estos pocos hubo dos hermanos judíos de París (Gertrude Stain) que fueron unos de los coleccionistas más importantes. En sus fiestas se conocieron, por ejemplo, Picasso y Matisse.
Aunque los tacharan de agresivos, siempre hay en los fauves y sobre todo en Matisse, un punto de orden y armonía, casi de mesura (Madame Matisse. Línea verde / Mujer con sombrero).
Los alemanes, en los mismos años, tenían una manera de hacer mucho más agresiva.
Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch La independencia del color era uno de los objetivos más perseguidos por los fauvistas.
Ahora la obra está lograda cuando la obra en sí misma es coherente y armónica.
En algunas obras fauvistas encontramos influencias del impresionismo. Un ejemplo es el Estanque de Londres de Derain (1906), que representa un tema muy propio del impresionismo; los barcos, la relación con la industria, el punto de visión elevado (aunque aquí está más exagerado)… En cambio, el color no es realistas, y la manera de aplicarlo tampoco es la manera propia del impresionismo, hay manchas muy amplias de color (en el impresionismo eran pinceladas pequeñas y sueltas, como puntitos). Otro ejemplo es Rejent Street de Derain, que es una escena de calle típica del impresionismo aunque el color y el tipo de mancha se alejan mucho más de la tradición.
Derain, puente de Waterloo. Nos encontramos en un momento en que hay muchas opciones artísticas y los artistas pasan un poco por cada estilo y tiene distintas etapas. Un ejemplo es esta puntillista obra de Derain, un artista que formó parte de Los fauves (influencia de Seurat i Signac que junto a Van Gogh, etc, eran las otras influencias para Los Fauves). La diferencia es que Derain no aplica pequeños puntos sino manchas más grandos, y colores mucho más vivos y contrastados (aunque tenemos que tener en cuenta que la mayoría de los cuadros puntillistas se han deteriorado mucho).
(Otro ejemplo es Matisse, que al final de su vida pasa a hacer una obra mucho más convencional).
El caso de Derain en Londres es uno de los ejemplos en que el impresionismo tuvo mucho más influencia en estilos posteriores. Los impresionistas hicieron muchos viajes y series de cuadros. Esta práctica la empezaron los impresionistas (Catedral de Ruan, Monet). A Derain un crítico le recomendó que viajara a Londres y experimentara con una luz diferente de la de París. Hizo una serie de pinturas como por ejemplo las del puente de Waterloo.
Matisse también tiene algunas obras puntillistas, como Lujo, calma, voluptuosidad. Fue influenciado por Signac a hacer este tipo de obras. A partir de aquí empieza el Matisse más conocido, que ofrecerá una imagen calmada y placentera de la vida y del mediterranio. Esta obra es la primera piedra de esta construcción que hará de su obra al largo de su vida. Los puntos también son mayores y la riqueza de colores más amplia. El tema es camprestre (típico puntillismo). No tenemos pistas para situarlo en un momento histórico Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch determinado. El título lo tomó de un poema de Baudelaire, La invitación al viaje*, en el que el poeta trata de convencer a su amada para que la siga hacia un país de amor y felicidad. Los poemas son muy importantes para los artistas de la época. Matisse a lo que aspira es que su pintura sea “como un calmante cerebral, algo parecido a un buen sillón, un sillón cómodo en el que uno se sienta”. Es decir, le da importancia a la belleza y a la estética (no como otros pintores del mismo estilo u otros de la misma época que reivindican lo feo, lo desordenado…) Matisse viaja a Colliure con Derain y es allí dónde encuentra su camino propio, que ya no tiene nada que ver con el puntillismo, con tacas grandes de colores vivos y contrastantes.
Aun así, en esta etapa podemos seguir definiéndola con los nombres lujo, calma y voluptuosidad. Un ejemplo lo encontramos en la obra La alegría de vivir. Temáticamente es el mismo tiempo de lujo, calma y voluptuosidad (figuras desnudas a la orilla del mar y arropadas por los árboles), pero formalmente es totalmente distinto. Otro ejemplo es el de Interior en Colliure. Matisse decía que lo que perseguía era la expresión, que creía que no residía en la pasión sino en la distribución del cuadro: la situación de los elementos, la organización en general. Matisse quiere que su pintura sea decorativa y expresiva y que para conseguirlo se necesita una planificación (contrariamente a lo que se pensaba para la mayoría de pinturas decorativas). Las influencias más directas las encontramos en los pintores simbolistas. Aun así, otra influencia la encontramos en Gauguin, cuando viajó al Pacífico para encontrar una pureza que no encontraba en los centros urbanos occidentales.
Estos dos artistas buscaban un mundo sin contaminar, regida por la naturaleza, armónica.
Camino de liberación de Matisse: Muy bien expresado a partir de dos pinturas que se pintan con un año de diferencia: El lujo I y II. En la 1ª las figuras todavía tienen matizes, mientras que en la 2ª estos matizes han desaparecido y lo que encontramos son colores planos.
En estos primeros años del siglo XX empieza a surgir un grande interés por el arte africano. Matisse viajara hacia África en varias ocasiones y adquirirá del arte africano la simplificación de las formas.
Armonía en rojo es uno de los mejores ejemplos del estilo propio de Matisse, y tiene mucho que ver con los viajes a África y el interés por la artesanía (las telas y las alfombras; lo decorativo). Este cuadro se pintó originalmente como “armonía en azul”. Él lo que busca son armonías de colores. A lo largo de la realización del cuadro los colores le fueron Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch llevando al rojo y por esto un cuadro que tenía que ser en azul acabó siendo rojo. El propio cuadro lleva al artista hacia un camino determinado. El cuadro ha perdido totalmente la sensación de tres dimensiones. Lo que nos encontramos es una superficie plana cubierta de colores. No hay grandes diferencias entre la mesa y la pared, no distinguimos del todo claramente cuando empieza un elemento y acaba el otro. El alfeizar de la ventana tiene un tono amarillo muy potente, porque para Matisse el amarillo y el rojo son dos colores que combinan bien y dan armonía. Aun asi, no estamos seguros de si se trata del alfeizar de una ventana o bien del marco de un cuadro dentro del cuadro. Un presente claro para esta onbra es Van Goch, con el retrato de Madame Roulin. Otra influencia es autorretrato con halo, de Gauguin.
Odalisca, 1921, es otra influencia del mundo oriental y del arte africano.
Interior con berenjenas. Los planos superpuestos constituyen toda la pintura. Lo que hay es una superposición de paneles decorativos.
Shchuckin fue un coleccionista ruso muy importante que compró muchas obras a Matisse.
La danza, 1909 – 10, este cuadro lo pintó para este coleccionista. Tuvo muy mala recepción, se habló de canibalismo, de ferocidad… Rusia estaba acostumbrada al balé y a la música, algo muy refinado. Las figuras distorsionadas y con posiciones violentas y contorsionadas de Matisse eran difíciles de entender. Matisse hace que las figuras se adapten al marco y por eso las posiciones son tan forzadas para conseguir que las figuras quepan dentro del marco y, al mismo tiempo, lo “emmarquen”. En esta obra lo que más preocupaba a Matisse era el ritmo, un término propiamente musical. Esta asociación ya era presente antes de Matisse, pero a partir de ahora la relación es mucho mayor y se repite más. El azul hace alusión al mediterranio en el mes de agosto. El verde hace alusión a los pinos mediterráneos1. Para él, el verde y el azul lo condicionan de tal manera que para obtener un “acorde luminoso” el único color para las figuras tenía que ser el rojo. Se rige por principios puramente plásticos.
Aunque lo califican de prehistórico, Matisse no se ha ido de la armonía y el contacto con la naturaleza.
Nasturtiums, es un ejemplo de que Matisse repitió muchas veces cuadros o fragmentos de cuadros. Otro ejemplo es una versión de La Danza del año 1930.
1 Explicació de Matisse a l’aula global Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch En los últimos años de su vida ya no podía pintar en buenas condiciones y por eso empezó a mandar teñir papeles de los colores que tenia y después los recortaba y creaba así sus obras. El resultado final no se aleja demasiado de obras como La danza y Lujo II. En estas últimas obras apreciamos un proceso de simplifación. El caso extremo seria Caracol, 1953, en que la forma desaparece totalmente. Sin embargo, lo importante aquí es la combinación de colores que consiguen la sensación de armonía y de calma que buscó a lo largo de toda su vida.
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