1. Introducción. Movimientos anteriores a la Primera Guerra Mundial (2016)

Apunte Español
Universidad Universidad de Barcelona (UB)
Grado Historia del Arte - 2º curso
Asignatura History of art of the Avant-garde (1905 - 1960)
Año del apunte 2016
Páginas 15
Fecha de subida 01/04/2016
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Profesor Joan Petit i Molet.

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Historia del Arte de las Vanguardias (1905 – 1960) Introducción 1 1. MOVIMIENTOS ANTERIORES A LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL INTRODUCCIÓN Estudiaremos movimientos culturales artísticos que son una reacción en cuanto al pasado, intentan romperlo.
Sobre todo contra el Romanticismo, el cual era como escapar del presente; y en cambio, estos nuevos movimientos tienen un compromiso con el presente, con su sociedad y su contexto.
También tiene un peso importante la Primera Guerra Mundial (1914 – 1918), ya que es una de las guerras más destructivas de todos los tiempos, debido a que la Revolución Industrial (siglo XIX) crea armas de destrucción masiva.
Esto, crea una fuerte reacción en los artistas del momento.
Surgieron los movimientos pacíficos mostrándose en contra de la guerra, como el Neoplasticismo, el cual busca equilibrio.
Piet Mondrian – pintor abstracto holandés del siglo XIX –, buscaba equilibrio porque creía que era la cave para conseguir la paz.
El Dadaísmo es un movimiento muy agresivo que comenzó en Zúrich, Suiza.
Busca todo lo contrario que el Neoplasticismo. Iban en contra de todo, de la tradición del arte.
Fue un movimiento muy importante ya que abrió las puertas a movimientos que vendrían después, en los cuales se cuestionan la vida, el arte, etc.
Marcel Duchamp – artista y ajedrecista francés del siglo XIX – fue clave en el Dadaísmo y también en el Arte Conceptual.
Antes de la guerra, el lugar más importante del arte, el centro artístico, era París, pero después de la guerra cambia y pasa a ser Nueva York.
En Alemania se crea un movimiento similar al Dadaísmo llamado: Neue Sachlichkeit.
El Surrealismo es el movimiento más importante de las Vanguardia, ya que son antiguos dadaístas que quieren ir más allá, pasar a un nivel más alto.
Utilizan técnicas de psicoanálisis, querían liberar la mente humana, para intentar llegar a lo más profundo del ser humano.
Querían construir algo alternativo a todo lo existente o construido en el pasado.
Return to Order es un movimiento que volvía a los clásicos, volvía al arte de los años 20.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del Arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 2 Introducción Por ejemplo, Picasso – pintor y escultor cubista español del siglo XIX – o Giorgio de Chirico – pintor italiano del siglo XIX –, reinterpretaban diferentes los temas clásicos.
Dentro de este movimiento se podría incluir el Novecentismo en Cataluña.
The Paris School es toda una generación que estudió en París y que no se puede clasificar en otras categorías.
En ella hay artistas tanto pertenecientes como no a la Return to Order.
Picasso se unió tras su época cubista.
También estudiaremos los grandes murales de Diego Rivera – muralista mexicano del siglo XIX –; y la importante figura femenina del arte: Frida Kahlo – pintora y poetisa mexicana del siglo XX –.
La arquitectura será muy importante, ya que la guerra destruirá mucho y por tanto se tendrá que volver a construir todo de nuevo.
Nacieron movimientos en contra de la arquitectura anterior altamente decorativa.
Algunos de los arquitectos más destacados son Adolf Loos – arquitecto austríaco del siglo XIX –, Peter Behrens – arquitecto y diseñador alemán del siglo XIX –, Frank Lloyd Wright – arquitecto estadounidense del siglo XIX –, Auguste Perret – arquitecto francés del siglo XIX –.
En Francia, en aquel momento están experimentando con hormigón.
La arquitectura japonesa utiliza materiales tradicionales, así que podemos ver que en el terreno de la arquitectura nos encontramos en un momento de muchas opciones diferentes pero a la vez todas éstas están unidas en el International Style, donde destacan Walter Gropius – arquitecto, urbanista y diseñador alemán del siglo XIX –, Mies van der Rohe – arquitecto y diseñador industrial alemán del siglo XIX –, Le Corbussier – arquitecto, teórico de la arquitectura, ingeniero, diseñador y pintor suizo del siglo XIX – (quien sigue la idea danesa y es diferente al resto), etc.
Estos artistas estaban muy concienciados de la realidad en la que vivían y buscaban crear una arquitectura que remetiese a la paz.
La arquitectura después de la guerra nació como critica al International Style, ya que no puedes hacer un mismo modelo de edificio en todo el mundo porque cada parte del mundo presenta diferentes características.
ALGUNOS CONCEPTOS DEL MODERN ART (ARTE CONTEMPORÁNEO) LA SUPERACIÓN DE LA IMITACIÓN DE LA NATURALEZA COMO PRINCIPAL OBJETIVO DE LAS TEORÍAS DEL ARTE La función del arte no es imitar la naturaleza, sino dar la idea del pintor, del escultor.
Es un cambio que comienza con Almuerzo sobre la hierba de Édouard Manet – pintor impresionista francés del siglo XIX –.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del Arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 3 Introducción Cuando Manet la pintó, quería imitar la naturaleza de la forma más realista utilizando color, luz, todos sus conocimientos de ciencia… Para crear el espacio, usó grandes manchas de colores, y con el contraste de diferentes colores oscuros y claros, tenemos la idea de espacio entre las figuras.
Esta forma de trabajar lleva a la idea de que el lienzo es bidimensional porque son colores planos, en que el artista quiso usar esta nueva técnica para dar la idea de no representar la realidad, sino la idea de representar espacio en un lienzo bidimensional.
Por tanto, el objetivo de Manet era representar espacio con colores planos, y este uso de colores planos lleva a la idea de no representar espacio porque el lienzo es bidimensional y, por tanto, no tiene sentido representar tres dimensiones en un lienzo que solo es de dos dimensiones.
El siguiente paso es que si no representamos el espacio, ¿por qué tenemos que representar la realidad? Podemos usar estas nuevas técnicas para ir tras la representación de la realidad.
Cuando Manet trataba de remplazar la perspectiva con esta técnica, trataba de superar todas las tradiciones de la Academia.
Por tanto, otra forma de superar las tradicionales era prestar atención al arte que estaba hecho fuera de Europa para tener nuevas ideas no influenciadas por la Academia.
Por ejemplo, Delacroix en el siglo XIX se inspira en Marruecos, o en el Norte de África, pero en el siglo XX mira más en África, u Oceanía.
Gauguin – pintor postimpresionista francés del siglo XIX –, por ejemplo, usa la idea de áreas de color plano, los desarrollos de Manet, y el espacio se crea con diferentes tonos de colores que contrastan y dan la idea de espacio. Un ejemplo es la obra de Arearea.
MANET, Édouard. Almuerzo sobre la hierba. 1863.
Impresionista, óleo sobre lienzo, 208 x 264,5 cm.
Museo de Orsay, París, Francia.
Rocío García Egea GAUGUIN, Paul. Arearea. 1892.
Expresionista, óleo sobre lienzo, 75 x 94 cm.
Museo de Orsay, París, Francia.
Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del Arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 4 Introducción PRIMITIVISMO Introduce también la idea de Primitivismo, que busca la técnica no occidental.
También intenta cambiar la visión del mundo, de los humanos. Es decir, venimos de una crisis y de la idea de que el mundo está cambiando muy rápido, que la industrialización está cambiando al mundo y a las personas. Por ello, otra razón para buscar el Primitivismo es encontrar a la gente que no está afectada por la industrialización.
El Primitivismo es importante porque da modelos plásticos, nuevas formas, y, además, porque da la nueva idea de humanidad. Es importante porque en esta búsqueda de la verdadera naturaleza humana, la subjetividad será importante otra vez.
SUBJETIVISMO Está muy relacionado con la idea de humanización, y ésta lleva a una visión negativa del mundo y de la sociedad humana en las ciudades.
Un ejemplo es el de E. L. Kirchner – pintor expresionista alemán del siglo XIX – con su obra Escena de una calle de Berlín, en que muestra la ciudad como un lugar donde las personas no hablan unas con otras, donde hay muchas personas pero te sientes solo. Este sentimiento de soledad conecta con el Romanticismo, lo que es muy importante en las Vanguardias.
La idea de crisis, de humanización, de sentimiento negativo, hacía que la gente tuviese la sensación de que se acercaba la Primera Guerra Mundial.
En Alemania, por ejemplo, estaba el káiser con un estado muy militarizado.
Esta idea de que el mundo va directo al desastre produjo por un lado la reacción de criticar el mundo moderno, pero por otro lado produjo el anhelo por ese mítico tiempo en que la gente vivía en armonía con la naturaleza, con paz, felicidad.
KIRCHNER, Erns Lutwig.
Escena de una calle de Berlín.
1913.
Óleo sobre lienzo, 121 x 95 cm.
Este tema es muy común en las Vanguardias. Ejemplos son La danza de A.
Derain – pintor, ilustrador y escenógrafo abstracto francés del siglo XIX – en que el baile significa la felicidad, armonía, gente de diferentes culturas bailando en la naturaleza con animales… Es una representación muy común.
DERAIN, André. La danza. 1906.
Fovista, óleo sobre lienzo, 175 x 225 cm.
Colección privada.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del Arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 5 Introducción No pinta la realidad, sino el lugar en que nos gustaría estar.
Siguiendo esta idea de un mundo mejor, los expresionistas también hablan de ello, ya que no estaban cómodos en la sociedad. Franz Marc – pintor expresionista alemán del siglo XIX – solo pinta animales, porque son los únicos que siguen manteniendo la inocencia.
Un ejemplo es El pequeño caballo azul, en que no es realista, sino que usa colores antinaturales, con técnicas parecidas… Con esta técnica enviaba diferentes mensajes.
MARC, Franz. El pequeño caballo azul.
1911.
Expresionista.
Otra forma de salir de esa sociedad era con el Abstractismo, donde el pintor no quiere representar nada del mundo o reconocible.
Kandinsky – pintor expresionista y abstracto, y teórico del arte ruso del siglo XIX – no quería representar nada, y lo sabemos porque escribe sus ideas en muchos textos.
Era la forma de escapar del materialismo, de la sociedad que se dirigía hacia el desastre.
No quería imitar formas materiales.
Quería una pintura espiritual pura, por lo que no puede contener formas materiales. La pintura espiritual era la única respuesta a ese mundo loco.
KANDISNKY, Wassily. Sin título. 1910.
Abstracto, acuarela y tinta china sobre papel, 49,6 x 64,8 cm.
Centre Georges Pompidou, París, Francia.
Las pinturas son una respuesta a la situación, como la de P. Mondrian – pintor vanguardista neerlandés del siglo XIX –, quien comenzó a pintar cuando la guerra había comenzado y lo hacía como respuesta a la guerra.
En Composición con amarillo, rojo, negro, azul y gris muestra la idea de equilibrio. Esta pintura simple con líneas verticales y horizontales buscando el equilibrio de las líneas, los colores, las formas.
Quería hacer una pintura en el sentido de egoísmo, puesto que la sociedad era tan egoísta que necesitaba luchar.
MONDRIAN, Piet. Composición con amarillo, rojo, negro, azul y gris. 1920.
Óleo sobre lienzo, 76 x 52,4 cm.
Museo de Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del Arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 6 Introducción La supremacía de la idea sobre la materialización de la obra de arte El artista tenía que tener habilidades manuales para crear.
En el siglo XIX algunos artistas como Duchamp consideraban que las máquinas podían hacer todo mejor que las personas, que podían hacer cualquier forma y color, y por ello deciden concentrarse en tener nuevas ideas, mensajes… todo eso que una máquina no puede hacer, como pensar.
Es decir, no hay que concentrarse en la producción de la obra puesto que las máquinas son más perfectas y más capaces que el hombre, al cual reemplazarán. Es por esto que hay que concentrarse en el concepto de la obra, no en su ejecución, puesto que la máquina puede hacer, pero no pensar.
Por esto, lo que no era tan importante era hacer el trabajo, sino que lo que se valoraba era la idea que hay detrás.
Así es como Duchamp presenta la idea de Arte Conceptualista.
Un ejemplo es Rueda de bicicleta, en que se refleja la idea de concentrarse en el concepto, en la idea.
DUCHAMP, Marcel. Rueda de bicicleta. 1913.
Rueda de metal montada sobre un taburete de madera pintado, 129.5 x 63.5 x 41.9 cm.
Es una obra hecha a partir de elementos cotidianos que puedes encontrar en cualquier parte, pero el hecho de juntarlos, la idea, solo la puede tener el hombre, no la máquina que ha creado los elementos que componen la obra.
Aquí es donde está el verdadero mérito artístico: tener la idea de juntar ambas cosas. Y quizá no lo juntó por sí mismo, sino que alguien lo hizo por él, pero es su trabajo porque es su idea.
Éste es otro gran desarrollo de este tiempo.
Duchamp no solo compraba y firmaba los objetos, sino que también muchas veces coleccionaba las notas, los bocetos de las obras, pero no las realizaba, porque la obra en sí eran los bocetos, las notas, ya que ahí es donde estaban sus ideas.
Esto abrió las puertas al arte tras la Primera Guerra Mundial. Y en este caso, Duchamp estaba muy avanzado.
Nuevos procedimientos artísticos y nuevos medios Cuando vemos obras de arte como la anterior (Rueda de bicicleta), estamos obligados a hablar de nuevos procedimientos artísticos y nuevos medios.
Hasta ahora hemos visto esculturas hechas a partir de mármol; pinturas al óleo sobre lienzo… pero a partir de ahora buscan nuevas formas de trabajar.
Algunos mantienen la vieja técnica del óleo sobre tela mientras que otros buscan nuevas técnicas y materiales y nuevos usos de estos.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del Arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 7 Introducción Las primeras técnicas son las que surgen del Postimpresionismo porque son las más modernas de la época.
Algunos ejemplos son: - Paisajes, como Cézanne.
Manet creó los contrastes de negro y blanco para crear espacio, y de esta forma Cézanne hizo algo parecido pero más elaborado porque sabía que tenemos las gamas de colores fríos y calientes.
Crea espacio poniendo colores fríos al fondo y calientes delante, creando un efecto óptico.
Un ejemplo es Mount Sainte-Victoire.
- Cloisonismo (Cloissoné), como Gauguin.
Introducido por Gauguin, es la utilización de líneas de contorno oscuras en torno a zonas de colores planos y brillantes, a modo de las vidrieras.
Quería que la línea negra ayudase a separar y ver mejor los diferentes colores.
Pero además, también da una sensación de irrealidad.
Un ejemplo es El Cristo amarillo.
- Colores lisos, como Gauguin.
- Puntillismo y Divisionismo, como los neo-impresionistas.
Forma de combinar diferentes colores sin mezclar los colores en la paleta, sino poniéndolo uno al lado del otro y mezclándose en el ojo del espectador, creando así un efecto óptico.
Los futuristas lo usan para dar la sensación de inestabilidad, de movimiento, clave básica en este movimiento.
Un ejemplo es Niña corriendo por el balcón.
- Simultaneísmo, como los futuristas.
Parte del Puntillismo y del Divisionismo.
- Facetado (Faceted), como los cubistas y los futuristas.
Parte de la geometría, y provine de la palabra faced que es una cara de un poliedro.
Forma en que los cubistas componen un elemento de la realidad en diferentes piezas que pueden llamarse faced.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del Arte de las Vanguardias (1905 – 1960) Introducción Quieren representar el mundo pero de una forma científica e intelectual.
8 Un ejemplo es El acordeonista.
- Automatismo, como los surrealistas.
Conectado con estudios psicoanalistas.
Quieren crear un mundo completamente libre de tradición, normas, etc., y la forma para hacerlo es dejar al subconsciente crear las obras.
Consiste en dejar la mente en blanco y tan solo dejar a la mano moverse.
Un ejemplo es Sin título.
- Aleatorio (Random), como los dadaístas.
Utilizan la teoría del caos. Pretenden no intervenir, sino que la obra surja por sí misma.
Un ejemplo es Collage.
- Collage o papel pegado (papier collé), como los cubistas.
Inventado por Picasso y Braque.
Cada pieza está pegada con una intención muy clara en su lugar.
Por miedo a que no se entendieran las obras, utilizaban elementos reales para referirse a la realidad, que no imitarla.
Un ejemplo es Guitarra, partitura y vaso de vino.
- Montaje (assemblage), como los cubistas.
Surge del collage, y es lo mismo pero en vez de pegar papel, se clava madera.
Un ejemplo es Mandolina.
- Relieves de pintura, como los constructivistas.
Surge del assemblage, rompiendo el límite entre la pintura y la escultura.
A la vez que en Picasso, pero en Rusia, estaban los constructivistas haciendo algo similar.
Picasso quería introducir realidad, mientras que Tatlin no quería representar nada, sino que quería introducir espacio a la imagen.
El objetivo era romper los límites tradicionales entre las artes.
Un ejemplo es Pintura en relieve 3.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del Arte de las Vanguardias (1905 – 1960) Introducción 9 CÉZANNE, Paul. Mount Sainte-Victoire. 1904 – 1906.
Óleo sobre lienzo, 68 x 81 cm.
Kunsthaus Zürich, Zúrich, Suiza.
BALLA, Giacomo. Niña corriendo por el balcón.
1912.
Óleo sobre lienzo, 128 x 128 cm.
Galería de Arte Moderno de Milán, Milán, Italia.
Rocío García Egea GAUGUIN, Paul. El Cristo Amarillo. 1889.
Óleo sobre lienzo, 92,1 x 73,3 cm.
Museo Albright-Knox, Buffalo, Estdos Unidos.
PICASSO, Pablo. El acordeonista.
1911.
Óleo sobre lienzo, 130,2 x 89,5 cm.
Museo Guggenheim, Nueva York, Estados Unidos.
Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del Arte de las Vanguardias (1905 – 1960) Introducción 10 MASSON, André. Sin título. 1924.
PICASSO, Pablo. Guitarra, partitura y copa de vino. 1912.
Collage.
ARP, Hans. Collage. 1916 – 1917.
Papel rasgado y pegado y papel de color sobre papel coloreado, 48,5 x 34,6 cm.
Museo de Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos.
PICASSO, Pablo. Mandolina. 1914.
Assemblage.
McNay Art Museum, San Antonio, Texas, EStados Unidos.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del Arte de las Vanguardias (1905 – 1960) Introducción 11 TATLIN, Vladimir. Pintura en relieve 3. 1914.
Rompiendo los límites tradicionales entre las artes Se quiere introducir espacio en la pintura, incluyendo el aire que le rodea.
Se conforma una contradicción puesto que un relieve es una escultura, no una pintura, pero de esta forma ambas se mezclan.
Se rompe la idea de pintar solo una superficie, pero no solo con la perspectiva, sino clavando elementos tridimensionales.
En Construcción colgante los elementos están incorporados en el espacio.
RODCHENKO, Aleksandr.
Construcción colgante. 1920.
LAS CLÁSICAS VANGUARDIAS Origen del término vanguardia El término es francés y utilizado por primera vez en la armada para los soldados que iban en primera línea.
Por ello, el término denota la idea de estar en frente, delante, de ser el primero en luchar, en romper.
Esta idea se tradujo en política después, para los más radicales. Y de ahí pasó al campo artístico para los artistas más radicales u opuestos a la Academia.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del Arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 12 Introducción Necesidad de ser modernos Ser moderno significaba pertenecer a tu tiempo, no mirar al pasado.
El compromiso social Se diferencia del Romanticismo justo por esto, porque los románticos no tenían ningún compromiso social, mientras que los vanguardistas sí.
Los grupos Una de las características más importantes es que los artistas se juntaban en grupos para combatir contra el arte académico.
Esta idea de trabajar en grupo tiene consecuencias porque como grupo intentaban ser entendidos por la sociedad, conectar con ella.
Textos y manifiestos Escriben muchos manifiestos y textos, que solían ser cortos normalmente y muy esquemáticos y directos con sus ideas.
Diarios Los textos y manifiestos se publicaban en periódicos con textos sobre arte en que se hablaba, no solo del grupo que publica el diario, sino de todos los diversos movimientos artísticos del momento.
Esto les permitía saber, intercambiar ideas… Los periódicos no solían durar mucho.
Los soirées Eran “reuniones” en un teatro en que el artista se presentaba en el escenario y leía los manifiestos, y comentaban.
Era una manera de llamar y tener la atención de la sociedad.
Los salones de arte en el siglo 20 París En el siglo XX se siguen manteniendo los salones de arte – que comienzan un siglo antes –, que cambian en esta época, intentaban adaptarse a los nuevos estilos, movimientos, tiempo.
En 1881 se funda la Sociedad de Artistas Franceses (Société des Artistes Français) y controla el salón oficial: el Salón de Bellas Artes (Salon des Beaux-Arts), Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del Arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 13 Introducción que había sido organizado por la Academia y ahora pasa a ser controlado por una sociedad privada.
Los miembros solían ser profesores de la Escuela de Bellas Artes (School of Fine Arts), por lo que eran conservadores de la Academia.
Este hecho provoca que no estuviese permitido el arte moderno, por lo que seguía siendo lo que era pero con otro nombre.
Otro era la Sociedad Nacional de Bellas Artes (Société Nationale des BeauxArts) fundada en 1862, la cual organizó el Salón de la Sociedad Nacional (Salon de la Société Nationale) en 1890.
También era muy conservador, y solo había pintura académica.
La novedad era la Sociedad de los Artistas Independientes (Siociéte des Artistes Indépendents) de 1884, que era una sociedad en que no había artistas conservadores, y su objetivo era que todo el mundo podía exponer sin ningún tipo de problema ni selección previa, al contrario que en los otros, en el Salón de los Independientes (Salon des Indépendents).
La desventaja era que como no había preselección, el número de piezas presentadas era muy grande y por tanto necesitaban un espacio más grande, lo que conlleva más dinero.
En 1903, algunos miembros de esta sociedad crearon un nuevo salón, el Salón de Otoño (Salon d’Automne) (Société du Salon d’Automne), con una nueva exhibición de arte moderno con un criterio más concreto, para separar el buen arte moderno del malo.
La idea de salón estaba en caída y se acabará sustituyendo por las galerías.
Nueva York Se quería imitar lo de París, por lo que los artistas modernos trataron de organizar sus propias exhibiciones En 1911, se creó la Asociación de Pintores y Escultores Americanos (Association of American Painters and Sculptors), con el objetivo de crear una exhibición nueva.
En 1913, organizaron la Exposición Internacional de Arte Moderno (International Exhibition of Modern Art), también conocida como The Armory Show. Es la primera exhibición de arte moderno de los Estados Unidos y está considerada el inicio del arte moderno en el país.
Es muy importante.
El nombre de The Armory Show es anecdótico.
Se celebró en la sede de la Guardia Nacional de Nueva York.
Tiene el mismo problema que tuvo el arte francés. Estaba la Academia del diseño (Design Academy), la cual organizaba las grandes exhibiciones de arte académico en el antiguo Madison Square Garden, pero no podían alquilarlo, por lo que alquilaron un gran espacio militar en el centro de Nueva York y de ahí el nombre.
Grandes artistas europeos expusieron aquí, como van Gogh, Braque, Seurat, Munch, Matisse, Picasso, o Duchamp.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del Arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 14 Introducción Y otros americanos de arte moderno, como Bellows, Cassat, o Hooper.
Galerías de arte y distribuidores París Una de las más antiguas es la Galerie Ambroise Voillard de 1893, que exponía mucho a Picasso (primera exposición en 1901), y a Matisse (primera exposición en 1904).
Otra es la Galerie Berthe Weill de 1901, con muchas exposiciones. Entre ellas la de Fovismo de 1905.
En 1907 la Galerie Daniel Kahnweiler, lugar en que nació la palabra “Cubismo” cuando un criticó vio las obras de Braque y dijo que eran rarezas cúbicas.
Fue la galería oficial de Cubismo hasta 1914.
Daniel Kahnweiler nació en Alemania y cuando la Primera Guerra Mundial comenzó todos los alemanes fueron expulsados de Francia porque eran enemigos en la guerra.
Cuando la guerra acabó, volvió y fundó otra galería con un socio francés llamada Galerie Simon en 1920.
La Galerie Paul Guillaume de 1914 exponía a artistas como Modigliani, De Chirico, Derain, los cuales retornaban al clásico.
Y la Galerie L’effort moderne de 1915, donde se expuso el Cubismo durante la guerra.
Alemania Alemania fue otro centro artístico importante hasta la Segunda Guerra Mundial, momento en que los nazis prohíben todo el arte moderno.
Como ciudades importantes están Múnich y Berlín.
En Múnich está la Galería de Arte Moderno (Die Moderne Galerie), fundada por Heinrich Tahhhauser en 1909.
Se podían ver las últimas tendencias.
Berlín era más importante porque se convirtió en el centro del Expresionismo tras 1910.
Hay una importante galería llamada La tormenta (Der Sturm), fundada por Herwarth Walden en 1912.
Era una galería en la que se publicaba un periódico con el mismo nombre en que se publicaban diferentes textos sobre lo que se estaba exhibiendo.
No es solo importante por las exhibiciones de expresionismo alemán, también por Cubismo, Futurismo… por lo que daban oportunidad a todos.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del Arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 15 Introducción Ambas galerías fueron cerradas por los nazis: la Die Moderne Galerie en 1937; y la Der Sturm en 1932.
Nueva York La primera galería de arte moderno fue fundada por Alfred Stiglitz en 1908, un fotógrafo que al principio se enfocaba en la venta de fotografías como arte en la galería.
Con el tiempo comenzó a introducir arte moderno europeo y arte americano.
Otra galería es la Kraushaar Galleries, fundada por Charles Kraushaar en 1885.
Comenzó con solo arte francés del siglo XIX, pero cuando el fundador murió y su hermano tomó el control de la galería en 1917, éste introdujo artistas americanos de arte moderno.
Coleccionistas de arte y mecenas Los más importantes eran de origen americano: los hermanos Leo y Gertrude Stein, y Walter Conrad Arensberg, los tres de Philadephia.
Los hermanos Stein se establecieron en París en 1903.
Eran mecenas de artistas como Picasso, Matisse, Gris, o Masson.
Gertrude no solo era una periodista y escritora interesada en coleccionar con su hermano, sino que también estaba interesada en escribir libros de atmosfera artística.
Tenía mucho contacto con los artistas y gracias a ella sabemos muchas cosas de ellos.
Escribió The Autobiography of Alice B. Toklas y Everybody’s Autobiography. El nombre utilizado era de su amante, pero lo escribió ella.
Por otro lado, Conrad se estableció entre Nueva York y Los Ángeles.
Trabajaba con artistas como Metzinger, Duchamp – permitió a Duchamp trabajar en America –, Bacon, Brancusi, Ernst, o Ray.
La colección está en el Museo de Philadelhia, puesto que lo donó allí en su muerte.
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Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 ...