Pintura galante (2013)

Apunte Español
Universidad Universidad Pompeu Fabra (UPF)
Grado Humanidades - 2º curso
Asignatura Arte siglo XIX
Año del apunte 2013
Páginas 6
Fecha de subida 20/10/2014
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Descripción

Apuntes de arte con imágenes de las obras. Ver continuación de la pintura galante al documento de Goya

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18.04 LA PINTURA GALANTE 1. Conceptos fundamentales de la pintura en Francia del siglo XVIII 1) Salon. Exposición. Se dio en la exposición de pinturas en el salon carrée del Palacio del Louvre, lugar vinculado a las actividades de la corona. En 1737 hay la primera celebración de un salon. Colocación de las obras: saturación visual, los más grandes en la parte de arriba y los pequeños en la zona inferior. Colocación del público: se colocaban cuadros modernos, que no se habían visto, lo más avanzado de la creación: lo salones eran una dinámica de progreso, de avance, y por eso es necesario es público. Antes los cuadros eran encargados solamente por la monarquía o la Iglesia y las obras, su visión, era mucho más restringida. Ahora se abre, se hace público. La gente es de una cierta cultura (bien vestida) y hay hombres y mujeres: el papel de estas en la cultura contemporánea es creciente (discuten entre ellas, conversan). Manera de mirar los cuadros: debatir, analizar; los cuadros no están en función de un objeto político, representativo o religioso, son objeto de admiración.
Cada salón tenía un pequeño catálogo (livret). Generan, por lo tanto, opinión. Para las instituciones la belleza estaba ligada a una norma y en el fondo era la academia, a través de la casa del rey, la que dictaba las normas. Esta vez es el público quien opina, el gusto no es solamente un resultado de la valoración, sino que está ligado a un conocimiento, sociedad, política, etc. Norma (institución) vs Gusto (público). Tiene más que ver con efectos personales. La Academia hizo jerarquías (normas, etc.), el gusto no, es imposible porque es mucho más variable. Apareció por primera vez la crítica (no tratadistas, normativas), la crítica de arte es circunstancial y nace para canalizar opiniones. En época contemporánea el gusto no es uniforme, aunque se crean modelos. Eso también quiere decir que un artista no puede clasificarse en un período. La evolución del arte es más complejo.
Respecto a la crítica, tiene dos características: criterio selectivo, sensibilidad, una preferencia que nos argumenta; conocimiento de la historia del arte, porque sus apoyos son lo que ha visto antes (la historia del arte es un instrumento para la comprensión del arte).
En principio el salon no funciona como un mercado, pero sí que es el germen de los conocidos mercados de arte.
2) Academia. Bondad de marcar la diferencia entre lo intelectual y lo gremial (en el s.
XVII-XVIII la formación del artista es básicamente gremial; por eso es fácil hacer una normativa intelectual, pero ya des del renacimiento hay la necesidad de separar el arte intelectual del artesanal y se daba mucha más importancia al primero: la historia de los artistas individuales ha marcado nuestro juicio crítico). En la época de Luis XIV (s. XVII) la Academia Francesa depende de la Corona (el aparato administrativo): es el primer control de las artes. En el s. XVIII la Academia se convirtió en una estructura administrativa de difusión de las artes, en el medio de formación de las artistas (no de un modo gremial), la formación artística se institucionaliza: el arte se convierte en un arte universal en toda Europa y América (a diferencia de las escuelas).
Que exista una norma no quiere decir que todo el mundo la siga. Hasta medianos del XIX, todos los artistas pasa por esa formación.
3) Pintura galante. Commedia dell’arte, Diderot. Arlequín, Colombina y Pierrot: papeles arquetípicos, lio amoroso (temas frecuentes en la cultura galante, entre otros).
Tensión entre la realidad y la ficción. Lo que caracteriza la pintura galante se inclina son los colores claros (color vs dibujo: la pintura galante se inclina por el color). Los cuadros están destinados a decorar un espacio privado. El arte se concibe como el espacio evasivo, es una pintura placentera, de fantasías.
2. Los tres maestros de la pintura galante La pintura galante recorre toda la pintura del siglo XVIII. Corriente de gusto aristocrático.
Antoine Watteau (Valenciennes, 1684-1721) La partida a cuatro, 1717.
Ambigüedad del título: tema anecdótico, trivial, donde juegan cuatro; también hay un juego de dos parejas, es, a la vez, un juego de seducción. Hay una escultura de Cupido (Eros): nos dice que hay una relación erótica. Relación de naturaleza con las emociones, sentimientos y reflexión interior (a finales del s. XVIII). Son personajes disfrazados, juegan con el amor.
Sensación de lujo.
La fuente es la pintura holandesa.
Peregrinaje a la isla de Citerea, 1717.
Citerea es la isla donde nació Afrodita (isla, por lo tanto, del amor). Tema mitológico, los personajes, no obstante, son reales. En el siglo XVIII era un tema habitual, la mayoría de la gente conocía Citerea y la metáfora que contenía.
Espacio en profundidad. Suele haber un espacio geométrico: en esta caso forma de abanico, semicircular.
Figuras encadenadas para representar el movimiento: proceso de seducción amorosa. Este es el embarque mental. El embarque físico son los demás personajes. Hay un niño que hace referencia a Eros (en la pintura galante el amor es la seducción). Lo que explicita este proceso es la escultura de venus, además hay un elemento fálico en la penumbra.
Incertidumbre: los personajes parecen tener la intención de embarcar, pero no se sabe si van a hacerlo. Tampoco se sabe si van o vuelven (ambigüedad, indolencia de la pintura galante).
Ninfa y sátiro, 1717.
Tema: desnudo femenino como la pasión máxima, ideal de belleza (tema frecuente). Es un desnudo que se ve parcialmente (y así en todas las pinturas galantes). Al ser parcial tiene una dificultad, es más provocador porque se imagina: ocultar para imaginar. Suele estar siempre transfigurado en un contexto mitológico.
Paisaje rural del siglo XVIII en el fondo y el peinado de la ninfa también es coetáneo. La ninfa no se exhibe, sino que interrumpe la visión. Tenemos la misma complejidad que el sátiro para ver la ninfa totalmente desnuda.
Gilles, 1715-21.
Retrato de alguien: rostro personal, ser humano que tiene una dignidad (perspectiva de abajo hacia arriba) y sin embargo va disfrazado. Juego entre la dignificación y el respeto y la risa, la diversión, el disfraz.
La muestra de Gersaint, 1720.
Representa una tienda real de venta de cuadros. El interés radica en la mirada moderna. El tema del cuadro es el propio gusto, se elogia la sensibilidad, casi concebido sin estructura. Nos anuncia una forma de componer muy posterior.
François Boucher (Paris, 1703-1770).
Pinta austeridades para el tocador de los altos cargos. Los moralistas ilustrados (p. ej.
Diderot) vs pintura galante (fría, sensual, erótica).
Hércules y Onfale, 1735.
Reinterpretación de la mitología con un recurso erótico (tema relativamente habitual). Puti (puto en plural) con la hueca de hilar. Interpretación de un amor irresistible. No es de tipo realista. Está configurado para el ver y no ver de la figura femenina.
¿Piensan en la uva?, 1747.
Tema pastoral: en ellos los aristócratas les gustaba jugar a campesinos.
Odalisca morena y Odalisca rubia.
Los desnudos son siempre odaliscas en Boucher. Los desnudos no se exhiben frontalmente, solamente una parte del cuerpo, extrema sofisticación.
Normalmente son amantes del rey Luis XIV.
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