Art Contemporani (1) (2013)

Apunte Español
Universidad Universidad Autónoma de Barcelona (UAB)
Grado Comunicación Audiovisual - 1º curso
Asignatura Art Contemprani
Año del apunte 2013
Páginas 20
Fecha de subida 10/12/2014
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Profesor: Jaime Vidal

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ART CONTEMPORANI INTRODUCCIÓN Merda d’artista – Piero Manzoni (1961) Acción a prueba de resistencia – Günter Brus (1970) Acción locura total – Günter Brus (1968) Madre e hijo divididos – Damien Hirst Jeff encima (sucio) – Jeff Koons (1991) La fuente – M. Duchan (1917) ARTE CONTEMPORÁNEO, LÍMITES Y PROBLEMAS Lo nuevo La noción de lo nuevo como el criterio que define lo que es o no arte, se articula en el contexto de las vanguardias.
Es el desdoblamiento de los criterios de funcionamiento económico en una sociedad capitalista. La novedad incentiva el mercado.
Este nuevo criterio de valoración del arte opera como un criterio normativo y dogmático. Hoy en día entendemos que este criterio de la novedad hay que revisarlo y hay que leer la historia del arte desde otra perspectiva. Señalar que lo nuevo como valoración del arte se articula en el contexto del d las vanguardias.
Nueva tipología de artista. La vanguardia implica una nueva manera de entender el arte. En consecuencia también implica un nuevo concepto de artista. Durante el Romanticismo se abre una ruptura entre artista y la sociedad.
Hasta entonces había una sintonía entre ellos. En el contexto del Romanticismo aparece la idea de libertad expresiva, de auto expresión. Los autores se desvinculan del encargo y desarrollan su propia conciencia. El artista que crea según su propia conciencia se sitúa en una posición contra corriente, en el sentido de que, al final el artista queda de espaldas a la sociedad. Esa posición es incomprendida por el gran público. Los artistas que crean nuevos modelos sólo cuentan para un reducido grupo de seguidores ya que la novedad provoca el rechazo.
- Categoría estética - Dimensión económica - Dimensión moral  contenido ético-moral - Desdoblamiento cultural de una problemática económica - La idea de lo nuevo aparece durante la Ilustración (s. XVIII)  empieza a pensarse la evolución del hombre como una escalera, en que los peldaños superiores son más importantes que los inferiores Cambio = Progreso Evolución = Progreso - Antiguo Régimen: Sociedad teocrática  creían que ya estaba todo inventado y no creían en el progreso ya que todas sus respuestas las encontraban en Dios  si alguien era original lo disimulaba - Lo nuevo se asocia al progreso - Con el paso del tiempo se radicaliza la idea de progreso con las vanguardias  proyectos artísticos y políticos de regeneración social - Kandinsky piensa en la abstracción como un nuevo pensamiento que ha de iluminar a la sociedad - En un principio, la vanguardia es incomprendida por el gran público - Historia del arte contemporáneo  carrera por lo nuevo sin fin - Las novedades se solapan las unas con las otras - Los artistas desarrollan un trabajo experimental en la búsqueda de nuevos modelos. Se empiezan a cuestionar esos principios de progreso (esos ideales se derrumban)  hemos de ampliar nuestra noción del arte Proceso de difusión del arte de innovación según W. Kandinsky - El arte es creado por una élite en la cúspide de la pirámide social que ha de iluminar a la sociedad.
- Motiva el rechazo y la incomprensión del gran público.
- Lentamente, el arte de innovación acaba por impregnar la sociedad de arriba abajo, hasta llegar a la base, los sedimentos sociales más degradados.
- Visión idealista.
- Visión social que responde a la espiritualidad.
- El artista es un iluminado, adelantado respecto la sociedad.
- ¿Se trata de un proceso espontáneo? ¿Cómo se valoriza? - Galerías de arte (iniciativa privada) - Críticas de arte/prensa - Coleccionismo en Europa a partir de 1970 - Museos en España a partir de 1980 D.H.Kahnweiler (1884 – 1979) - Promotor del cubismo y de Picasso.
- Sin él no existiría la vanguardia que hoy conocemos.
- Apuesta por el arte marginal (época rosa de Picasso).
- Promociona a Picasso a través de exposiciones, campañas de prensa (cada vez de forma más compleja y sofisticada), exclusivas y finalmente la proyección internacional.
- París era un mercado limitado para la vanguardia y se tenía que exportar principalmente a USA.
EXCLUSIVAS Contrato entre artista y galerista de manera que el galerista, a cambio de un salario, adquiere toda la producción del artista. El salario permite al artista desarrollar su carrera. Después de una operación de promoción, el galerista que ha comprado barato podrá poner en el mercado, si la operación sale bien, unos precios determinados. El galerista controla y monopoliza la oferta e incentiva la demanda.
El arte no tiene precio hasta que se introduce en el mercado de la oferta y la demanda. El galerista pone en valor el producto, le da prestigio.
Es difícil de explicar cómo se atribuye este papel preponderante del artista en la sociedad porque se piensa que el libro artista puede cambiar la sociedad. La belleza es lo imposible. Cuánto más marginado está el artista, más grandes son sus sueños de grandeza. El artista como demiurgo de la sociedad.
La vanguardia rompe con la tradición, no posee memoria. Con la perspectiva actual entendemos que la vanguardia es un proceso que se gesta de una manera lenta tenemos la convicción que con la revolución industrial se inicia un proceso que hoy en día todavía no ha concluido. Con el Romanticismo se introducen las ideas de libertad y de novedad, de la originalidad. La libertad se relaciona con la idea del yo y de la individualidad. La vanguardia es la radicalización de esos valores que empiezan con el Romanticismo en la revolución industrial.
Cualquier manifestación artística puede pensarse como una exploración de la realidad. Cada movimiento de vanguardia significaría un análisis concreto, una exploración fragmentaria. La vanguardia engendrar que rompe con la tradición renuncia al naturalismo, al ilusionismo, a la relación con el mundo ilustracionista, exploran un mundo que va más allá de las superficies de las cosas, de lo tangible. Hay una dimensión metafísica en el sentido literal.
Por ser un grupo reducido en muchas ocasiones la vanguardia adopta posiciones dogmáticas y agresivas. Los manifiestos pretenden provocar, la publicidad. La Vanguardia en muchas ocasiones tendrá un carácter agresivo pero hay otra vertiente a señalar, porque la vanguardia en un principio es un producto marginal, requiere toda una labor de difusión y legitimación. Motivará una gran cantidad de papel impreso, de revistas, que tienen como objetivo difundir los mensajes de los artistas.
NOCIÓN DEL ARTE DE VANGUARDIA Principios de siglo XX hasta la Segunda Guerra Mundial.
El concepto surge en la revolución francesas, que definía las tropas de asalto. Poseen una connotación de combate y de lucha. Poseen otra connotación importante, designa grupos de elite, grupos reducidos que se sitúan al frente.
Está asociada a la liberación social.
En la segunda mitad del s. XIX, empieza a ser introducida en el lenguaje artístico y literario y en la primera década del siglo XX se incorpora a los movimientos artísticos que implique algún tipo de rotura. Las vanguardias se definen como una ruptura con la tradición y proponen nuevos modelos. Implican directa o indirectamente un proyecto político revolucionario.
La vanguardia es una categoría estética que se define especialmente con la rotura de la tradición artística. Se plantea como una experiencia que hace tabla rasa, no posee ninguna noción de memoria, es un salto al vacío, se define bajo un principio dinámico, es decir, el replanteamiento constante de los valores presentes.
El arte de vanguardia se presenta como un arte de investigación porque está transgresión y este rechazo a la tradición implica un segundo elemento, para poder conseguir un nuevo lenguaje, la ambición de un nuevo orden artístico y social. No es nihilista sino que trata de conseguir un nuevo modelo, una nueva alternativa, de obtener nuevas experiencias.
Es la ruptura con la historia, la ausencia total de la evolución y de la tradición.
La vanguardia no es un arte decorativo u ornamental sino que posee un contenido ético-moral muy importante.
Justificación justamente este contenido. Implica directa o indirectamente una oposición a la ideología dominante, al romper con la tradición y al articular una nueva serie de valores, cuestiona el orden social y no tan sólo principios artísticos. Puede cuestionar algo que desde el punto revista de las bellas artes es importante, la noción de obra bien hecha. Esta transgresión de la obra bien hecha no es tan sólo una cuestión artística, implica todo un sistema social de trabajo, de la enseñanza, la manera de entender el trabajo, etc.
Las vanguardias, cuando aparecen, provocan un escándalo. En un principio la vanguardia puede ocasionar escándalos pero rápidamente parece absorber a la sociedad. La vanguardia implica la idea de proceso. Tiene tanta autoridad moral y actúa como dogma. La vanguardia es un referente simbólico de progreso. La idea de progreso y de cambio se origina con la ilustración que se enfrenta con el antiguo régimen. La idea de progreso queda asociada al cambio la vanguardia representa el cambio.
Implica un proyecto político. El sentido último de la vanguardia es la transformación social y el concepto y la construcción de un hombre nuevo. La vanguardia acaba quedándose sin justificación.
Origen y evolución del término vanguardia - Desde el principio, posee una connotación de lucha/combate, ya que se refería a lo que actualmente conocemos como comando.
- Primera mitad del s. XIX  Se refiere al socialismo utópico - Segunda mitad del s. XIX  Se utiliza en medios artísticos y literarios - Primera década del s. XX  Nombra experiencias/movimientos que expresan una ruptura con la ideología dominante Categoría estética  Ruptura con la tradición artística - Principio dinámico  replanteamiento constante de los valores vigentes   Renovación, replanteamiento constante de los valores vigentes Ruptura de la continuidad - Arte de investigación   Rompe con el pasado, la tradición y la memoria, para conseguir un nuevo orden y articular un nuevo lenguaje Doble dialéctica - Ambición de un nuevo orden artístico  Nuevas experiencias Contenido ético – moral - Oposición a la ideología dominante  Nueva escala de valores que cuestiona los valores tradicionales (fundamentada por el trabajo). Por eso, al principio, la vanguardia crea escándalo entre los burgueses, pero finalmente es absorbida por el sistema y por la sociedad rápidamente.
- Idea de progreso  Radicaliza la idea ilustrada del progreso. En la escalera, el peldaño superior es más importante que el inmediatamente inferior.
- Proyecto de regeneración social / proyecto político revolucionario: la construcción de un nuevo hombre    Transformación de la sociedad y del hombre La vanguardia posee una particularidad moral Se quiere crear un hombre nuevo Criterio de valoración del arte: la novedad - Lo nuevo: efecto estético - Lo nuevo: implicaciones económicas - Lo nuevo: criterio normativo y dogmático - Necesidad de revisión de los criterios de valoración Nueva tipología de artista - Fractura arte – sociedad    El artista crea según sus propias convicciones y su manera de entender el mundo La sociedad no puede seguir al artista en sus investigaciones Mundo esotérico - El artista como demiurgo/agitador   Está en la punta de la pirámide de Kandinsky Elemento clave de la sociedad Origen: Romanticismo A partir de la Revolución Industrial de finales del siglo XVIII, comienza el capitalismo y las vanguardias radicalizarán algunas de sus ideas entorno a la novedad.
Investigación sobre la realidad: lo invisible - La mayor parte de los movimientos de vanguardia renuncian a las apariencias para profundizar el valor de las cosas, el mundo de lo imposible.
- Dimensión metafísica (más allá de lo físico).
- Investigación sobre lo oculto.
- Cada movimiento es una perspectiva distinta sobre lo invisible.
Aparato difusor y mediador - Experiencia que se reduce a una élite y por tanto requiere de un aparato difusor.
- Desarrolladores del papel mediador entre el artista y el gran público.
EXPRESIONISMO Características del expresionismo - Superación de un arte superficial (impresionismo).
- Patrimonio de todo el arte en general.
- Pintura retínica.
- Explora el funcionamiento del ojo.
- Busca una realidad interior.
- Subjetiviza los objetos y éstos pasan a ser metáforas del yo del artista.
- Se rompe la noción de idea de obra bien hecha.
- Forma de liberación de un estado personal.
- Renuncia a la forma exacta de las cosas, añadiéndoles simbolismo.
- Paleta de colores muy subjetiva  no se respetan los colores de la naturaleza - Pintura como grito.
- Puro instinto, cuanto más, mejor.
- Los cuadros no pueden entenderse como una fotografía.
- Arte que pretende seducir a los ojos y a la mente.
Die Brüque (El Puente) - Agrupación de jóvenes artistas de carácter vitalista, juvenil y fresco, creada en Dresde el 1905 y disuelta el 1911:         Contexto alemán Formación antiacadémica En principio no firmaban las obras porque eran un colectivo y compartían los instrumentos de trabajo Exploración interior Estética de lo feo Tendencias de pensamiento de carácter espiritualista y de liberación  se busca un contenido interior, una experiencia que traspasa en mundo de las apariencias Xilografía  técnica de grabado sobre madera - Procedimiento inmemorial - Desconocían la teórica y el oficio - Otorgaba frescura, autenticidad - Valorado gracias a la falta de profesionalidad E. L. Kirchner (1880 – 1938) - Realizaba sus obras sin ninguna idea previa - Pintura espontánea, agresiva, auténtica - “Marcela” - Estrategias:    Deformación - Se expresa el dolor como algo primario - En busca de la intensificación personal Incorporación de procesos instantáneos Dimensión simbólica de los elementos plásticos Artistas - Goya - Francis Bacon - Mimo Rotella - Van Gogh    No estaba relacionado con Die Brüque pero era expresionista Exteriorización del yo interior a través del calzado y otros objetos en general Intensificación de las emociones, deformando las imágenes El fauvismo Los fauvistas desarrollan una investigación sobre aspectos puramente plásticos. Les interesa la forma por el color; es decir, el color se sobrepone a la forma, es a partir del primero que se acaba creando el segundo. Los alemanes tienen un sentido crítico y radical. Existe, por tanto, una contraposición entre el fauvismo francés y el expresionismo alemán:    La pintura del dolor del grupo expresionista alemán contra la pintura de la felicidad del fauvismo francés.
Estética de la felicidad contra la estética del dolor.
Estética de la belleza contra la estética de lo feo.
- André Derain  Artista francés. Está vinculado al fauvismo.
- Hénri Matisse    Principal pintor fauvista. Entiende el arte como un equilibrio, arte para cualquier trabajador de la mente, una especie de reposo mental. Habla de sillón, habla de efecto sedante, habla de que no exista ningún objeto que atormenta o deprima.
Pintura decorativa  armonía Pintura “burguesa”, decorativa, de reposo mental Der Blaue Reiter - Agrupación creada en Múnich el 1911.
- Revista      Diversidad de intereses Tendencia a evadir el arte como reproducción de las apariencias Arte más allá de las apariencias Se propone un mundo situado al otro lado de las apariencias Arte orientado hacia lo abstracto - Noción de abstracción - W. Kandinsky (1866 – 1940) y sus ideas:   La abstracción como un lenguaje espiritual La música Generación del Jinete Azul (abstracción) Buscaban una experiencia, un mundo, algo más allá del mundo de las apariencias. El arte era un instrumento para ver, para exploran mundo que se sitúa más allá de la estricta apariencia.
Uno de los artistas más significativos es Kandinski. Un aspecto vinculado al Jinete Azul y a Kandinski es la abstracción. La abstracción es aquella manifestación artística que no posee ninguna experiencia exterior, es diferente al mundo de las experiencias y las apariencias pero es capaz de motivar sensaciones y emociones por si mismo a partir de elementos como las formas y los colores y sus relaciones. Motivados por esa inquietud espiritual llegan a la abstracción.
Se entiende el expresionismo como una estética de lo feo, no se respeta la armonía ni la belleza tradicional. Las obras se llevan a cabo en un estado de crispación y agresividad.
Los artistas de Die Brüque trabajaban con xilografía, superficies de color, formas agresivas y puntiagudas, y acabaos descuidados.
Francis Bacon (1960’s)  Versiona un cuadro de Velázquez (un hombre sentado) pero añade una máscara al protagonista Antonio Saura (1950 – 1960’s)  Artista español que participa del mismo espíritu de Jackson Pollock, versiona un retrato de Felpie II, transforma en una máscara la imagen, deformándola y revelando contenidos no evidentes Kishner  Trabajaba con desnudos sin tener en cuenta la armonía de colores ni las formas. Su pintura era una pintura sin ideas, espontánea ABSTRACCIÓN (expresionismo) - Sin anécdotas, sin relación con el mundo exterior, sin historias, manifestación artística que a partir de colores y formas y la relación entre ellos, son capaces de sugerir emociones y provocar sentimientos.
- Agrupaciones artísticas que buscan introducirse en el mercado, entre otros el Jinete Azul.
Kandinsky - Llega a la abstracción en un proceso de reflexión, no por falta de formación:     Decide dedicarse al arte a los 33 años Especial interés por el arte popular y la música Origen ruso Pintura impresionista - En 1917, cuando estalla la Revolución Rusa, vuelve a su patria para implicarse. Un tiempo después se va a la Balhouse (escuela de diseño y arquitectura) donde ejercerá como profesor de prácticas y/o fundamentos de la imagen.
- Le preocupaban:    La Gramática de la Creación (de la cual escribe un libro) Cómo funciona la imagen Cuáles son los fundamentos de la imagen - Lenguaje reflexionado y articulado - Consigue dar sensación de profundidad en algunas de sus obras - Introduce ambigüedad y contraste - Manifestación espiritual - Quería ofrecer al mundo una nueva forma de expresión - Nociones idealistas - La materialidad de las obras es la figuración, el argumento - Labor de purificación, recorta aspectos que comprenden la materialidad del arte, y lo que queda es pura espiritualidad y expresión del arte - Musicalización de la pintura - Teatro simbolista - Primera acuarela abstracta  Línea sinuosa u orgánica, propiedad del Art Nouveau, que sugiere movimiento y dinamismo. Hay una tensión ascendente porque se trata de una diagonal. La mirada se dirige al centro y observamos hacia arriba, encontrando el punto abajo a la izquierda, que nos conduce hacia el punto de arriba a la derecha, nos lleva a un punto de evasión, un ángulo rectángulo.
Los colores no están cogidos al azar, hay una sensibilidad por el color. Hay unos filamentos que contribuyen al movimiento. Podemos hablar también de la profundidad por la superposición de tintas y de colores. En el caso de Kandinski hay siempre un porqué, él combina colores y formas siguiendo una lógica y es una lógica equivalente a cualquier otra imagen.
    Las formas rectas anclan la mirada, impiden el movimiento e introducen inquietud Voluntad de articular sensaciones y sentimientos Apariencia de arte espontáneo Imágenes muy reflexionadas, con un conocimiento y un razonamiento previos - Sucesión de signos  Imagen en formato horizontal viene definido por unas líneas que articulan la composición y organizan la disposición de las formas. La forma con la que comienza es la misma con la cual acaba. Las formas en la parte superior tienen más peso visual ya que hay una tendencia natural de elevar los ojos. El color cálido atrae al ojo al igual que la forma del circulo ya que no tiene puntos de evasión. La lectura en nuestra civilización empieza de izquierda a derecha y estos son aspectos, explicaciones de por qué la lectura empieza en un punto determinado.
   Pintura más avanzada. Consta de cinco líneas horizontales que refieren a un pentagrama musical y ordenan los signos atribuyéndoles una disciplina.
Se lee empezando por arriba a la izquierda, debido a una ley según la cual en un rectángulo las formas situadas en la mitad superior llaman más la atención.
Hay una forma que se repite aunque no es del todo auténtica: Arriba, el círculo es rojo y grande.
Abajo, el círculo es azul oscuro y pequeño.
- Rojo apagado (1927)  Imagen no simétrica donde hay una zona de particular densidad.
 Los colores blancos tienen más peso visual  Las formas aisladas también  Hay un eje principal que organiza la obra - Blanco número 2 (1923)    Hay 2 ejes que se dirigen a los puntos de evasión Ejes secundarios Movimiento circular La expresión artística se ha deliberar de la condición material. En Kandinsky hay un rechazo total a la realidad material porque dificulta la expresión. Las formas abstractas para Kandinsky tienen un valor sentimental porque expresan el estado del alma. Las formas abstractas no valen por sí mismas sino por su peso espiritual. El compara la música con la pintura abstracta, explica que la música no tiene un. Significado material, no tiene relación exterior, es independiente a la realidad. La música es capaz de despertar sentimientos y emociones comuna relación de sonidos.
La música se ha calificado desde siempre con el lenguaje más espiritual porque no tiene materialidad. No se puede agarrar, no tiene peso y por eso es el lenguaje más cerca del alma. Él intenta realizar una musicalización de la pintura.
CUBISMO Un dels primers moviments avantguardistes, el cubisme s'associa a quelcom que deixa de banda sentiments o emocions. Els protagonistes d'aquest son Picasso i Braque. S'entendrà cubisme com el procés que es situa entre aquests dos artistes.
Característiques - Deixa de banda els sentiments, les emocions, es concep amb la raó. Negació de la part natural a favor de la intel·lectual.
- Tracta de buscar una forma geomètrica, l'esquelet sota el qual descansen les aparences.
- És un art del coneixement, no de la visió. Picasso: “Pinto allò que penso, no el que veig”. El cubisme buscara el que es pensa, l'estructura íntima de l'objecte, la forma ideal sota el món de les aparences.
- L'artista cubista introdueix normes i desenvoluparà una labor de depuració per suprimir allò accessori i arribar a l'essència.
- El cubisme s'oposa a l'impressionisme, perquè és l'art de la visió directa sobre les coses, espontània, desordenada...
els primers teòrics del cubisme parlaven d'Estructura.
- Característiques fase hermètica: introducció d'elements externs a la pintura, com la sorra. Incorporen el color, n'imiten la textura, etc. El cubisme s'enriqueix i guanya sensibilitat. Introducció del collage.
Cronologia Té una cronologia molt determinada. Tot i que molts artistes han manifestat el cubisme, els protagonistes van ser Picasso i Braque: de 1907 a 1909 es coneix com la “Fase experimental”; en segon lloc, de 1909 a 1911 la “Fase analítica”; la tercera fase, de 1910 a 1912, és la “Fase hermètica”; finalment, de 1912 a 1914 es troba la “Fase sintètica”. A partir de 1914 no es pot parlat pròpiament de cubisme. La Primera Guerra Mundial marca la fi de la relació artística entre Picasso i Braque.
Autors - Pablo Picasso:  A partir del 1914 torna a la pintura figurativa, barrejada amb característiques del cubisme (Bodegó davant el balcó).
- Georges Braque:  Pintor associat fins al 1907 al cubisme. Fou un dels pocs que van poder veure Les Senyoretes d'Avinyó, de Picasso. Al 1914, amb l'inici de la I GM, anirà a la guerra i cessarà temporalment la seva activitat pictòrica. Al 18, quan torna, pinta Guitarra, però ja no es pot considerar cubista.
Intentaremos definir lo que implica el cubismo para luego seguir con la trayectoria de Braque y Picasso. La imagen de la derecha no es una obra cubista, pero nos puede ayudar a entender el significado del cubismo. Es una obra de Derain, hecha en unos momentos en que el autor trabajaba en un registro muy próximo a Cézanne y que nos puede ayudar a concebir el cubismo. El paisaje es un punto de partida para una reelaboración posterior. El artista ha subrayado el carácter geométrico implícito en Cadaqués pero que en realidad no es el propio pueblo. El artista nos da una imagen ideal de Cadaqués. No reproduce como una fotografía el paisaje, aporta algo más, geometriza el paisaje. A caso esta dimensión geométrica estaba latente en el paisaje pero es el artista quien la aporta, humaniza, pone una regla al paisaje y es esta suerte de geometrización como Cézanne.
Vamos ahora a intentar definir el cubismo, por lo menos el punto de partida, lo que buscaba el cubismo.
El cubismo se sitúa entre 1907 i 1914, después ya profetizaremos sobre las diferentes etapas i protagonistas. El cubismo se define como una manifestación, como un arte, que rompe con el ilusionismo. En principio no se presenta a sí mismo como un arte imitativo, rompe con la tradición de la pintura como ventana abierta al exterior, con el concepto de pintura como imitación de las apariencias, con el concepto de pintura que quiere representar miméticamente el entorno.
“Pinto lo que pienso, no lo que veo”. Pablo Picasso.
Hemos dicho que el cubismo rompe con este concepto de pintura como representación, como imitación, y es que el cubismo no es un arte de la estricta visión sino del conocimiento. Como punto de partida lo que pretende es revelar la escritura íntima del objeto, lo que se conoce, lo que se piensa una forma ideal bajo el mundo de las apariencias.
No se trata de la estricta visión sino esta estructura que subyace en las apariencias. Por esta razón, el cubismo renuncia al mundo de las apariencias, renuncia al mundo de la visión, al mundo de la imitación.
¿Por qué esta renuncia, por qué el cubismo se plantea como un arte que renuncia a este mundo de la imitación? La razón más importante es aquella que entiende que la naturaleza por sí misma no es fuente de belleza. Para los cubistas el mundo natural sin intervención humana, sin reglas, sin estructura no es bello. Entienden que la obra de arte es un hecho intelectual alejado de los imperativos naturales y, en consecuencia, el artista ha de transformar la naturaleza en una obra humana. Los cubistas lo que persiguen es negar la parte natural, instintiva a favor de la intelectual. Es una posición completamente opuesta a la del artista romántico para el cual lo importante es el yo, la naturaleza y su relación emotiva con la naturaleza y el paisaje. Pero para el cubista la naturaleza aparece como algo desordenado que hace falta estructurar, introducen reglas. Hay un nexo entre inteligencia y arte.
Profundicemos un poco más en esa noción de belleza cubista. Ya hemos dicho que el cubismo busca una idea de orden. Decir una idea de orden es decir una esencia, algo que escapa a la visión, una realidad interior, una idea universal, una regla, un sentido del orden. Y en la medida que el cubismo busca esta esencia, esa idea, realiza una operación de depuración de lo anecdótico. Se trata de suprimir todo aquello accesorio para acceder a la forma ideal, a este sentido de orden. El cubismo no busca apariencias, si no que busca idealidades, visiones ideales. Se trata de adecuar el mundo de las apariencias a unas reglas previamente conocidas, a una suerte de geometría y estructura. Esta manera de concebir el arte se vincula con la tradición clásica. De alguna manera, podríamos decir que el cubismo es una versión moderna de la tradición clásica. Interesa señalar algunos valores de esta tradición que asume el cubismo: - Estructura: Cézanne también se sitúa en esa tradición y cuando hablábamos de él también decíamos estructura, la búsqueda de una arquitectura, de una idea de orden.
Obediencia a unas leyes compositivas igual que en la tradición clásica.
Ausencia de emoción: ¿Por qué? En este tipo de arte, el placer estético no está en la emoción, como en el caso de los románticos, sino en otro valor, que es el reconocimiento de la estructura. El espectador reconoce la arquitectura, la estructura de una composición igual que en la música clásica.
Hemos situado el cubismo en comparación con el romanticismo. ¿Y el impresionismo? El impresionismo no tiene nada que ver con el cubismo. El cubismo es una construcción y el impresionismo es pura impresión visual. Es más, el impresionismo realizó un esfuerzo para desembarazarse de cualquier visión abstracta, buscaba la mirada virgen y sin ninguna mediación.
Hemos situado conceptualmente el cubismo, por lo menos el punto de partida. Vamos ahora a estudiar obras concretas, vamos a situar a los protagonistas del cubismo. Hacemos una primera impresión y hablaremos de los fundadores. El cubismo es un movimiento que va más allá de los fundadores pero nosotros vamos a estudiar simplemente a estos fundadores y asociaremos el cubismo a la evolución de dos fundadores: Picasso y Braque.
El proceso del cubismo se asocia a diferentes etapas: - 1907- 1909 : Fase experimental 1909-1911: fase analítica.
1910-1912: fase /etapa hermética.
1912-1914: Etapa sintética.
A partir del año 14, estos dos autores evolucionan y realizan itinerarios independientes.
Fase experimental 1907 – 1909 El punto de partida: 1907. Las señoritas de Avignon de Picasso. Esta imagen no es una imagen cubista, hay aspectos que veremos después que hacen pensar en lo que será el cubismo posteriormente pero como primera impresión hace pensar más en el expresionismo: formas puntiagudas, perfiles pronunciados, incursión de violencia que nos dirigen al expresionismo. Además, la imagen no tiene unidad. El centro tiene un tratamiento diferente a los laterales, a los rostros de los laterales.
Picasso, en la parte central, se inspiró en unas esculturas primitivas de origen ibérico que Picasso encontró en el Louvre de París. Sin embargo, vemos como Picasso intenta adaptar su fisionomía a un esquema, a una forma ya hecha en una obra que nos ha puesto que es un autorretrato. Este autorretrato guarda cierta similitud con las figuras centrales de la obra anterior y con las esculturas ibéricas. Sin embargo, parece que cuando estaba ejecutando esta obra, Picasso conoció la escultura negra, tribal, y fue luego que incorporó esa noción de escultura negra en los laterales de la obra las señoritas, que poseen un tratamiento muy diferente en la parte central. Esto para explicar que esta obra es una especie de experimento, no es una obra conclusa. Hay aspectos que pueden hacernos pensar en lo que sería después el cubismo: el aplastamiento, la manera de trocear el espacio, los cuerpos, pero ante todo es una especie de experimento.
Hemos mencionado que Picasso se inspira en el arte primitivo ibérico o bien en la escultura negra. Evidentemente para él es también muy importante la influencia de Cézanne. ¿Por qué se inspira en estos referentes? Lo que busca Picasso es articular un concepto de imagen, una nueva imagen al margen de los esquemas, de los hábitos del renacimiento. De ahí que se inspire en manifestaciones ajenas a la tradición occidental. Busca esa imagen ajena a los criterios del renacimiento, a los esquemas visuales del renacimiento y por esa razón esta imagen se considera tan importante, porque busca captar la realidad al margen del ilusionismo e inicia una reflexión al margen del impresionismo y de los esquemas ajenos a los del renacimiento.
De todas maneras, hay otro aspecto que interesa señalar. Las 5 figuras femeninas de esta imagen, en la que representa un prostíbulo, se exhiben como en una especie de aparador. Esta imagen enlaza con una tradición pictórica, con aquella pintura que elogia al cuerpo femenino, enlaza con una tradición de pastorales. De todas maneras Picasso trata de una manera muy diferente esta tradición, invierte los términos. Por un lado, Picasso se expresa en un lenguaje no tradicional y por otra parte introduce una cierta inquietud, una dimensión negativa porque Picasso transporta la arcadia, la especie de paraíso a un burdel, esto es importante. Picasso introduce una dimensión trágica, un aspecto que pasa desapercibido porque siempre se hace una especial mención a las cuestiones formales.
Hemos dicho que entre 1907 y 1909 se sitúa la fase experimental del cubismo. No podemos hablar con propiedad todavía de cubismo. A partir de esta pieza, Picasso desarrolla una investigación en varias direcciones y vamos a verlo. A Picasso le interesa especialmente el volumen. La imagen de la izquierda de Picasso titulada Tres mujeres define la problemática más grande con la cual se enfrenta Picasso: el volumen. Intenta buscar fórmulas para plasmar el volumen sin recurrir a las estrategias o criterios del renacimiento.
En la pieza titulada Desnudo con ropa, vemos un aspecto importante, el arte negro. En principio, el arte negro desvinculado de la tradición occidental, utiliza otras fórmulas para representar el volumen, geometrización, estrías, aplastamiento, etc. Son aspectos que interesan a Picasso porque hacen referencia al volumen, su gran problemática.
Otra vía de investigación es Cézanne, aunque Picasso radicaliza la lección de éste. En “casita y árboles” observamos cómo, en este caso, la noción de horizonte desaparece y los objetos se geometrizan.
En 1909, Picasso en una pequeña población San Juan de Horta, llega a una especie de síntesis. Veamos cómo trata Picasso en esta pieza titulada La fábrica el volumen, su problemática. Hay un efecto de transparencias que posibilita tratar el volumen de una manera diferente a la tradicional. Observad la apariencia de esta pintura, una especie de fragmentos, de tratamiento por facetas como en el caso de los diamantes que facilita que el ojo se deslice por las formas evitando el volumen, la imagen aparece quebrada en planos que deshacen la noción de profundidad y volumen tradicional.
Hasta ahora, hemos hablado de Picasso y hemos señalado que Braque también formaba parte de la fundación del cubismo. Braque era un artista más o menos vinculado al fauvismo. Trabajaba con colores. Pero según la leyenda, Braque fue uno de los pocos privilegiados en contemplar Las señoritas de Avignon de Picasso, que no se expuso públicamente.
Parece que le impactó mucho y que le hizo cambiar su concepto de pintura. Su obra Desnudo fue realizada inmediatamente después de la visión del cuadro de Picasso.
Podemos hablar de ciertas similitudes entre ambas piezas. Observad el fondo, la especie de ropajes, la cara realizada de manera muy esquemática, que puede hacer pensar en las máscaras negras. Veamos también, cómo la figura está como fragmentada, las partes están como definidas de alguna manera como en el caso de las señoritas. De alguna manera, si seguimos la leyenda, a partir de la visión de esta obra Braque inició un itinerario a la exploración de una imagen articulada al margen de los criterios ilusionistas del renacimiento. Braque desarrolla su experimentación en el paisaje. Si nos hemos de creer la leyenda, Braque realizó ese proceso de una manera independiente a Picasso.
Aunque, Braque puede asemejarse bastante a algunas de las piezas que hemos visto de Picasso, la naturaleza es sometida a una geometrización, trata el volumen, intenta investigar sobre el volumen. Este proceso culmina en una pieza titulada El puerto de Normandía, obra que tiene ciertos puntos en común con La fábrica de Picasso. Este tratamiento en facetas es un aspecto importante que permite trabajar el volumen de otra manera a la tradicional. Observamos también que hay una noción de espacio, hay horizonte pero está como solidificado tal y como ocurría en la fábrica de Picasso, los planos están quebrados y no tienen profundidad.
Fase analítica 1909 – 1911 En 1909, Picasso y Braque, después de realizar sus itinerarios de manera autónoma, comparan sus obras y entienden que les anima un combate, una lucha, una investigación en común y deciden trabajar en común. A partir de aquí ya podemos hablar de cubismo. Deciden investigar sobre el volumen, sobre la representación, sobre los criterios ilusionistas del renacimiento aportando alternativas.
A veces se ha dicho que esta pieza de Picasso, Mujer con bandolina no está concluida pero a nosotros nos resulta especialmente didáctica. El problema es el volumen. ¿Qué diferencia una pintura romántica de una pintura del primer renacimiento? La pintura romántica es una abstracción, en cambio la pintura del renacimiento incorpora una noción de espacio, y por lo tanto, de volumen. El problema que se plantean Picasso y Braque es cómo trasladar un espacio tridimensional a uno bidimensional. Lo que hacen es planchar el volumen, lo descomponen en fragmentos, en planos. Los objetos aparecen abiertos, desplegados, descompuestos en multitud de planos interfiriéndose unos a otros. Esta es la fase analítica, se denominada de esta manera porque analítica viene de análisis, se entiende que someten la forma a un análisis, a una descomposición, esta es la idea.
Wilhelm Uhde, A Vollard, Kahnweiler-> Retratos realizados por Picasso. Los primero teóricos del cubismo señalaron que el cubismo requería un esfuerzo de comprensión por parte del espectador, al cual se le ofrece una realidad descodificada que tiene que codificar intelectualmente, ya que hemos hablado antes que uno de los valores del cubismo es reconocer la estructura y recomponerla. Las piezas que hemos visto pertenecen a la época analista y en todas ellas hemos visto que el volumen se aplasta, que la forma se descompone en planos y acaba por articularse una estructura. La paleta de colores es muy sobria, posiblemente si utilizaran más colorido la delicada estructura se rompería. En algunos casos utilizan una pincelada de puntos para poder controlar la estructura.
Hasta ahora, hemos visto piezas de Picasso. Vamos ahora a analizar y a observar alguna pieza de Braque. Violín y paleta nos resulta especialmente didáctica porque contrapone los dos sistemas: el sistema cubista y el sistema propio del renacimientos. En la parte superior, observamos la noción de espacio, de volumen y, la parte inferior posee un tratamiento cubista. Se contraponen las dos fórmulas.
Fase hermética 1910 – 1912 Braque y Picasso cada vez profundizan más en el cubismo, en su sistema en su particular sistema, hasta el punto en que la referencia al mundo de las apariencias desaparece. El cubismo no es un arte abstracto, la voluntad de Picasso y Braque no era de formular un lenguaje abstracto pero sí de llevar el cubismo hasta sus últimas consecuencias, de experimentar. En la pieza el clarinetista, difícilmente podemos situar la forma del clarinete, incluso la figura del músico.
El cubismo había entrado en otra etapa, la etapa hermética, aunque no fuera su intención real parecía como si el mundo de las apariencias se hubiera eclipsado del cubismo. El cubismo nunca quiso hacer un arte abstracto. Cada vez el cubismo es más complejo. Para clarificar la imagen y alcanzar un alto grado de complejidad, Picasso y Braque utilizan determinadas estrategias entre otras, por ejemplo: - Articulan una especie de armazón, de estructura sobre la cual irán montando su imagen cubista. Posibilitará la lectura de la imagen por compleja que fuera.
Identificar algunos elementos para facilitar la lectura. Como la pipa en este caso que se identifica bien.
Ejemplo, imagen de Picasso Hombre fumando con pipa.
Las letras son un elemento plano, fácilmente identificable que ayudan a sostener la imagen.
Formatos circulares que facilitan la concentración, no hay ninguna vía o punto de evasión.
En ese proceso de incorporar elementos, Braque y Picasso empezarán por incorporar elementos extraños a la pintura como puede ser arena, color (hasta ahora no se había utilizado el color) y el collage. Literalmente, el collage se trata de papeles pegados a la superficie de la pintura o del soporte. La incorporación del collage es muy importante porque modifica el concepto de pintura al incorporar un elemento real, fabricado previamente. El collage no es una representación, es una presentación, es una presencia real. Rompe con el concepto ilusionista, con el concepto de representación. La obra de arte con el collage deviene una creación autónoma, un objeto. Además, el collage abre toda una investigación a propósito de los materiales. A partir de ahora serán muy importantes las texturas, los materiales, la creatividad, frente a los criterios tradicionales. A partir de ahora todo esto será muy importante para el arte contemporáneo.
Vamos a ver algún ejemplo, Bodegón con silla de rejilla de Picasso. Bodegón analítico en el cual se han introducido algunas letras en la parte superior y en la parte inferior se ha pegado un hule que imita la rejilla de una silla. Cuerda a modo de marco también. Este pasa por ser el primer collage que realizó Picasso.
Etapa sintética 1912 – 1914 El collage modifica el concepto de pintura, pero es que el collage también modificará el concepto de cubismo porque a partir de ahora el cubismo no será un análisis o descomposición sino una construcción sintética. Veamos una pieza de Picasso que se titula Guitarra y vaso, más elaborada. La imagen se construye a partir de los fragmentos de papel que acaban por articular una imagen. Hasta ahora Picasso y Braque se habían dedicado a diseccionar y analizar objetos, con el collage toman conciencia que pueden componer imágenes a partir de fragmentos.
Desde un punto de vista formal el cubismo se modifica. Pieza Botella y vaso de Picasso. La composición con el cubismo sintético se simplifica, el espacio se aplana, la superficie posee más relevancia, se facilita la utilización del color. El concepto de cubismo se modifica. Las piezas del cubismo sintético que hemos visto son de Picasso, veamos ahora alguna de Braque. como“ Violín”.
Picasso y Braque trabajan el collage con sensibilidades diferentes. Braque sitúa un papel más o menos en el centro de la composición al que complementa con un dibujo, en esta obra en concreto es el violín. También la manera de utilizar el color de Braque es más restringida, más sobria. En todo caso, la primera guerra mundial separó a los dos artistas. Braque combatió en el frente, en cambio Picasso desde el 14 hasta el 19, hasta el término de la guerra, trabajó en solitario. De alguna manera, es en este periodo que Picasso rompe con la disciplina del cubismo analítico y sintético y acaba por articular una imagen que es un compromiso entre el cubismo, los dos cubismos, y el mundo de las apariencias. Imagen de Picasso titulada A San Rafael.
Braque, en el 18, cuando vuelve del frente, trabaja una obra que ya no se puede calificar de cubista, está relacionada con el cubismo pero se sitúa al margen de aquella reflexión a la búsqueda de la imagen ideal.
Al margen de Picasso y Braque hay otros artistas también cubistas pero estos dos artistas son los pioneros y sirven de ejemplo a los otros artistas más o menos vinculados a esta tendencia.
ANÁLISIS FORMAL DE LA IMAGEN El análisis formal de la imagen es una aproximación fragmentaria, parcial, a la imagen. Si nos ponemos a analizar una imagen tenemos que analizar otros aspectos como los materiales, la época, a quién va dirigido…el análisis formal es insuficiente.
Las imágenes están organizadas, transmiten un significado. Aunque estas son organizadas y configuradas no podemos hablar de gramáticas de la imagen ya que no se pueden comparar con la lengua, pero sí que poseen una lógica, posen una lógica diferente, están organizadas para transmitir un mensaje o discurso. No son un calco de la realidad. Tratamos de analizar la lógica que siguen las imágenes.
Toda imagen está compuesta.
Composición: sentido de la unidad, efecto de totalidad, coordinación de elementos y sentido de coherencia. La imagen está compuesta por diversos elementos (color…), y el artista decide potenciar unos o otros. Relacionado con la composición esta el factor del peso visual.
Peso visual: actividad visual, zona de atracción visual, en función de la forma, el color, el tamaño, la ubicación… el artista elabora las zonas de atracción visual. Las imágenes se ordenan a partir de la coordinación de pesos visuales y de la relación entre ellas.
EJ: Bandera de Japón: contraste entre forma y fondo (entre el fondo blanco y el disco rojo). Forma central es un círculo y el cirulo atrae la mirada, retiene la mirada.
Aislamiento: las imágenes aisladas atraen más la atención de ojo.
Las formas: el ojo responde ante las formas de manera diferente. Por ejemplo el círculo retiene la mirada. La forma más estática es el círculo. En cambio la forma más dinámica es el triangulo, porque, el triangulo tiene un punto de evasión, por donde se escapa la mirada. En el círculo el ojo está obligado a dar vueltas a la imagen y tiene que retirarse de una forma brusca. Las formas están dotadas de una energía. Las flechas dirigen la mirada. El cuadrado tiene cuatro evasiones pero es una forma más estática que el triángulo.
El color: los colores cálidos atraen la mirada, al contrario los colores fríos tienden a repeler el ojo. Cálidos: amarillos, naranjas, rojos… fríos: azul, verde… Ubicación: la respuesta del ojo es diferente a las determinadas ubicaciones de la imagen dentro del formato. El centro es la zona de máxima atracción visual.
El peso visual de la imagen se sitúa en el punto rojo. (Bandera de Japón) Comparamos esta imagen con otra (un cuadro dividido en cuadricula i cada cuadrado está pintado de un color diferente). Esta imagen no tiene peso visual, hay pocas imágenes que no tienen peso visual, imágenes que no tienen continuidad, no ha centro ni peso visual que la organice (no quiere decir que no esté organizada de otro modo) pero cualquier zona tiene la misma importancia que la otra.
Noción de equilibrio y tensión en relación con la composición). Equilibrio: es una condición asica para la concepción, va asociada o una serie de valores, la simetría, lo estático, lo estable. Sin equilibrio no existe imagen, el espectador siempre busca equilibrio y puntos de referencia. Una imagen basada únicamente en el equilibrio no tendría sentido ni interés no habría seducción para el ojo. En toda imagen es necesaria una tensión. Tensión: intensificar el peso visual, introducir dinamismo, la asociamos a lo inesperado, irregular, complejo, inestable. Es lo que proporciona interés y peso visual. Un exceso de tensión destruiría la composición, no sería posible leer la imagen. Los valores de equilibrio y tensión actúan en correspondencia, una están necesaria como la otra, actúan de manera dialéctica.
EJ: La Venus de Milo es más dinámica que un kouros (estatua de un barón joven).
En los cuerpos hay puntos de referencia, ejes de gravedad, centros de gravedad, a partir de los cuales podemos determinar la dinámica. A partir de la relación de la masa con estos ejes resultará definido la tensión y el equilibrio.
Cuando la masa se separa de los ejes se crea tensión, cuanta más separación, mas tensión. Los ejes son: el eje vertical y el eje horizontal. También podemos usar estos ejes para definir la noción de equilibrio en cualquier volumen o forma (no hace falta que sea un cuerpo humano). También se pueden trazar los ejes de gravedad en formas irregulares.
Los formatos (el soporte de la imagen) son también susceptibles a definirse según unos ejes de gravedad. Estos determinan la mirada, organizan las formas.
Formatos: el rectangular, el cuadrado, el circular y el oval. ¿Por qué? El formato es la manera más elemental de organizar la mirada, cada formato opera de una manera diferente según sus ejes de gravedad.
 Formato rectangular: dentro de este formato hay tres ejes. El eje vertical: que es el principal, es el que concentra el peso visual y al mismo tiempo implica estabilidad. Aquellas imágenes que quieren transmitir una estabilidad y poder se sitúan en el centro de manera vertical. El eje horizontal: es más secundario que el vertical, más pasivo. También implica atracción visual y estabilidad. ¿Porque es más secundario? Porque muy posiblemente tenemos una tendencia natural a valorar las formas sobre el eje horizontal, porque tendemos a elevar la vista mas allá de horizonte. Estos ejes visuales responden a nuestra biología y a nuestros hábitos de mirar. Las imágenes que se encuentran por encima del eje horizontal tienen más peso visual. El tercer eje es el diagonal.
Estos ejes organizan la composición, la mirada y las formas. La composición en el formato rectangular se articula a partir de estos ejes.
La composición se puede articular a partir de los tres ejes.
 Se articula a partir del eje vertical: Dibujo de Miguel Ángel (Cristo colgado en la cruz): La forma se somete a la disciplina del eje vertical.
Cartel de Manet (les chats- champfleury): Hay un eje que ancla y organiza las formas, en relación con el eje. Don mundos uno blanco y otro negro que penetran en el campo del otro, hay un eje que organiza la composición, las formas no son gratuitas se organizan en función del eje.
Una columna en medio de los dos personajes: organiza la imagen, une y distancia las figuras.
Simetrías por opuestos en relación al eje vertical: en un lado de la imagen un desnudo, en el otro uno vestido…  Se articula a partir del eje horizontal: Joan Sacs (bodegón): la imagen se organiza a partir del eje horizontal que marca el final de la mesa con el fondo blanco de la pared. El eje atribuye un sentido. Hay formas diagonales de fuga y circulares pero prevalece la horizontalidad del eje.
(No es el que puso en clase pero éste también se basa en la horizontalidad del eje) Gauguin. Horizontalidad por las franjas de colores del fondo.
Capilla Sixtina ...