La Historia del Cine (2014)

Apunte Español
Universidad Universidad Autónoma de Barcelona (UAB)
Grado Periodismo - 1º curso
Asignatura Historia General de la Comunicación
Año del apunte 2014
Páginas 14
Fecha de subida 19/10/2014
Descargas 6
Subido por

Vista previa del texto

INTRODUCCIÓN AL CINE El inicio del cine crea el primer monopolio llamado PATHÉ. Este inicio va muy ligado a dos personajes: MELIÉS : -Primer introductor a la ficción y primero en utilizar efectos especiales, descubridor del trucaje de los fotogramas y se dice que inventó el color en las películas. En sus películas destacan la espectacularidad de escenarios y decorados teatrales pintados y dibujados por el mismo.
PORTER: -Considerado el padre de los Western, introduce un lenguaje cinematográfico más elaborado que Meliés.
Géneros del cine: Cine de acción y aventuras, comedia, documental, cine bélico, drama, musical, western, terror, ficción, film histórico, fantástico y de animación.
Fenómenos que hicieron posible la evolución del cine:     Estroboscópia: Efecto óptico que produce el movimiento ilusionista. Lo desarrolla Max Wertheimer.
Fotografía: -Las primeras fotografías fueron conseguidas por el físico Niépce y Daguerre. Gracias a la invención de la fotografía pudo existir posteriormente el cine.
Proyección: Se entiende por proyección la materialización sobre una superficie o pantalla de la imagen real de un objeto. Las proyecciones de imágenes sobre las pantallas da paso al cine.
Exhibición y producción masiva: -Cámara oscura: Fue uno de los dispositivos gracias al cual se descubrió la fotografía. Es un instrumento óptico capaz de obtener la proyección plana de una imagen.
En este proceso intervino el norte americano Thomas Alba Edison, que patenta la banda de celuloide perforada de 35 mm y se aprovechó de esta patente de las cámaras, haciendo pagar a todo aquel que deseara entrar en el mundo del cine. Esto propició la aparición de un mercado negro “owt laws”.
Hacia 1894 diversos inventores estaban dispuestos a desarrollar nuevos aparatos para capturar el movimiento a partir de fotografías, entre los cuales se encontraban el norteamericano Thomas Alva Edison y los hermanos franceses Lumiére. Los hermanos Lumiére fueron los padres del cine, éstos disponían de cámaras de Edison y dieron el gran paso para crear la experiencia cinematográfica: poner las imágenes en movimiento en una pantalla de cine comunitaria. También, inspirándose en un invento de Edison (kinetoscópio) patentaron el cinematógrafo. La presentación de su invento y, por tanto, las primeras imágenes en movimiento fue el 28 de diciembre de 1895 en París. Las primeras proyecciones fueron: “salida de los obreros de la fábrica” (documental en plano secuencia de trabajadores saliendo de la fábrica Lumiére) “el desayuno del bebé” y “batalla con bolas de nieve”. Sus imágenes tuvieron una gran repercusión social. Este éxito hizo que sus actividades fueran plagiadas, pero siempre se repetían los mismos esquemas y por lo tanto se estancó el avance del cine, cosa que desanimó a los hermanos Lumiére que llegaron a pensar que el cine no tendría futuro, ya que aburriría.
En 1927 apareció el cine sonoro (sonido e imágenes en movimiento) Se diferencia del cine mudo ya que incorpora sonido sincronizado. La grabación del sonido se hacía en directo.
Esto hizo que muchas películas tuvieran que grabarse en cámaras insonorizadas. Esto limitó los movimientos de cámara y de los actores.
Posteriormente aparece la televisión, esto hace que el cine tenga que buscar nuevas alternativas para no quedarse atrás. Uno de los nuevos proyectos fue el Cinerama (macro pantalla donde encontramos tres proyectores sobre una pantalla gigante). Este nuevo invento tuvo un coste muy elevado y se abandonó en 1963.
El cine continua su progreso hacia la tridimensionalidad (IMAX 3D) HISTORIA DEL CINE EUROPEO Origen del cine, cine mudo Se puede considerar a la Europa Occidental como la cuna del cine. El cine como espectáculo apareció en Francia. Las principales causas que favorecieron a la invención del cine fueron el descubrimiento de nuevas fuentes de energía mineral y la aplicación de la electricidad para usos industriales. También hubo cambios en la medicina y en la sociedad, se establecieron las ciudades como las que hoy en día conocemos y apareció el conocido público de masas.
Los pioneros del cine fueron los hermanos Lumiére, que inspirándose en un invento de Edison (kinetoscópio) inventaron el cinematógrafo. La presentación de su invento se llevó a cabo el 28 de diciembre de 1985 en Paris. Las primeras imágenes mostradas fueron las de unos trabajadores en la fábrica y la de un tren entrando en la estación, el cual parecía que se abalanzaba sobre los espectadores (estos reaccionaron a tal efecto con pavor, incluso algunos huyeron). Los inicios del cine no fueron espectaculares, durante un tiempo fue considerado una atracción menor.
No fue hasta que George Meliés, un ilusionista francés que representó obras de ficción y mágicas, (éste fue el primero en utilizar los efectos especiales) que empezaron a llevarse a cabo pequeños estudios de cine a nivel europeo y estadounidense.
Al principio las películas eran producciones más o menos baratas, duraban pocos minutos y trataban de temas poco complejos. Ni el vestuario ni los decorados eran como los de hoy en día. Además la técnica de la época no había resuelto los problemas del sonido, con lo cual las películas iban acompañadas de música externa –solía ser un piano y un narradorEn estos inicios surgieron casi todos los géneros cinematográficos, exceptuando por supuesto (el cine musical o la comedia musical que no surgiría hasta la aparición del cine sonoro). También en esta época hubo los primeros juicios debido a los derechos de autor, ya que al tratarse de los inicios aún la legislación en este ámbito no estaba clara.
Un dato a tener en cuenta es cómo la historia define a los hermanos Lumiére como los padres del cine, pero ha obviado a los conocidos como “padres olvidados del cine” a los hermanos Max y Emil Skladanowsky, que inventaron el “Bioskop”. Max Skladanowski se autoproclamó “el inventor de las imágenes en movimiento proyectadas en una pantalla”. Su proyección fue por primera vez en Alemania. El problema es que la técnica de los hermanos Lumiére estaba más perfeccionada y avanzada, motivo por el cual su bioskop quedó en el olvido.
Cine mudo Una vez el cine ya había adquirido cierta importancia entró en la primera etapa conocida como cine mudo, debido a la ausencia de sonido. Es cierto que aunque se le conoce como cine mudo, en los teatros donde se proyectaba solía ir acompañado de una pequeña orquesta o un músico o pianista –además de un narrador que iba comentando de manera que la población extranjera o analfabeta pudiera entender la historia proyectada-. Las productoras encargaban músicas y partituras originales y exclusivas para acompañar a sus proyecciones de más prestigio. De manera que, al cine solo le faltaba poder hablar.
En Europa el cine siguió un camino basado en el monopolio de la celulosa. Surgieron muchas empresas cinematográficas, con Francia como pionera y estas empresas –y Francia- dominaron la industria del cine hasta que llegó la Gran Guerra, con la cual el cine europeo se vio muy afectado y propició coger importancia en los EUA. Hasta 1914, las productoras que dominaron el mercado cinematográfico internacional fueron “La Gaumont”, “La Pathé” o “La Itala Films”.
El cine cómico francés –con grandes escenografías y participación de extras en películas como “Quo Vadis” en 1912 o “Cabiria” 1914 fueron escuela donde aprendieron Charles Chaplin y el cine cómico americano.
Tras la I Guerra Mundial, el cine sufrió una notable decadencia debido a las pérdidas económicas. A partir de estos hechos, Europa perdió la preponderancia internacional de su cine. Los EUA, por su parte, ya habían adquirido una importancia e influencia a nivel internacional.
En los primeros años del cine la técnica de contar una historia con imágenes tuvo un gran cambio. Las primeras personas que hicieron cine lo tomaban como teatro filmado, de manera que las películas estaban grabadas en escenarios con fondos bastante pobres y telones pintados –todo esto recogido con una cámara estática-.
A medida que pasa el tiempo, los directores fueron aprendiendo técnicas nuevas revolucionarias como el movimiento de cámara (travelling) o hacer distintos ángulos. Además se empezaron a utilizar escenarios de tres dimensiones.
Cine sonoro El cine sonoro llega por primera vez de la mano de Warner, supuso un éxito absoluto y a partir de este momento pusieron sonido a todas las películas.
“El cantante de Jazz” llegó a Europa el 27 de septiembre de 1928. Desde su llegada, la mayoría de la industria del cine asumió que el cambió de producción con sonido era inevitable (aunque algunos continuaron con el cine mudo).
La primera película sonora europea fue la producción alemana “Beso tu mano, Madame”, esta se estrenó el 16 de enero de 1929 y fue la primera película con musicalidad y voces grabadas. Fue una película sin diálogos –solo se puede escuchar durante unos minutos a Richar Tauber cantando-.
Durante el 1929 la mayoría de los principales países europeos comenzaron a unirse a Hollywood en el sentido de convertirse al mundo del sonido. Muchas películas de habla europea que crearon moda se rodaron en el extranjero. La primera película dramática hablada europea que tuvo éxito fue la británica “Blackmail” de Alfred Hitchcock, que debutó en Londres el 21 de junio de 1929.
Años 20 A partir de los años 20 en Europa se proyectan diferentes movimientos artísticos que influyen de una forma muy determinante en el cine. En casi todos los países, directores jóvenes y con grandes ideas teóricas y creativas ofrecen un gran conjunto de películas que dejarán huella en generaciones posteriores. Los directores franceses, por su parte, además de sus películas asumen un compromiso teórico fundamental impulsando los Cine-Clubs (Asociaciones Cinematográficas que surgen como reacción a la mediocridad de la mayoría de producciones).
Los años 20 estuvieron dominados por el futurismo y el surrealismo, en este último hay que destacar a Luis Buñuel, Salvador Dalí y Germaine Dulac. El cine alemán disponía de recursos importantes y abordaban películas de diversa consideración.
También el cine que surgió de la revolución rusa dio paso a numerosas e importantes aportaciones teóricas que se concretaron en los trabajos de Dziga Vertov.
Años 30 y 40 Tras la implantación del sonido en todo el mundo, las industrias empezaron a proveer al mercado de películas interesantes para el público. No obstante, el clima político que se vivía en muchos países a lo largo de los años 30 y la Segunda Guerra Mundial afectó irremediablemente a la forma de hacer cine y a los temas a tratar.
La guerra limitó mucho los espacios, más allá de abordar temas realistas, se centraba en adaptaciones literarias. El cine inglés, por su parte, diseñó una estructura proteccionista para su cine, dada la implantación del cine de los EUA en su mercado y su industria. El gran impulsor del cine de los años 30 fue Alexander Korda, director y productor. La década de los 30 confirma que los británicos son unos maestros del documental.
Los años 40 estuvieron dominados por la producción de John Arthur Rank con películas de prestigio como “Enrique V” en 1945, dirigida y protagonizada por Sir Laurence Olivier, uno de los mejores actores británicos, y el que mejor se adaptó a las obras de Shakespeare. Además, en los años 40, los Estudios Ealing desarrollaron una gran producción en el campo de la comedia social con gran ironía.
Surge el neorrealismo en un deseo de superar viejos traumas y conseguir así algunas de las más brillantes historias del cine en la inmediata postguerra. Italia se ve sometida en la producción de cine con un marcado aire propagandístico; el la postguerra llega un neorrealismo que trata temas sencillos. El cine soviético llega a su mejor momento con “Iván el Terrible” 1945, aunque la presión política obliga a realizar películas que engrandezcan la figura de Stalin.
Años 50 y 60 El cine europeo pasa por una situación de necesario proteccionismo por parte de los gobiernos de cada país, con el fin de poder establecer unos márgenes que les permitan desarrollarse en el mercado ante la enorme presencia del mercado estadounidense. Esta es una década de transición, en la que los directores más jóvenes desean hacer frente al cine clásico y convencional, reclamando a lo largo de toda esta década tanto libertad de acción y creación como ayudas para financiar sus proyectos. Dan paso a movimientos de proyección cultural y política que fueron conocidos como “nouvelle vague” en Francia, “Free cinema” Reino Unido y el “Nuevo cine Alemán”. De esta época destacamos el cine británico, el cual mantiene vivas las líneas creativas de los 40, más arropadas por la ayuda del gobierno. La comedia de los Estudios Ealing y las adaptaciones Shakesperianas de Laurence Olivier convivieron con producciones bélicas y numerosas adaptaciones teatrales que habían tenido éxito en el West End londinense. En estos años las películas de David Lean evolucionaban entre la sencillez de “El déspota” en el 53, “Puente sobre el Rio Kwait” en el 57 o “Laurence de Arabia” en el 62. Además la productora Hammer vivió su mejor momento con películas de ciencia ficción, especialmente con historias de terror. Surgió “La maldición de Frankestein” en el 57 y “Drácula” en el 58, dirigidas por Terence Fisher cogieron un notable éxito internacional. Del cine nórdico destacamos que a partir de estos años pasó a la historia del cine Ingmar Bergman, director sueco que sorprendió al mundo con películas cargadas de emoción, sentimiento, tragedia y humanidad.
Cine contemporáneo A partir de los años 70 el cine europeo evoluciona a partir de proyectos individuales de diferentes directores. El público europeo continúa accediendo a las salas con la finalidad de poder ver el cine estadounidense. El interés por el cine propio destaca de manera especial en Francia, gracias al sistema de financiación que tienen. El resto de cinematografías buscan sobrevivir en el corto espacio que les queda, con las ayudas de las administraciones nacionales y los fondos europeos que intentan dinamizar un mercado lánguido e intentan mitigar las deficiencias existentes. La hegemonía del cine se encuentra en los EUA, aunque no hay que dejar de lado el cine europeo, que continúa produciendo películas –aunque no de forma tan masiva como antes-. El cine italiano sigue en mano de directores clásicos como Luchino Visconti, Federico Fellini y Pier Paolo Pasolini. El cine alemán es testigo de directores como Werner Herzog “La Cólera de Dios” en el 73, relato excepcional sobre la época de las conquistas. El cine británico se apoya en los trabajos del veterano Stanley Kubrick “La naranja mecánica” en el 71, “El resplandor” en el 80, “Carros de fuego” en el 81, dirigida por Per Hugh Hudson entre otras. También surge un cine de realismo social que llega al éxito comercial de todos los tiempos “Full Monty” en el 97, de Peter Cattaneo.
Cine occidental El cine llega a los EUA en 1891 con el norteamericano Thomas Alva Edison, inspirándose en las series fotográficas que reproducían el movimiento de los caballos de galope de Eadweard Muybridge, con la ayuda de Laurie Dickson. Este primer proyecto se llamó kinetoscopio. Pero el verdadero propulsor del cine americano fue Edwin S. Porter en 1903, utilizando una innovadora técnica de montaje en su película “Asalto y Robo en el tren” –pasa a considerarse el primer western, que consistía en grabar diferentes momentos y lugares para contar una historia completa. Esta obra se convertirá en una de las más importantes de la historia. En los EUA, las primeras películas se visualizaban en los descansos de shows de vodevil, pero después del lanzamiento de esta obra se abrieron alrededor de todo el país pequeñas salas llamadas nickelodeones.
En 1915, de la mano de David Wark Griffith se introdujo en el cine americano el primer plano, panorámicas, flashback y otros montajes paralelos que hacían las películas más expresivas y menos dramáticas, provocando así el nacimiento del lenguaje cinematográfico que hoy en día conocemos. Griffith se convirtió en el pionero más importante del cine mudo americano. La primera película muda de 1915 se trataba de una película racista donde los esclavos afroamericanos se representaban como a villanos locos y salvajes. En esta época, juntamente con la aparición del plano surgieron también las primeras estrellas de cine como Theda Bara o Rodolfo Valentino.
Nacimiento de Hollywood Al inicio el centro de los orígenes del cine americano se encontraba en Nueva York, pero poco a poco se fue desplazando hasta Hollywood. Allí aparecieron los primeros estudios cinematográficos como: Paramount, Metro Goldwyn Mayer, 20th Century Fox, Warner Bross, Universal, entre otros. La producción de cine se convirtió en un importante sector económico que iba más allá de las fronteras americanas. Además el nacimiento del Hollywood fue acompañado de los grandes tipos de géneros que todavía perduran. D.W. Griffith filmó la primera película en Hollywood, un melodrama.
En 1912, Mack Senett introdujo un nuevo género de comédia basada en persecuciones o situaciones cómicas. Otros cineastas representantes de este género, conocido como “Lapstick” fueron: Buster Keaton, Harold Lloyd y Stan Laurel.
En estos inicios no había libertad creativa ya que el “Código Hays” establecido por la Motion Picture Producers and Distribuitors of América prohibía el nombramiento del mal, del pecado, del crimen, desnudo, alcohol, insultos o sexualidad.
El cine sonoro Aparece en 1927 con la alternación de los subtítulos con diálogos y canciones por parte de Alan Crosland, con “El Canto de Jazz”. Surgen nuevos géneros como el musical, con muchas películas de baile, sobre todo de Busby Berkeley, y las películas de gángsters que trataban de dos temas muy actuales como la Gran depresión y la Ley seca. La comedia pasó a llamarse Screwball (era más rápida y de un humor irrelevante). También surgieron películas de crítica social, con temas como la guerra “Sin novedad en el frente”. En 1930 el cine de terror fue muy importante, con películas como “Drácula” “Frankestein” o “King Kong”. Más tarde el famoso Mickey Mouse saltó a la fama con “El botero Willy” la primera película de animación con sonido.
Durante los dos años siguientes se hizo entrega de los primeros Premios Oscar de la historia. La mejor película fue “Alas” de William A. Wellman Años 40 y 50 Vemos un punto de inflexión en el cine americano en 1941, cuando Welles renunció a la narración cronológica y utilizó la profundidad de campo y la perspectiva juntamente con los efectos sonoros. En 1940 el cine era llamado “cine negro”, ya que plasmaba una visión pesimista del mundo. En estos años encontramos películas muy memorables, de terror, como “El doctor Frankestein” hasta las películas de Walt Disney, como “Blancanieves y los siete enanitos”. Este cine negro del que hablábamos lo vemos representado en la mítica “Casablanca” de Curtiz en 1942.
En los años 50 llegó la televisión. La industria del cine perdió espectadores, y para evitarlo ha utilizado nuevas técnicas, como el efecto 3D o las pantallas más grandes.
Las producciones eran más caras.
El melodrama llegó a su máximo esplendor y las películas musicales mantuvieronb su popularidad, con películas como “Un americano en París” en 1951. El western entró en su periodo clásico con películas como “Solo ante el peligro” de Fred Zinnemann en 1952. Como estrellas cinematográficas de esta época tenemos a Grace Kelly, Paul Newman, Marilyn Monroe o Elizabeth Taylor. También Alfred Hitchcock que hizo películas de gran calidad como “La ventana indiscreta” en los años 50.
Años 60 y 70 En 1960 la crisis de la televisión culminó en el mundo del cine y no todos los productores podían invertir en sus películas de forma costosa, por lo tanto, la mayoría de las películas eran más baratas y se llamaban de serie B. Algunos de los cineastas de estas películas eran Samuel Fuller o Don Siegel.
Tuvieron que pasar años para dar estabilidad a la industria cinematográfica, con nuevos y famosos directores, -entre ellos Stanley Kubrick o Jerry Lewis, con películas como “Una odisea del espacio” 1968.
Al final de la década de los 60 surgió un nuevo movimiento a favor de la libertad de creación sin tener en cuenta el éxito comercial que esta podía tener. De este nuevo movimiento surgieron cineastas como Donnis Hoper con “Buscando mi destino” en 1969. Después de esta etapa, en 1970 el cine occidental superó su crisis y la industria del cine trabaja de cara al beneficio económico. También películas de más éxito como “La guerra de las Galaxias” que duró de 1977 a 1999, o la serie de Rocky de 1976-1990.
El cine occidental en la actualidad En los últimos años, muchos de los directores más importantes han desarrollado los géneros de películas más clásicos y tradicionales “Indiana Jones” 1981, “ET el Extraterrestre” 1982 o “Parque Jurásico” 1993. La película “Titanic” de James Cameron fue premiada con 11 premios Oscar en 1998. Una figura importante del cine norteamericano durante esta última etapa fue Quentin Tarantino, un director que se ganó al público por medio de su peculiar humor negro y su forma de tratar la violencia y la realidad. “Pulp Fiction” 1994.
CINE ORIENTAL El cine oriental es un tipo de cine que contiene un gran realismo, muchas veces convertido en fantasía. La concepción de este cine surge de un punto de vista enmarcado por sensaciones y pasiones en un marco espiritual. Cada país tiene un estilo cinematográfico, una forma única de explicar las historias en la gran pantalla.
Los orientales tienen un sistema de valores que quedan perfectamente plasmados en su manera de filmar. Los directores de las películas valoran más la belleza estética. Actualmente muchas de las mejores películas provienen de los países asiáticos, ya que estos innovan constantemente.
Características de este cine: Planos generales de larga duración, historias llenas de emotividad, poca acción, escenas de violencia Japón: El cine japonés producía una gran cantidad de películas pero la gran mayoría eran solo de interés local. Las primeras fueron filmadas en el año 1898. La industria se sostenía por el mercado interno y fue alrededor de los años 30 cuando empezó a exportar su producción al resto de Oriente. Se hacían entre 700 y 800 películas al año y eran copias baratas de amor al estilo francés o de violencia al estilo americano.
Poco después de Pearl Harbor, el gobierno exigió films sobre la guerra, la liberación de Asia y el odio a los anglosajones. En 1945, cuando se acabó la 2ª Guerra Mundial, solo se hicieron 38 películas, actualmente, las 500 que se filman al año encuentran mercado en Japón y Oriente Medio. Los autores más importantes de este cine son Kurosawa, Kenzi Mizogushi, Masaki Kobayashi. La producción japonesa es polifacética y aparte de los films artísticos inspirados en la historia tienen un gran dominio de los films de fantasía con películas como “Godzilla” India: El núcleo de la industria del cine indio lo constituyen Bollywood y las producciones en diferentes lenguas. Esta industria tiene un gran número de producciones anuales. Bollywood es una pieza fundamental de la cultura popular de la India. El nombre surge en los años 70 de Bombay y Hollywood. Las características más representativas de estas películas son sus escenas musicales. Es una de las pocas industrias de cine que no sufren la competencia americana (solo Titanic, 1997) tuvo un gran éxito en la India. Desde los años 1920, Bombay es la primera capital cinematográfica del mundo. Las realizaciones pueden durar hasta 5 horas con numerosas escenas, en las cuales se alterna la comedia y la tragedia, el melodrama y el vodevil. Es un cine de desmedida y las producciones se parecen a un tipo de fiesta religiosa celebrada en familia. En general, cada película contiene cantos y danzas típicas del país. Estas escenas aparecen siempre dobladas. Primero graban las escenas y luego doblan todos los diálogos. Esto es así porque es un país donde se hablan 16 idiomas y eso facilita la traducción. Las canciones de las películas de Bollywood están producidas a menudo por conocidos artistas. Este cine está dirigido a la clase popular porque muestra también una realidad más dinámica. En la India se hablan un total de 200 lenguas y eso ha impedido la penetración en el mercado de otras cinematografías, ya que no sale a cuenta hacer tantos doblajes. El cine extranjero no tiene éxito en la India pero el indio tampoco cuando sale al exterior.
En 1955 el cine hindú fue considerado en occidente con películas del famoso director Satyajit Ray.
China: China empezó a grabar películas hace 100 años con la filmación: La Batalla de Dingjunshan. La industria cinematográfica china se estableció en Xangai en 1916 pero con la influencia de otros productores extranjeros durante las dos décadas siguientes. En este periodo se crearon algunas de las productoras más importantes de China: Tianyi, Mingxing i Lianhua. En la década de los 20 la industria cinematográfica ya está consolidada con más de 200 empresas. A partir de los años 30 se empieza a considerar la Edad de Oro, el cine asiático se ve influenciada por ideas del partido comunista con obras como “los gusanos de seda de primavera”. Se trataba de difundir temas fundamentales como el matrimonio de conveniencia y el pacto entre familias. No ver el cine como entretenimiento sino como expresión y crítica social al periodo imperial. Después de la invasión de Japón a Xangai muchos de los productores se marcharon de la ciudad y acabaron con la primera época dorada del cine chino. El cine de esta época es principalmente: films musicales, de detectives, de terror y de artes marciales. En 1945 surgieron nuevas productoras como: Xinhua o Kunlun, dando lugar a la segunda edad de oro del cine chino. Desde 1973 a 1976 solo se produjeron 76 largometrajes y casi todos eran propagandísticos.
Fue un periodo en que se prohibieron las revistas cinematográficas, se clausuró la filmoteca de cine chino y se deshizo la academia de cine de Beijing. La llamada “generación urbana del cine de china, presente desde 1990 hasta hoy, es la corriente de cine clandestina surgida a partir de la censura impuesta. La mayoría de las películas fue financiada por productores extranjeros. El cine chino actual está en auge, gracias a las grandes producciones actuales. Grandes películas chinas como “El Tigre y el Dragón”.
CINE DOCUMENTAL El documental forma parte del conjunto de géneros cinematográficos y televisivos realizado sobre imágenes captadas de la realidad. Además es un cine que tiene funciones muy didácticas y que ha pasado por todas las etapas de la historia del cine.
Erik Barnow, historiador de la radio y la televisión, añade que el documental puede ser cualquier trabajo, sin importar su naturaleza y sus características como noticias, películas educativas, de divulgación, historias de viajes o programas de televisión.
Con el paso del tiempo han ido evolucionando las capacidades tecnológicas, la producción, las exhibiciones, el mercado y las exigencias del público. El documental en ningún momento pierde el interés por crear una imagen de la realidad, sino que también contiene una buena relación entre la ficción y la no ficción. Lo que caracteriza principalmente al documental es la organización y la estructura de sus imágenes y sonidos según el punto de vista del autor, que determina el tipo de documental. Siempre ha habido dificultades a la hora de realizar un buen documental, principalmente por la precariedad de los medios y las adversas condiciones de rodaje con que nos encontramos a menudo. También se debe tener en cuenta también la secuencia cronológica de los materiales, el trato de la figura del narrador, la naturaleza de los materiales ya que dan lugar a una variedad de formatos tan amplia en la actualidad que van desde el documental puro hasta documentales de creación, pasando por modelos de reportaje muy variados, llegando al docudrama (formato en el cual los personajes reales se interpretan a si mismos) Los padres del documental Dziga Vértov Artista y experimentador. Mucho antes de trabajar en el cine trabajó el sonido y la radio, experimentando con collages sonoros en la busca de un montaje no necesariamente objetivo ni realista. Su película más célebre “El hombre de la cámara” recoge su idea de recoger “la vida de improviso”. La película, rodada en diferentes ciudades, recrea un día en la vida de un cámara que recorre la ciudad en busca de imágenes. Es la primera película en desvelar el proceso de creación de la propia película, poniendo de relieve, que tal y como defendía Vértov, la objetividad no existe, al menos en el cine.
Robert Flaherty Considerado el padre del cine documental. Su primera película “Nanuk el esquimak” 1922, tuvo que rodarla dos veces, después de perder todo el material en un incendio en su laboratorio. Este accidente le abrió los ojos y decidió no limitarse a registrar la realidad, para pasar a intervenir en ella más activamente y creando a partir de materiales reales una narración compleja. Sus posteriores películas continuaron esta forma de trabajar y de concebir el cine documental, más como una visión personal del autor que como un retrato objetivo de la realidad.
Tipos de documental:      Centrado en un acontecimiento: El suceso es la espina dorsal de la película. El acontecimiento tiene fases, y en su transcurso pueden aparecer entrevistas, trozos oportunos del pasado o incluso fragmentos del futuro.
Definitorio de un proceso: Presenta hechos en cadena que componen un proceso interesante. Cada hecho es complemento de otro, se trata de reducir a lo esencial cada uno de ellos, dando como resultado la ironía y la comparación entre los diferentes fragmentos.
De viaje: El aliciente del viaje, con todos sus matices metafóricos y sus ritmos incorporados de movimiento se aplican al documental.
Ciudad amurallada: Es la que utiliza un microcosmos para insinuar una crítica a mayor escala.
Histórico: Teniendo en cuenta que todo film reproduce todo aquello que ya pasó, todas las películas son históricas. El cine es un medio para resucitar el pasado. El documental histórico no tiene como finalidad principal transmitir a la audiencia todo el abasto de un asunto: su objetivo puede ser un personaje o un asunto         determinado. De esta familia de documentales sale otro grupo característico principalmente de la etapa contemporánea, y son los siguientes: El documental del absurdo: Utiliza el humor surrealista para explorar una triste situación Película de tesis: Se vale de testimonios para argumentar los casos.
La comedia exocéntrica: Retrata personajes y situaciones absurdas.
Película biográfica: Narra la vida de un personaje Documental negro: Une a través de su estilo fatalista y oscuro el mundo y sus participantes Documental cronista: Se enfoca en un punto de vista objetivo Documental abogado: Muestra el drama de lo cotidiano Documental explorador: Imágenes en movimiento constituyen la base de la vida EL DOCUMENTAL EN LA ACTUALIDAD Las múltiples opciones que ofrecen las nuevas tecnologías para producir este tipo de obras han hecho que el género del cortometraje haya experimentado un enorme crecimiento en los últimos años. A través de plataformas como YouTube, MSN, Yaho… los internautas pueden colgar sus videos documentales y disfrutar de las obras de otros usuarios. El visionado de documentales en internet a menudo está sujeto a derechos de autor, de manera que no son de acceso libre. En España, los internautas tienen la opción de visionar los documentales de forma gratuita.
HISTORIA DEL CINE EN CATALUÑA Las primeras exhibiciones cinematográficas llegaron a Cataluña a mediados de los años 1800, pero hasta el año 1896 no llegaron a Barcelona las obras de los hermanos Lumiére.
Ese mismo año dos fotógrafos catalanes crearon la casa de fotografía Napoleón donde se empezaron a proyectar las obras de los hermanos franceses. A partir de aquí llegaron a Cataluña otras maquinarias relacionadas con el cine; las linternas mágicas. También se crean las primeras salas de proyección en la capital catalana donde se estrenaban películas procedentes sobre todo de Francia, Italia y Estados Unidos Primeros impulsores del cine catalán Uno de los primeros impulsores del cine en catalán fue Fructuós Gelabert, un fotógrafo y más tarde el cineasta que registraba sus obras con una cámara construida por él mismo. El fue quien creó la primera película de ficción de la historia del cine catalán y español.
La primera película con argumento fue “Baralla en un café”. Además Gelabert abrió un cine en Las Ramblas, creó la empresa Diorama y más tarde la empresa Films Barcelona donde se adaptaba obras teatrales: “Terra Baixa” 1907, “Maria Rosa” 1908. Estos fueron los inicios de la cinematografía catalana.
Al final del Siglo XIX y debido al gran desarrollo tecnológico que se produjo en toda Europa, llegó a Cataluña el cinematógrafo que daba vida a las imágenes incluso a las estáticas.
Finales de la década de 1920, el cine catalán fue el pionero en el Estado español y vivió una época dorada. Durante estos años se añadieron nombres de gran importancia para el cine que se hacía en Cataluña:  Segundo de Chamón: Aragonés que vino a vivir a Barcelona y fue pionero de los films fantásticos y de animación, retocando películas extranjeras y haciendo servir nuevas técnicas como la maquetación o las animaciones. Recreó obras e hizo nuevas.
 Baltasar Abadal: Productor y distribuidor de películas en toda Cataluña  Albert Marro: Especialista en films documentales  Ricard de Baños: Cineasta y creador de la productora Hispano Films Desarrollo del cine catalán hasta la llegada de la Guerra Civil El gran desarrollo de la industria catalana se llevó a cabo gracias al establecimiento de la Segunda República y la restauración de la Generalitat.
Barcelona fue el centro de la industria del cine de la península. La gama de géneros que ofrecía el cine catalán creció notablemente: cintas cómicas, seriales, melodramas… Todas ellas con finalidades lucrativas. Además por aquella época también se caracterizó por la llegada del sonido. El cine sonoro y los primeros estudios de rodaje comenzaron en Barcelona. En el 1931 se creó Orphea Films, la tercera productora más importante del estado y la primera que permitía hacer cine sonoro. Produjo “El Café de la Marina” de Domènec Pruna en 1933, considerada primera película en catalán.
Poco a poco se fueron extendiendo las salas de cine por todo el territorio catalán. La industria del cine había crecido tanto que se creó incluso el Sindicato de Cineastas de Cataluña, para defender los derechos de los trabajadores de este sector.
El Gobierno de Cataluña contribuyó en el crecimiento de la industria del cine, las instituciones catalanas velaban por su desarrollo y las iniciativas privadas forjaron un horizonte optimista para la aparición de un cine autóctono alejado del español, llamado cine El cine catalán con el estallido de la Guerra Civil En 1936 estalló la Guerra Civil y rompió los años de esplendor del cine catalán, aunque no lo hizo desaparecer.
Gracias al Comisariado de propaganda, durante esta época proliferan los documentales y los noticiarios con el objetivo de subir la moral del pueblo y alertar a las potencias extranjeras sobre el drama que se vivía en el estado español. Este también creó la productora de cine Laya Films, dirigida por Joan Castanyer.
El cine catalán durante la dictadura franquista Las características principales del cine de postguerra son la censura, las restricciones y el proteccionismo. El régimen evitaba todas las filmaciones relacionadas con la moral, política y religión. Todos los films tanto españoles como extranjeros eran revisadas por diferentes instituciones antes de decidir si se podían difundir o no.
Además, todas las películas producidas en el territorio español tenían que ser en castellano y el doblaje de las producciones extranjeras era obligatorio.
En el ámbito catalán, el cine apuesta por películas comercial por tal de sacar beneficios económicos. Destacan cineastas como Pere Pujades o Manuel Blay. También prolifera el cine negro cercano al que se hacía en EEUU: Manos sucias o Sangre Fría. En Cataluña los productores tenían que enfrentarse con las trabas del Gobierno de Madrid i los permisos de rodaje i adjudicaciones de recursos.
Durante estos años la cinematografía catalana y española cuenta con dos nombres importantes: Ignacio F. Iquino: productor, guionistas y realizador independiente al mando de la productora IFI. Produjo muchísimos largometrajes, cortos y se atrevió a rodar la primera película en catalán después de la República: El judas (1952), pero no dejaron estrenarla.
También estuvo detrás del primer film en catalán que si dejaron estrenar la adaptación hecha por Armando Moreno de la pieza teatral Maria Rosa (1965).
Antonio Isasi-Isasmendi: montador, guionista y director, importante por títulos como Estambul 65 (1965).
En los años 60 se creó la Escuela de Barcelona con el objetivo de hacer cine “culto”, buscando la modernidad y las nuevas formas de expresión y alejándose del folklore madrileño. Estaba influenciada por la free cinema, la Nouvell Vague o el Dogma 95 (movimientos que intentaron modernizar la industria vigente) y tenía un tono antifranquista que se aprobaba en el vanguardismo. Uno de sus films más emblemáticos fue Nocturno 29 o Fata Morgana. Querían introducir sus películas en el circuito comercial, pero el esfuerzo acabó en fracaso, ya que las películas de l’Escola de Barcelona la gran mayoría de público no las entendía.
El cine de la transición Desde que finalizó la Guerra Civil y con la victoria del Franquismo, la producción del cine catalán quedó totalmente paralizada hasta los inicios de los años 60. Más adelante, con la instauración de la democracia y gracias a una serie de acontecimientos jurídicos y políticos y la reanudación del Estatut de Autonomia de Cataluña de 1979, la producción del cine catalán se restauró. A partir de entonces el cine catalán empezó a luchar por expresarse en una lengua propia, el catalán.
Se crearon muchos films para reencontrarse con la historia del país: La ciudad quemada (Antoni Ribas, 1976) “La plaça del diamant” Francesc Betriu, 1981.
Más adelante vendrán documentales como “La Nova Cançó” Francesc Bellmunt, 1976.
También destacan: “La vieja memoria” de Jaime Camino, 1978.
No obstante, no todo el cine catalán era de manifiesto político, también se produjeron películas que trataban temas sexuales, sociales, de seguridad, comedias y thrillers. “La Orgia” (Francesc Bellmunt) “El Vicari d’Olot” Ventura Pons, 1981.
Cine contemporáneo Con “Mones com la Becky”, que se estrenó en el Festival de Sitges de 1999 y que fue creada por iniciativa de la Universidad Pompeu Fabra, la concepción de aquello que se llamaba cine catalán cambió. Este largometraje fue el punto de partida de nuevas formas de experimentación que la ficción había bloqueado. Esta obra creó una nueva tendencia del cine catalán que se alejaba de los valores industriales para llevar a cabo cine de calidad.
La renovación del cine catalán fue acompañada de un deseo de insertar el cine dentro de los parámetros de la modernidad. La buena acogida de la propuesta documental ha hecho que se creen nuevas propuestas. Paralelamente al cine documental se ha consolidado el cine de autor, ficciones; algunas de ellas han sido llevada al Festival de Cannes, destacan: “Pau y su hermano” Marc Recha, 2001, “Las horas del día” Jaime Rosales 2004. A parte del documental y el cine de autor, el cine de terror hecho en Cataluña también ha tenido mucho éxito, en parte gracias a que la ciudad de Sitges ha sido uno de los mejores festivales de cine fantástico. Alguno de los filmes más destacados han sido “El Orfanato” de Juan Antonio Bayona, 2007. Además de los géneros nombrados, también se ha producido una renovación del cine industrial con la producción de películas como Salvador (Manuel Huerga, 2006) La proyección internacional que ha conseguido el cine catalán estos últimos años ha sido un gran fenómeno que no se había producido nunca en Cataluña. Actualmente el cine catalán ha sido elogiado por la crítica especializada de alrededor del mundo. A partir de entonces las películas ya no tenían que ser exclusivamente en castellano sino que el catalán volvía a ser la lengua predominante en muchos de los filmes producidos en el territorio catalán , ...