Capítulo 4 (2014)

Apunte Español
Universidad Universidad Autónoma de Barcelona (UAB)
Grado Periodismo - 1º curso
Asignatura Llenguatges Comunicatius Escrits i Audiovisuals
Año del apunte 2014
Páginas 3
Fecha de subida 19/10/2014
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Tema 4. Fragmentación del espacio escénico Hoy día todos admitimos como natural el recorte del cuerpo humano en la pantalla, sin embargo, la aceptación de este recorte fue un largo proceso en el que, progresivamente, el lenguaje cinematográfico alcanzó su pleno desarrollo.
En los comienzos del cine el punto de vista de la cámara abarcaba un campo único, encuadrado en plano general y las escenas se desarrollaban íntegramente en ese espacio invariable.
El plano general no permite apreciar los detalles ni la expresión de los rostros de los personajes.
La fragmentación de los sujetos mediante el acercamiento de la cámara o del zoom implica, además, el aumento de tamaño de la imagen seleccionada y su aislamiento respecto a los demás elementos de la escena.
Los espectadores actuales no somos conscientes del extremo carácter artificial de los primeros planos. En los inicios del cine no se podía entender el corte de la figura ni su magnificación.
La integración del primer plano ha sido tan perfecta que los espectadores actuales lo percibimos con total naturalidad.
El revolucionario primer plano En los primeros años del cine, en Inglaterra surgieron una serie de cineastas conocidos como la Escuela de Brighton, que se adelantaron a sus contemporáneos en la utilización de primeros planos.
George Albert Smith recurrió al intercalado de primeros planos en medio de la escena, para ampliar detalles que se le escapaban al espectador. Siendo consciente de la falta de naturalidad que supondría presentar a los personajes cortados por el encuadre y ampliados enormemente de tamaño, empezó a utilizar recursos o trucos que lo justificasen.
Personajes que observan a través de un telescopio, una lupa o incluso a través de una cerradura, son algunos de los recursos utilizados. Aunque en contadas ocasiones se incluyó el plano detalle de forma directa en medio de la acción.
Fue el estadounidense Edwin S. Porter quien, copiando las imágenes de Smith, utilizó el primer plano puro, sin artilugios ni recursos.
Fue Griffith quien primero se preocupó de resaltar la expresión de los personajes en sucesivos acercamientos a la cámara.
El desconcierto que provocaba el primer plano hizo que Griffith intentase otras soluciones alternativas. Los responsables de los estudios le decían que parecía que los personajes nadasen o flotasen sin piernas. Por eso utilizó recursos como enmascaramiento de pantalla.
La escena planificada El realizador es quien ve la obra por nosotros y decide la fijación de la atención y lo que debe resaltar.
Una misma obra realizada por personas diferentes tendrá resultados diversos en pantalla, y en todos los casos, el espectador de televisión asistirá o no a la obra sino a la visión que de la obra presenta el realizador.
La realización en directo suele ser multicámara, es decir, utilizando varias cámaras a la vez, y seleccionando lo que se ha de emitir. Se realiza, de éste modo, un montaje en directo que permite combinar diferentes vistas del suceso captado a tiempo real.
La selección del campo implica la decisión del lugar de emplazamiento de la cámara, el ángulo de toma (picado, normal o contrapicado), y el plano que enmarca.
La previsión de los planos que se emitirán es la planificación. Esta planificación es necesaria tanto si las tomas han de ser grabadas como si ha de efectuarse una retransmisión en directo.
Un plano debe permanecer en pantalla el tiempo necesario para que el espectador pueda relacionar sus elementos significativos.
Un plano general ha de durar más en pantalla que un plano de detalle de la misma acción, puesto que el plano general contiene más elementos de información y requiere más tiempo para apreciarlos.
Pero la duración del plano viene condicionada también por otros factores. También debe considerarse la complejidad de la imagen encuadrada, su movimiento o acción, el diálogo, el movimiento de la cámara o el zoom.
Los movimientos de la cámara, o incluso el zoom hacen que el plano deba mantenerse durante todo el tiempo que precisa su realización.
En cuanto al valor expresivo del plano, los planos generales describen el ambiente e informan de la situación de los personajes y de sus desplazamientos, los planos medios centran la atención sobre la acción y los primeros planos exploran la expresión del personaje.
Para observar a una persona que habla a otra desde un lugar elevado se suele usar un ángulo contrapicado (de abajo a arriba), y para adoptar su punto de vista al observar a otro personaje, se utiliza el ángulo picado (de arriba abajo).
El ángulo es también portador de significados expresivos. El ángulo contrapicado magnifica al personaje mientras que el ángulo picado lo reduce.
El paso de la visión en plano general a la fragmentación del espacio en diferentes planos de encuadre fue el paso decisivo en la construcción del actual lenguaje del cine.
Composición: Es la organización de todos los elementos visuales dentro del encuadre, dicho de otra forma, es la decisión respecto a cómo estructuro todos los elementos que están en cuadro, de manera que permita al espectador percibir una estructura clara y comprensiva del lenguaje que le estamos transmitiendo.
La composición está muy vinculada al tipo de producto audiovisual que utilicemos.
Se puede hablar de tres formas básicas de controlar la composición: Por diseño: Tanto la publicidad como gran parte del cine monta su composición en función del diseño.
Por disposición (distribución): Como distribuyo los elementos en la composición.
No modifica la realidad pero juega con los elementos que ya tiene través de la distribución, por tanto tiene la posibilidad de más o menos en la organización de los elementos en cuadro.
a intervenir introducidos Por selección: El informador selecciona, decide donde se ubicará para hacer la toma de las imágenes que sean más relevantes, por tanto, decide su posición estratégicamente en función de lo que quiere mostrar.
Principios estéticos de la composición: Unidad y variedad.
-Unidad: necesidad de equilibrio (estático). La necesidad de manejar todos los elementos estéticos de forma que todos den una sensación de uniformidad.
Idea, conjunto, unidad. No obstante, el problema de la unidad en el mundo audiovisual es que cuando el producto es excesivamente homogéneo, sin variabilidad corre el peligro de generar una sensación de monotonía.
-Variedad: necesidad de equilibrio (dinámico).
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