3. Expresionismo alemán (2016)

Apunte Español
Universidad Universidad de Barcelona (UB)
Grado Historia del Arte - 2º curso
Asignatura History of art of the avant-garde (1905 - 1960)
Año del apunte 2016
Páginas 38
Fecha de subida 03/04/2016 (Actualizado: 04/04/2016)
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Profesor Joan Molet i Petit

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Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) Expresionismo alemán 1 3. EXPRESIONISMO ALEMÁN (1905 – 1914) CONTEXTO Se puede comparar con el Romanticismo porque fue, igual que éste, un movimiento cultural completo (pintura, escultura, música, etc.) Se define por los sentimientos y no por las formas, ya que éstas cambian de unas a otras.
Es la idea de expresar una reacción negativa de la sociedad en un momento muy puntual de la sociedad alemana, antes de la guerra.
Diez años antes de la Primera Guerra Mundial, nos encontramos con una sociedad en que: por un lado hay un gran movimiento trabajador potente, momento en que la industria ha hecho cambiar a la economía muy rápido; pero a la vez, está el káiser, quien quería controlar todos los movimientos. Por tanto era un movimiento de lucha, crisis.
Los artistas en este momento redescubrieron y apreciaron los movimientos previos como el Romanticismo y el Gótico.
En 1910 hubo una gran influencia llamada La esencia del estilo gótico escrita por Wilhelm Worringer – historiador y crítico del Arte alemán del siglo XIX –.
Es uno de los estudios alemanes más importantes. En él se habla sobre que el Gótico era el verdadero estilo del norte de Europa, de Alemania, ya que es un estilo espiritual que trata con la expresión, con un sentido más religioso y espiritual de la vida, lo místico define al norte.
Por tanto, el norte es gótico y el sur clásico.
Tenía un interés del Gótico en arquitectura, pero también en pintura, como la de antiguos maestros como Matthias Grünewald – pintor renacentista alemán del siglo XV –.
Kirchner le admiraba porque, según él, no pintaba la realidad sino que la cambiaba para crear una obra más expresiva que nos hiciese sentir más seguros, piadosos… Un ejemplo es la obra de El Retablo de Isenheim, en que las manos son muy grandes y están abiertas, expresando todo el sufrimiento; mientras que los otros elementos son más reales.
Si comparamos las figuras de: un Jesús renacentista – con un cuerpo idealizado – con éste, podemos ver cómo aquí los elementos son más expresivos e impresionantes para nosotros.
Otro ejemplo es Las tentaciones de San Antonio, con monstruos, espacios intercambiados.
Obras como estas sorprenden mucho a Kirchner porque tienen el poder de distorsionar nuestros sentidos para alcanzar nuestra esencia.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) Expresionismo alemán 2 GRÜNEWALD, Matthias. La crucifixión.
1512 – 1516.
Renacimiento, pintura al temple y óleo sobre tabla, 269 x 307 cm.
Retablo de Isenheim. Museo de Unterlinden, Colmar, Francia.
GRÜNEWALD, Matthias. Las En el mismo momento, en 1906, hubo una tentaciones de San Antonio.
1512 – 1516.
importante exposición: Un siglo de pintura alemana, que Renacimiento, pintura al abarcaba cien años: del 1775 al 1875.
temple y óleo sobre tabla, 265 x 141 cm.
Uno de los momentos más importantes fue el Retablo de Isenheim. Museo Romanticismo con artistas como Friedrich con paisajes de Unterlinden, Colmar, muy espirituales que son el reflejo del mundo de Dios, del Francia.
poder de la naturaleza, de insignificancia de la humanidad comparada con la naturaleza.
También la idea de introspección: mirar dentro de nosotros y no mirar fuera.
Otra influencia fue la pintura simbolista como El grito de Munch.
Munch era uno de los artistas más conocidos y apreciados, y expuso en Alemania en estos años, concretamente en 1892 y después en 1904.
Munch en sus obras, como El grito, muestra miedo, horror… representado con formas y colores, con distorsión de las líneas.
El Simbolismo trata con los problemas y preguntas de la humanidad: amor, odio, muerte, etc., que están lejos de la realidad.
MUNCH, Edvard. El grito. 1893.
Expresionismo, óleo, temple y pastel sobre cartón, 91 x 74 cm.
Galería Nacional de Oslo, Oslo, Noruega.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 3 Expresionismo alemán La última influencia es el estilo Jugendstil – es el estilo del Modernismo en español; y Art Nouveau en francés y en Europa –, en que las formas son utilizadas de forma idealizada y no realísticamente.
Un ejemplo es El grito, en que se ve el contraste entre el rojo y negro, que será muy utilizado por algunos artistas expresionistas cuando trabajen con grabados.
No usan colores, sino el contraste entre negativo (negro) y positivo (blanco), creando las formas y objetos.
Es la idea de simplificar, de distorsionar las líneas. Será muy importante.
El grabado será muy importante en el Jugendstil para revistas, y también para los expresionistas, con técnicas especiales.
Por tanto, por un lado está la parte social y política, y por otra la artística.
GRUPOS ALEMANES EXPRESIONISTAS El Expresionismo se estudia en dos grupos de pintores: el Die Brücke y el Der Blaue Reiter.
El Die Brücke comienza en Dresde y llega hasta Berlín, y se concentra entre los años 1905 y 1914.
El Der Blaue Reiter se centra en Múnich entre 1911 y 1914.
En Austria, Viena había sido el centro cultural de los países de habla alemana, y están los maestros expresionistas Oskar Kokoschka – pintor expresionista y poeta del siglo XIX – y Egon Schiele – pintor y grabador expresionista austríaco del siglo XIX –, pero no pertenecen a los grupos, sino que van por su cuenta.
Viena deja de ser la capital artística para darle paso a Berlín, por la decadencia de Viena.
DIE BRÜCKE Contexto Die Brücke significa El puente.
Comienza en 1905 en Dresde, lugar que había sido un importante centro cultural alemán. Pero entre 1910 y 1911 el grupo se traslada a Berlín.
Este traslado no es de todos los miembros a la vez, sino que algunos, individualmente, fueron cambiando.
Los miembros fueron: E. L. Kirchner, E. Heckel, K. Schmidt-Rottluf, F. Bleyl.
Estos fueron los primeros miembros del grupo que comenzaron a trabajar juntos en 1905.
En 1906 E. Nolde se integró en el grupo durante solo un año porque no estaba en la misma línea que el resto.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 4 Expresionismo alemán Y en 1911, en Berlín, entran en el grupo M. Pechstein y O. Müller.
Hubo influencias específicas en este grupo, por literatura y filosofía.
En literatura influyen dos escritores alemanes: Frank Wedekind y Karl Krauss, de los cuales las influencias más importantes que podemos encontrar en las pinturas vienen de los escritos Karl Krauss.
Wedekind, en sus escritos, habla de ansiedad, miedo, pobreza, muerte… por tanto, sobre gente que tiene que luchar en la vida; mientras que Krauss habla de sexualidad de manera muy directa y pura, sin adornos. Habla en términos del tiempo, rompiendo tabús.
En filosofía, F. Nietzsche es muy importante, conforma una gran influencia.
Lo que les gusta de él es su actitud vital. Habla de luchar, cambiar las cosas, no conformarse con la situación… y ellos querían hacer eso.
En su libro Así habló Zarathustra dice que los humanos se sienten solos, indefensos, con miedo… porque no creen en Dios, quien ha muerto a causa de la industria y la ciencia. Pero añade que no hay que tener miedo, sino que hay que luchar, superar la situación y construir un nuevo mundo. Pero para ello se necesita un nuevo tipo de persona: superhombres que luchen, que no se rindan.
El nombre Die Brücke proviene de una declaración de Nietzsche. Habla de construir un puente entre las generaciones asustadas, desesperadas; y la nueva generación que luchará y cambiará las cosas.
Los artistas serán este puente, quienes harán posible esta conexión.
Esto se relaciona con la crisis del siglo, con la idea de estar perdido, y con la decisión de acabar con esa situación.
Si los fovistas estaban comprometidos con la luz y el color y no con la sociedad; el Expresionismo en general tiene un fuerte lazo con la sociedad. Son más fuertes y vanguardistas que los anteriores.
Querían conectar con los jóvenes porque son los que cambiarán las cosas, y eso es lo que plasman en su programa de 1906, escrito por Kirchner: Con fe en el progreso y en una nueva generación de creadores y espectadores que llamamos juntos todos los jóvenes. Como jóvenes nos llevamos el futuro y queremos crear para nosotros mismos la libertad para vivir y para el movimiento en contra de las fuerzas de edad avanzada establecidas desde hace tiempo.
Todos los que reproducen aquello que le conduce a la creación con carácter directo y la autenticidad nos pertenecen.
Las claves del texto son: la juventud, porque es con quienes quieren conectar porque son los que cambiarán la situación; la libertad, porque con libertad pueden enfrentarse a la tradición, romper con el pasado; y la autenticidad, porque buscan a gente auténtica, directa, sin prejuicios, naturales, con la mente abierta.
Otro texto es el de Odas profanas de 1906, el cual va en la misma dirección que el anterior.
En éste, expresan su desprecio por la burguesía intolerante, de forma más directa. Tiene la idea de luchar contras los prejuicios artísticos de la burguesía que está estancada en el pasado.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 5 Expresionismo alemán Estos prejuicios rechazan la pintura como imitación de la naturaleza.
Cuando hablan de la tradición, de la vieja pintura, hablan del Impresionismo.
Dicen que la pintura no tiene que imitar ni a la naturaleza ni a la realidad, sino su propia realidad, la de cada uno. Para copiar la realidad ya está la fotografía.
Hay una conexión muy directa con el Romanticismo porque tienen como ejemplo al grupo de Los Nazarenos: grupo de jóvenes artistas que van a Roma y trabajan dentro de un viejo monasterio. Quieren trabajar como los artesanos medievales con el mismo estilo en el grupo.
El Die Brücke hace lo mismo: fijaron su residencia en una carnicería en el distrito de trabajadores de Dresde.
Viven y trabajan juntos, y siguen el mismo estilo (idea de comunidad). Además les gustaba hablar de los mismos temas.
Conforman una gran idea de comunidad y de grupo.
Las obras de este periodo no están firmadas y son difíciles de identificar porque son muy parecidas.
Además de pintar, estaban interesados en otras técnicas: dibujo, talla de madera, xilografía, y litografía.
Para ellos el grabado en general era muy importante porque era un medio de llegar a una mayor audiencia, puesto que los grabados no son tan caros como las pinturas al óleo. Y si querían conectar con la sociedad, el arte tenía que ser más barato y alcanzable para toda la sociedad.
Están muy interesados en la xilografía porque es una técnica tradicional que tiene muchas ventajas para ellos.
Influencias artísticas Edvard Munch, de quien pudieron ver pinturas en Alemania desde 1892.
Además, lo podían estudiar en el segundo volumen del libro Arte y Artistas de 1904, muy poco después de su muerte.
Era muy popular.
Vincent van Gogh, de quien expusieron en Dresde en 1905 tras su muerte, en la Galerie Arnold, donde los artistas del Die Brücke exponían para vender sus obras.
Arte africano, del centro de África. Las tallas, máscaras y demás piezas de este arte eran conocidas en Europa, especialmente en Dresde, gracias a que en 1903 abrió sus puertas el Museo Etnológico de la ciudad.
De hecho, es una consecuencia de algo no positivo: el colonialismo. En estos momentos los países europeos invaden África de norte a sur, y algo positivo de esto es la llegada de arte africano.
Con Oceanía es el mismo proceso.
*** Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 6 Expresionismo alemán Entre 1910 y 1911 se trasladan gradualmente a Berlín porque se estaba convirtiendo en el centro del arte alemán, era una ciudad muy importante en cuanto a la vida cultural tradicional y vanguardista.
Elementos Galería y revista Der Sturm, fue una muy importante galería de arte que va del 1910 al 1933.
Exhibió Futurismo, Cubismo, las Vanguardias…, por lo que la gente podía ver todos los movimientos, no solo Expresionismo.
En la revista hablan de todas las nuevas tendencias.
Der Neue Club, fundado por un grupo de escritores no tradicionales y estudiantes.
Hay textos contemporáneos de autores como K. Hiller, E. Lasker-Schüler, o F. Wedekind (los tres literarios), los cuales eran leídos y acompañados de música de H. Walden, o A.
Schönberg, tendencias modernas musicales.
De los textos, era importante, no solo lo que decían, sino también cómo sonaban las palabras. Buscaban una belleza específica mezclada con el sonido de la música; por lo tanto, había dos niveles: el sensorial y el intelectual.
La música crea un nuevo sentimiento por lo que se llamaba Cabaret Neopatético (Neopathesisches Cabaret): a partir de la música, de su texto y de cómo suenan sus palabras, se quiere crear un pathos, una expresión del sentimiento, la emoción.
La palabra patético, por tanto, no es concebida de forma negativa, tal y como sí lo es hoy día.
*** En Berlín, en este momento, hay diferentes grupos de artistas como La Secesión (Die Secession) – grupo típico de artistas modernos de países de habla alemana –, el cual era el más moderno, pero se separó y creó otro: La Nueva Secesión (Die Neue Secession), pasando a ser el más moderno de los modernos, el más progresivo.
Los miembros del Die Brücke eran miembros de este grupo.
En 1911, cuando el Die Brücke llega a Berlín, siguen manteniéndose como grupo pero a su vez se incluyen en la Die Neue Secession, y a partir de esto fundan el MUIM Institute, la nueva academia de arte. Es una escuela de arte privada donde los profesores enseñaban a los jóvenes los nuevos caminos del arte. Pero fracasó.
Todas las actividades del Die Brücke acabaron en 1914 con la separación del grupo debido a que, tras trabajar mucho tiempo y seguir el mismo estilo, cada uno quería seguir su propio estilo y era difícil estando juntos.
Pero el detonante que llevó a la separación fue el proyecto de escribir las memorias del grupo llamado: Crónica del Die Brücke, que hablaba de su historia y de sus actividades.
Fue escrito por Kirchner e ilustrado por el resto de miembros, los cuales no estaban de acuerdo con lo que éste había escrito.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 7 Expresionismo alemán Muchos de los miembros murieron con la guerra.
Ernst-Ludwig Kirchner Nació en Alemania el 6 de mayo de 1880, y murió en Suiza el 15 de junio de 1938.
Fue considerado el artista más importante del grupo (Die Brücke).
Su padre era profesor de dibujo y desde una edad temprana él tuvo claro que quería ser artista, siguiendo el trabajo de su padre, pero éste sabía que la vida del artista es difícil por lo que le dijo que podía serlo pero estudiando arquitectura paralelamente.
Entre 1901 y 1903 estudió arquitectura en el Instituto de Ciencias y Tecnología de Dresde, pero en 1903 quiso irse a Múnich, el otro centro cultural de Alemania, donde entró en la Escuela Privada de Arte de Obrist, uno de los más importantes del estilo Jugendstil o Art Nouveau.
Obrist era muy crítico con el Impresionismo y dijo que el arte tiene que dar una expresión más profunda y la intensificación de la esencia, en lugar de una impresión precipitada, tal y como hacía el Impresionismo.
De aquí parte la relación entre el Jugendstil y el Expresionismo, sobre todo en la expresividad y la estilización, pero el Expresionismo llega a la deformación negativa.
En Múnich pudo visitar exposiciones de la Secesión de Múnich (Munich Secession), y de otro grupo llamado La Falange (Die Phalanx): fundado por Kandinsky.
En estas exposiciones lo más importante era traer a los artistas post-impresionistas franceses a Múnich: Cézanne, Gauguin...
Además, en la ciudad hay muchos museos importantes, y uno de ellos la Pinacoteca, en que hay una gran colección de grabados de Albrecht Dürer, quien fue una gran influencia para Kirchner.
Tuvo que aprender la técnica del grabado de su padre con 15 años, por lo que le fue fácil.
Tras esta parada en Múnich, vuelve a Dresde y finaliza arquitectura pero nunca trabaja de ello.
Pero es en el instituto de arquitectura donde conoce a otros de los futuros miembros como E. Heckel, K. Schmidt-Rottluf, o F.Bleyl.
Obras en Dresde: Bote de río cerca de Dresde Es uno de los más importantes de sus inicios.
Es un paisaje en el río.
Es muy importante el área negra y cómo contrasta con el resto de colores de la obra; es un color plano, influencia de los grabados en cuanto a lo negativo y positivo; Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 8 Expresionismo alemán Y a su vez, el resto de colores tienen influencia del Post-impresionismo por el uso de los colores arbitrarios, por lo que es difícil identificar el agua ya que es naranja.
Las casas son la parte más colorida y decorada de la obra. Trata de hacer algo nuevo.
Las líneas curvas también son influencia del Jugendstil.
KIRCHNER, Ernst Ludwig. Bote de río cerca de Dresde. 1906.
Óleo sobre tela, 62.9 x 88.3 cm.
Museo de Arte de la Universidad de Indiana, Indiana, Estados Unidos de América.
Dodo Es una obra típica expresionista.
Representa la sexualidad.
Dodo es el sobrenombre de la modelo Doris Grosse.
En uno de los textos más importantes de Karl Krauss, El Mundo, escrito en 1910, habla de la sexualidad animal sin prejuicios, reivindica la libre sexualidad.
Además, relaciona la idea de la sexualidad con la figura de la mujer, por ello, en estas pinturas de contenido sexual, normalmente las protagonistas son las mujeres.
Pero también quería expresar las ideas de los cambios en la época.
Freud en su análisis descubre la sexualidad de la mujer, y fue el primero en descubrir la sexualidad femenina, hasta entonces la mujer solo tenía “sexualidad” para tener hijos.
Los simbolistas pensaban que la sexualidad femenina era algo negativo, que la usaban para seducir a los hombres, etc. Por tanto, cambian la imagen de la mujer pasando de ser una persona que no tiene sexualidad, a una persona que es únicamente sexual. Pensadores como Nietzsche o Schopenhauer decían que las mujeres son tan solo pura sexualidad.
Es una reacción machista (machista por parte de los hombres que tenían miedo a perder el control sobre la mujer) típica de la época.
En la obra, por tanto, no hay belleza, no hay seducción erótica, solo es la sexualidad tal cual.
KIRCHNER, Ernst Ludwig. Dodo.
1909.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 9 Expresionismo alemán La expresión de la cara no es seductora. La forma en que está sentada muestra que no tiene espacio, la pierna está casi fuera del lienzo igual que la cabeza.
El fondo es agresivo, por lo que no es sexualidad como placer, sino como conexión con la ansiedad del mundo, de la sociedad llena de prejuicios. Como un animal en una jaula.
El espacio en el Expresionismo es muy pequeño, estrecho. La posición no es cómoda.
Esta es la idea y atmosfera típica.
Chica con gato La chica se llama Fränzi, y esta vez es más una chica, una niña, que una mujer.
Su hermana era Marcela, la cual sale pintada en otras obras del artista.
Es lo que llamamos una Lolita: una joven inocente sin prejuicios que no sabe las normas de la sociedad y sigue su sexualidad de forma muy natural, inocente.
El gato es un símbolo de la libertad sexual y está muy relacionado con las mujeres.
Es el gato que disfruta de la sexualidad sin prejuicios, con libertad.
Los colores son agresivos, salvajes, (influencia del Fovismo), con contraste… Dan la sensación de incomodidad, ansiedad, sensación de caída.
El color de ella y el amarillo se pueden relacionar con las esculturas de talla africana.
Además, la cara es muy similar a las máscaras africanas, con ojos almendrados.
Proporciona la idea de primitivismo, ya que en las culturas primitivas la sexualidad es algo libre.
KIRCHNER, Ernst Ludwig. Chica con gato.
1910.
Óleo sobre tela, 89 x 116 cm.
Las alfombras son herencia de Oceanía.
Hombre y mujer Lo primero que llama la atención es que esta talla está hecha por dos artistas, tal y como fomenta el Die Brücke de trabajar juntos.
La imagen está concebida por E. Heckel, y la talla por Kirchner, por tanto, de nuevo, es la idea de trabajar juntos, muy común en el momento.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 10 Para Kirchner esta talla era muy fácil, solo necesitaba una gubia y un tablero de madera.
Expresionismo alemán KIRCHNER, Ernst Ludwig; HECKEL, Erich. Hombre y mujer. 1910.
Grabado a fibra, 16,8 x 11 cm.
Museum of Modern Art, Nueva York, Estados Unidos de América.
Tenía la idea de trabajo artesanal, puesto que quería volver a la pureza del arte que puede ser reproducido, hacerlo todo ellos.
En la imagen hay una grotesca vista de una relación sexual en que el hombre está asustado, puesto que parece que ella vaya a devorarlo.
Es la época en que los hombres descubren que las mujeres pueden ser muy activas.
Ella tiene cara como de gato salvaje.
La técnica es muy simple, son líneas simples, con líneas rotas que construyen el espacio con tan solo el blanco y el negro. Es la idea de positivo y negativo en contraste, para traer de nuevo a la idea de primitivismo que contrasta con la sociedad de la época.
El salón de baile La imagen es más complicada que la anterior.
Está hecha solo por Kirchner: la dibuja y la graba.
Logra imágenes complicadas con una técnica muy simple. Crea un espacio arquitectónico con dos niveles a partir de un blanco y negro más complejo e intenso, consiguiendo que parezca que el balcón se acerca a nosotros, por lo que no tiene perspectiva, es el color el que lo avanza y acerca a nosotros.
Los diferentes tonos marcan el espacio.
KIRCHNER, Ernst Ludwig. El salón de baile. 1911.
Grabado.
Las figuras son muy simples: líneas o manchas de negro.
Verano Vemos a la primera mujer en primer plano, muy cerca de nosotros.
Las características del primitivismo se ven muy claras: el elemento decorativo es un elemento identificado del arte milanés.
Se sobreentiende que es una hamaca pero no queda claro.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 11 Expresionismo alemán En Dresde, en 1903 abren el Museo Etnológico, por lo que tienen muchos ejemplos y elementos de culturas primitivas.
Pero aunque hay elementos primitivos, el tema en sí es moderno: un baño en verano, una idea moderna en la época, ya que a finales del siglo XIX y principios del siglo XX la gente quería mantenerse blanca, estar moreno era sinónimo de la gente que trabajaba bajo el sol, pero poco a poco con las teorías de la salud, la playa…, la mentalidad comienza a cambiar.
Con esta obra, con este tema vuelve a introducir la idea de sexualidad.
Se ve clara la contraposición de la primera mujer con el elemento fálico. La obra que tiene a su derecha – la mujer que se presenta en primer plano – parece una máscara.
Además, dibuja el pecho femenino redondo, como idea de sexualidad conectando con la sociedad moderna.
La represión sexual es de la cultura oeste, no de esta cultura más moderna, conectada con la naturaleza.
El grabado era la posibilidad de hacer más trabajos, más copias. Con un grabado podemos tener más copias iguales y ganar más dinero; pero a ellos no les gusta la idea de hacer copias de las obras con máquina, por lo que el grabado es la técnica más adecuada. Con la madera, al ir haciendo copias se va desgastando el producto por lo que no todas las copias son exactamente iguales.
Si vas en la misma dirección que la madera es decir, a fibra, las fibras de la madera no son tan fuertes como si lo haces a contrafibra, con la cual se pueden tener más copias.
KIRCHNER, Ernst Ludwig. Verano.
1911.
Grabado.
La copia exacta es una idea vulgar, y quieren mantener la idea de que todo sea único.
Desnuda delante de un espejo Esta obra también es de la época de Dresde.
Nuevamente muestra la sexualidad de una mujer, pero de una forma más formal.
Está tumbada en la cama, con los zapatos rojos – elemento erótico –, un cigarro – elemento sofisticado –, para hacerlo más erótico y sofisticado.
Las líneas son más redondas, y recuerdan un poco a las líneas curvas del Art Nouveau.
Las líneas negras en el marco del espejo dan estructura y orden a la imagen y entre ellas hay granes áreas de color: naranja, amarillo, verde…; no son colores puros, son mezclados.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 12 Expresionismo alemán A pesar de la composición estructural, el espacio no es común, está distorsionado: la cama está completamente inclinada; el espejo es confuso porque con la distorsión, la imagen del espejo es difícil que encaje con la imagen de la cama en la cual se refleja: en el espejo la chica está más de lado, mientras que en la cama está más bien tumbada.
Es una obra diferente del autor, la cual recuerda a obras anteriores como las diferentes tipologías de Venus de autores como Velázquez o Tizano; o la Olimpia de Manet.
KIRCHNER, Ernst Ludwig. Desnuda delante de un espejo. 1910.
VECELLIO, Tiziano. Venus de Urbino. 1538.
Manierismo, óleo sobre lienzo, 165 x 119 cm.
Galería Uffizi, Florencia, Italia.
VELÁZQUEZ, Diego. Venus en el espejo. 1647 – 1651.
Barroco, óleo sobre lienzo, 122 x 177 cm.
National Gallery, Londres, Reino Unido.
MANET, Édouard. Olimpia. 1863.
Impresionismo, óleo sobre lienzo, 90 x 130,5 cm.
Museo de Orsay, París, Francia.
Obras en Berlín: Bailarinas en el palacio de hielo En el otoño de 1911 llega a Berlín, donde cambia sus formas, pero mantiene la importancia de la sexualidad, aunque ahora desde el punto de vista de una gran ciudad.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) Expresionismo alemán El palacio de hielo se creó en el 1908, años en que se inventó la nevera.
13 Es un espacio muy grande con muchos usos diferentes: patinar sobre hielo, hockey, al anochecer un cabaret sobre hielo. De esto último parte la obra, que representa a las bailarinas haciendo el espectáculo.
Palacio de hielo. 1908.
Siempre está la idea de Berlín, Alemania.
lugares llenos de gente, donde no hay lugar ni aire, y es la idea que expone tanto en el lado de las bailarinas como de los espectadores.
Es una impresión de la ciudad: mucha gente, no tienes tu propio espacio; pero también es una idea de la sociedad: mente cerrada, no eres libre, tienes que seguir las reglas, una sociedad militar.
Las mujeres y los hombres se diferencian por los colores, con la ventaja de que los hombres siempre van de negro, por lo que pone a las mujeres de blanco y crea un contraste.
Hay una tensión sexual entre ellos y ellas.
Ellos las miran, son los objetos de placer; y ellas bailan de forma erótica, que podría recordar a una danza ritual, muy energética.
Se produce un contraste entre movimiento y estar parado.
Entre los hombres hay una única mujer.
KIRCHNER, Ernst Ludwig. Bailarinas en el palacio de hielo. 1912.
Grabado.
Desnudo, espejo, y hombre En Berlín, está la calle llena de gente, pero también hay imágenes muy perturbadoras como ésta.
Usa la forma vertical como influencia del Gótico, que ayuda a desfigurar la figura y a acortar el espacio.
Hay dos personas con poco espacio, no tienen el suficiente para cada uno, lo que da la idea de no espacio, de ansiedad.
La mujer está desnuda y el hombre vestido.
El espacio de ella está distorsionado: el suelo está vertical, no es estable, da la idea de que flotan.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 14 Expresionismo alemán Como elementos vemos un espejo, que recuerda al Gótico; y uno muy extraño que es la cabeza, que es como una máscara masculina que podría ser para la peluca pero es una cabeza de hombre por lo que resulta extraño.
Ella se mira en el espejo, un espacio muy pequeño.
El lugar del hombre no tiene sentido, quizá llega a casa pero es extraño porque ella se cubre, no como en Desnuda delante de un espejo en que está preparada esperando a un hombre. En esta obra ella no está esperando a nadie, o al menos no a él, sino no se taparía, por lo que es extraño.
Las pinceladas y el color marrón recuerdan a una talla de madera. Las líneas recuerdan a las líneas de la madera con la talla.
La mujer es como un KIRCHNER, Ernst Ludwig.
elemento de madera, una Desnudo, espejo, y hombre.
1912.
muñeca.
Desnuda peinándose Se reproduce la misma situación que en la anterior, pero ésta es aún más compleja.
Ella está peinándose pero está mirando hacia nosotros, la vemos completamente desnuda, incluso su intimidad.
Los brazos indican una posición tensa, no cómoda, como con ansiedad. Esta sensación incrementa con la idea de que parece que todo flote, no hay solidez.
El fondo es muy extraño, se ven caras pero no se sabe si son personas, máscaras.
La mesa es una gran mancha de color con elementos: el cilíndrico parece una gran boca con dientes afilados, el cual da miedo.
Lo más importante es lo que sentimos al ver las obras, no el entender realmente lo que hay, sino lo que el artista sentía en esa sociedad que parecía ser asfixiante, cerrada.
Aun así, Kirchner estaba muy sorprendido por la ciudad, en la cual se sintió solo aún y estando repleta de gente.
KIRCHNER, Ernst Ludwig.
Desnuda peinándose. 1913.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 15 Expresionismo alemán Mujer delante del espejo Es más fácil de entender pero sigue siendo perturbadora.
Usa el espejo para distorsionar el espacio, como en este caso, para cambiarlo.
Las manos las tiene detrás del cuello, pero en el espejo sale una mano, por lo que no encaja, pero crea una atmosfera extraña.
La mujer se está preparando para salir y está en su vestidor, maquillándose, y nuevamente el espacio es muy pequeño: se sienta en una silla muy pequeña que hace que sus piernas estén completamente dobladas, igual que sus brazos, debido a la falta de espacio.
Es una visión de la vida moderna, la cual no es muy cómoda.
KIRCHNER, Ernst Ludwig.
Mujer delante del espejo. 1912.
La alfombra de colores y el fondo azul crean espacio.
De nuevo, igual que en Desnudo, espejo, y hombre, ella se representa como una muñeca de madera, pero en esta queda clara, como en Desnuda peinándose, pero con colores diferentes: en Desnudo, espejo, y hombre el color ayuda a entender el espacio, el de la chica es marrón y el del hombre es azul; mientras que en ésta hay varios colores que ayudan a crear la imagen, contrastando con Desnuda peinándose, en la que los colores son confusos y no contrastan.
En las primeras imágenes la sexualidad es más natural, mientras que en éstas últimas es una sexualidad más dramática.
Escena de la calle de Berlín Pintó varias versiones de esta visión de la gran y moderna ciudad.
Es una obra muy importante, los especialistas de este artista han escrito mucho sobre esta obra porque es una de las primeras visiones de la vida moderna pero no de una forma tan agradable como las de París de los impresionistas: eran muy bonitas, agradables, incitaban a ir.
En esta obra vemos a la gente de ciudad, por lo que el protagonista no es la arquitectura, sino la gente.
Es una calle muy llena que no sabemos dónde está exactamente.
Hay un carro de caballos: transporte moderno de la época, y gente subiendo y bajando de él; y gente andando por la calle.
Es un espacio pequeño, vertical igual que la gente, sin espacio entre las personas ni en los lados.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 16 Expresionismo alemán Todo son hombres vestidos de azul, menos dos mujeres, una de rojo y otra de azul con decoraciones rojas en el sombrero.
La obra muestra la idea de prostitución, por las dos mujeres entre tantos hombres. Las cocotte eran las prostitutas.
La idea de sexo en la ciudad es muy común porque puedes conseguir lo que quieras en la ciudad con dinero, como mujeres.
Ellas se pasean por la ciudad y se rodean de hombres.
Una va toda de rojo y la otra no, pero lleva detalles.
Usan el rojo para atraer y llamar la atención.
Además, las caras de las mujeres y de los hombres no tienen contacto visual entre ellos, cada uno va a sus asuntos, lo que da la idea de que la ciudad es un lugar solitario en que la gente no se comunica, no hablan.
KIRCHNER, Erns Lutwig. Escena de la calle de Berlín. 1913.
Óleo sobre lienzo, 121 x 95 cm.
El hombre que muestra la cara parece que tiene prisa por llegar a algún sitio, lo que muestra la rapidez que se lleva y la poca importancia hacia los otros. Éste es un sentimiento muy claro de la gran ciudad, y que Kirchner ve claramente al haber nacido y crecido en un pueblo pequeño que es lo contrario de la ciudad.
Siguen habiendo elementos de trazo, la gente flota, no hay sensación de estabilidad.
Las manos son muy largas, góticas, expresivas. Es una imagen muy expresiva.
Cinco mujeres en la calle Es una de las obras más famosas.
Es un espacio no sólido, los pies no parecen estar en el suelo sino flotando. Es un espacio pequeño nada profundo.
Podemos imaginar que se sitúan en un punto de cruce y están paradas en lo que podríamos llamar acera, representada por el color amarillo en la obra, lo que nos permite ver a los coches.
Se sitúan en un espacio estrecho, como atrapadas en una jaula. Esta idea recuerda al aspecto general de estas mujeres: van de negro, con sombrero, maquilladas con rojo, azul…, por lo que recuerdan a pájaros exóticos, los cuales muestran las plumas para llamar la atención de otros.
Ellas utilizan su atractivo para llamar la atención de los hombres.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 17 Expresionismo alemán De nuevo, vemos como ninguna de las mujeres habla con las otras, no se hablan, no tienen ningún contacto con las demás. Miran a lugares diferentes, lo que muestra incomunicación, el estar solo.
Los zapatos de tacón negros, muestran una posición que recuerda a los pájaros.
Aún no es la época de la guerra, pero ya ha habido otras antes coloniales. Las prostitutas suelen vestir de negro, ya que era otro truco para atraer a los hombres porque en ese momento era muy común que hubiese viudas: mujeres que necesitan atención. Pero sabemos que estas mujeres de la obra no son viudas ya que el negro contrasta con el maquillaje por lo que dan una imagen ambigua entre la ropa y el maquillaje.
Se ve una influencia de las máscaras africanas de nuevo en las caras.
Es muy económico usar áreas grandes de color, como el negro, el amarillo.
También hay algunos elementos de otros colores como el azul o el rojo.
En los años de guerra se reduce la gama de colores.
KIRCHNER, Erns Lutwig.
Escena de la calle de Berlín.
1913.
Óleo sobre lienzo, 120 x 90 cm.
Museo Ludwig, Colonia, Alemania.
Belle-Alliance square Durante la guerra, Kirchner va a la guerra como conductor en un pueblo cerca de Berlín llamado Halle, y allí sigue pintando paisajes de Berlín.
No vio ninguna batalla pero la guerra le afectó en su modo, espíritu, estaba muy deprimido y era una persona muy sensible, por lo que se puso emocionalmente enfermo a causa de la guerra.
Estas vistas de la ciudad son muy apagadas. Es una plaza muy bonita de Berlín llena de monumentos y casas, pero se describe como un lugar terrible.
Los colores son amarillo, verde, gris, azul oscuro, blanco…, el espacio está totalmente distorsionado, es un espacio sin sentido porque va hacia arriba, hacia abajo… Lo más importantes son los colores y la luz, apagados, sin brillo… Es un lugar muy triste.
KIRCHNER, Erns Lutwig. Belle-Alliance square. 1913.
Óleo sobre lienzo, 200 x 150 cm.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 18 Expresionismo alemán La gente son simples líneas negras, andando como zombis, sin saber adónde van, siguiendo unas líneas, como las hormigas. Es una atmosfera terrible.
La puerta de Brandemburgo Es una imagen terrible, parece un monstruo con una gran boca y grandes dientes; un monstruo a punto de devorarte.
El espacio está distorsionado, y las personas son manchas de color negro, de nuevo, en contraste con el amarillo pálido que es perturbador, y el cual se relacionaba con las enfermedades.
KIRCHNER, Erns Lutwig. La puerta de Brandemburgo. 1914.
Óleo sobre lienzo, 50 x 70 cm.
Colección privada.
Artilleros Muestra el día a día en la guerra.
Son las duchas de las barracas.
Vuelve a ser un lugar lleno de gente, cerrado, como una jaula, los soldados no se pueden escapar.
Los hombres están completamente delgados y son tratados como animales, no como personas.
Vivir así es deprimente La imagen es terrible porque recuerda a las cámaras de gas de Auschwitz.
KIRCHNER, Erns Lutwig. Artilleros. 1914.
Óleo sobre lienzo, 140 x 153 cm.
Museo Guggenheim, Nueva York, Estados Unidos de América.
Autorretrato como un soldado Fue expulsado de los militares y enviado a un centro hospitalario en el que se recuperó de su depresión.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 19 Expresionismo alemán Se pinta a sí mismo en su estudio con pinturas en el fondo, típico retrato, para hablar de arte.
Lleva el uniforme pero sigue siendo un soldado.
Se pinta sin la mano derecha, pero en realidad sí la tiene.
Es una forma metafórica de su realidad emocional, puesto que siente que todas estas experiencias no eran capaces de pintarse y para él era como si hubiese perdido las manos porque no era capaz de pintar nada, y para mostrar todo esto se corta la mano en el retrato.
Forma parte de los famosos retratos en que el artista quita una parte de su cuerpo. Para éste se inspiró en la obra de van Gogh.
Son artistas muy sensibles, con problemas emocionales.
Nunca se recuperó de esto. Pasó mucho tiempo en un hospital de Suiza, donde pintó paisajes, coincidiendo con que en 1937 fue cuando los nazis destruyeron el arte contemporáneo; y él se suicidó en 1938. Era una experiencia terrible el ver cómo todo se destruía.
KIRCHNER, Erns Lutwig. Artilleros.
1915.
Óleo sobre lienzo.
Allen Memorial Art Museum, Oberlin, Ohio, Estados Unidos de América.
Emil Nolde Nació el 7 de agosto de 1867 en Nolde (en la frontera entre Dinamarca y Alemania), y murió el 15 de abril de 1956 también en Alemania.
Su nombre real era Emil Hansen, pero desde el 1898 firma con otro nombre porque su padre era muy religioso y tener un pintor en la familia era una vergüenza porque no era un trabajo serio, estaba vinculado al mundo bohemio.
En 1884 comenzó a trabajar en la fábrica de su padre, donde aprende el grabado a fibra.
Estuvo aquí hasta el 1888.
En 1889 solicitó entrar en la Escuela de Artes Aplicadas de Karlsruhe (Karlsruhe Applied Arts School) (de artes menores) para perfeccionar la técnica del grabado a fibra.
En 1892 consigue un trabajo como profesor en San Galo (Suiza), por lo que se independiza.
Una vez allí, quedó impresionado por los Alpes, ya que Nolde es de superficie plana.
Por ello, comienza a dibujar y pintar postales de los Alpes para una fábrica de postales.
Dibuja las montañas de forma fantasiosa, obteniendo mucho éxito, y es entonces cuando piensa en vivir de su pintura.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 20 Expresionismo alemán Las caras se relacionan con los nombres de las montañas: duende, monje y mujer.
NOLDE, Emil. Las postales suizas. 1892 – 1898.
En 1898 intentó que le admitiesen en la Escuela de Bellas Artes de Múnich, pero no entró y se fue a París, donde tuvo contacto con los postimpresionistas. Fue entonces cuando comenzó a cambiar su nombre (1902).
En 1904 se va a Italia y aprende de los pintores italianos primitivos, es decir, de los pintores anteriores al Renacimiento como Masaccio, Fra Angélico, o Giotto.
En 1906 organiza una exposición en Berlín y los miembros del Die Brücke vieron las pinturas y le invitan a unirse al grupo.
En solo un año, tuvo peleas con el grupo, no quería trabajar en conjunto y seguir un estilo común, sino su propio estilo, por lo que se marcha.
Tras dejar el grupo sigue siendo expresionista.
Es muy diferente a Kirchner. Y a pesar de haber estado solo un año en el grupo, se le consideraba más expresionista que Kirchner.
Jardín de flores Está hecha en el mismo momento que estaba el Fovismo, y usa un color muy fovista.
Utiliza mucha pasta, las pinceladas son muy gruesas, y el color llena toda la superficie.
La idea de espacio se construye con la combinación de colores, con el contraste.
Aquí aprende y aplica la técnica de Cézanne: uso de colores fríos y cálidos para crear el espacio.
Los fríos se van al fondo y los cálidos se acercan a nosotros.
NOLDE, Emil. Jardín de flores. 1905.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 21 Expresionismo alemán Los azules fríos rodean el naranja cálido; el verde con el rojo, y así en toda la obra.
Está inspirado también en las flores y el Impresionismo.
Chica lavando la ropa en el jardín Es una escena típica impresionista, una mujer tendiendo la ropa.
Las manchas tienen volumen, son instintivas, rápidas, siguiendo el sentimiento del pintor.
La fuerza del color destruye la escena prácticamente. No es una escena sólida, es color, luz, flores, y es difícil ver a la chica.
Con esta escena el Die Brücke cree que Nolde pertenece a su grupo.
NOLDE, Emil. Chica lavando la ropa en el jardín. 1908.
Óleo sobre tela, 66 x 83 cm.
Museo Palacio de Arte de Düsseldorf, Düsseldorf, Alemania.
La cena del Señor Su conocimiento específico era el religioso, ya que su familia era muy religiosa y no podía alejarse de esa educación familiar religiosa. Ser pintor no quería decir que no fuese religioso.
Hace algunas obras religiosas pero de forma impresionista.
En esta obra representa una escena muy diferente de la representación tradicional de La Última Cena: Jesús y los apóstoles en una mesa alargada mirándose; pero él usa la idea de estar alrededor de la mesa, la cual es solo un elemento para explicar qué escena es.
Por tanto, solo hay lo necesario: mesa, copa, Jesús y apóstoles.
La posición podría ser influencia de Masaccio: composiciones circulares como El pago del tributo, que es una serie de frescos en que la escena es redonda para experimentar.
Sabemos que Nolde estudió a los italianos, por lo que no es un error fijarse en Masaccio.
Las caras son completamente expresivas, primitivas, de gente corriente, y están distorsionadas y se acercan al estilo de las máscaras.
La luz viene de Jesús, de su camisa blanca, la cual tiene sentido ya que Jesús es la luz del mundo.
Los colores son muy expresivos.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) Expresionismo alemán 22 MASACCIO. El pago del tributo. 1424 – 1427.
Renacimiento, fresco, 255 x 598 cm.
Santa María del Carmine, Florencia, Italia.
NOLDE, Emil. La cena del Señor. 1909.
Óleo sobre lienzo, 86 x 107 cm.
Galería Nacional de Dinamarca, Copenhague, Dinamarca.
El pentecostés Es muy similar a la obra anterior.
Representa una escena redonda en que los colores no contrastan ni son tan fuertes.
Las caras son más dulces, más suaves, pero son más primitivos, más como máscaras que caras reales. Las cejas, los ojos… NOLDE, Emil. El pentecostés. 1909.
Óleo sobre lienzo.
Galería Nacional de Baerlín, Berlín, Alemania.
La adoración del becerro de oro Esta obra le permite hablar de sexualidad, primitivísimo… Es una escena religiosa sacada del Éxodo.
Tras abandonar Egipto, Moisés fue al monte Sinaí a orar, y, mientras, Yahvé le revelaba las leyes recogidas en las tablas de la ley.
Viendo que Moisés tardaba, el pueblo solicitó a Aarón un dios a quien adorar.
Con el oro de sus joyas fundieron un becerro y lo adoraron como a Yahvé.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 23 Expresionismo alemán Al día siguiente, hicieron sacrificios y una gran fiesta. Cuando Moisés descendió al campamento y se encontró las danzas en honor del becerro, encendido en ira, rompió las tablas y fundió el ídolo.
En castigo por la idolatría dio a beber el oro mezclado con agua a todos los israelitas.
La idea de una danza frenética, erótica, con movimientos salvajes de las mujeres, las cuales parecen estar: una desnuda, otra enseñando el pecho…, recuerda a las mujeres del palacio de hielo de Kirchner.
Utiliza colores brillantes, muy contrastados.
Además, tiene un punto de primitivismo, ya que la escena recuerda a un ritual.
NOLDE, Emil. La adoración del becerro de oro. 1910.
Óleo sobre lienzo, 88 x 105,5 cm.
Pinakothek der Moderne, Múnich, Alemania.
Santa María de Egipto entre los pecadores También es una obra de tema religioso, que también le permite hablar de sexualidad.
Escoge los temas a consciencia justo para eso.
Representa una historia parecida a la de María Magdalena.
Santa María era una prostituta y tras la muerte de Jesús, quería visitar el sepulcro pero no le dejan por ser prostituta, lo que le impedía entrar en un lugar sagrado, por lo que pasa muchos años en el desierto, sola, pensando en su vida pasada.
La obra es una escena de su vida previa como prostituta entre los clientes, en que se enseña a los marineros.
Es una escena “real” en cuanto a que eran ellos (los marineros) los que contrataban prostitutas en ese tiempo.
Las caras son grotescas, como monstruos, no son simples máscaras, sino que parecen monstruos, animales, no personas.
Es una forma de expresar la idea del gran deseo sexual.
Al contrario que las prostitutas de Escena de la calle de Berlín de NOLDE, Emil. Santa María de Egipto entre los pecadores. 1912.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 24 Expresionismo alemán Kirchner, ésta es bruta, vulgar, directa, nada elegante.
Las manos son expresivas, grandes, recuerdan a las manos de pinturas medievales.
De hecho, las manos siempre son más grandes de lo que deberían como elemento expresivo.
DER BLAUE REITER Contexto Es el segundo grupo expresionista.
Fue fundado en Múnich en 1911 y perduró hasta 1914.
Pretendía ser una respuesta a la sociedad germánica de la sociedad militarista, por tanto, el mismo contexto que el Die Brücke.
Pero es diferente al Die Brücke, puesto que este nuevo grupo no quiere luchar contra la sociedad, sino que tienen una actitud escapista, por lo que en sus pinturas no vemos las ciudades como un lugar de ansiedad, sino como otros mundos que no existen, que son creados por ellos. Por tanto, su posición es más como la de los románticos.
Hay un mundo más espiritual porque quieren lograr un mundo espiritual a través de lograr el arte espiritual.
Por tanto no querían representar el mundo material.
Tienen conexión con la literatura del momento e influencia de Georg Trakl, escritor que tiene una visión muy pesimista del mundo. La sociedad solo tiene la posibilidad de acabar de forma catastrófica.
Esta idea pesimista se encuentra en este grupo, por lo que quieren huir.
Kandinsky también hablaba de este final desastroso del mundo y de que la sociedad posterior sería mejor.
Otra diferencia es que no querían crear un estilo común, sino que querían crear un arte espiritual de diferentes estilos.
El nombre del grupo es El Jinete Salvador (The Saviour Rider) o El Caballero Salvador (The Saviour Knight), es decir, la idea de un príncipe medieval que salva a la princesa.
Buscan a este príncipe que salve el mundo.
Fundación El grupo lo fundó Kandinsky.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 25 Expresionismo alemán Cuando Kandinsky llegó a Múnich desde Rusia quería influir en la atmosfera de los artistas y crear un arte moderno en la ciudad, por lo que creó varios grupos: algunos fracasaron, de otros le echaron… Este grupo lo fundó Kandinsky pero lo dejó para volver a otro que había creado antes: La Nueva Asociación de Artistas (The New Artist Asociation) del 1909, con las mentes más abiertas de Múnich, pero no lo eran tanto porque las obras de Kandinsky no eran tan bien recibidas.
Tras tres exposiciones – la última en 1911 –, Kandinsky dejó el grupo y fundó el Der Blaue Reiter, al cual se unieron Franz Marc y Gabriele Münter, quienes también abandonaron el otro grupo (The New Artist Asociation).
La primera exposición del Der Blaue Reiter fue en el 1911 en la Galería de Arte Moderno de Múnich (Moderne Kunst art gallery), y está muy relacionada con una idea muy importante para el grupo: la creación del Almanaque: un diario.
Los miembros del Der Blaue Reiter eran Kandinsky, Franz Marc, August Macke y Gabriele Münter – mujer de Kandinsky, la cual fue muy importante porque cuando comienza la guerra Kandinsky tienen que volver a Rusia, Marc y Macke mueren en la guerra, y ella permanece en Múnich, donde recolecta muchas obras de arte para que los nazis no las destruyan, y hoy día son obras de arte muy valiosas.
Tras la guerra, Gabriele da la colección de ochenta obras al municipio de Múnich, y ahora están en el Museo Lenbachhaus de Múnich.
El Almanaque del Der Blaue Reiter Era una idea que se presentó al principio de la creación del grupo.
En su primera exhibición, el nombre que adoptaron no fue Der Blaue Reiter, sino La Redacción del Almanaque del Der Blaue Reiter, por lo que se presentaron como un grupo que estaba creando un almanaque.
Tiempo después, acortaron el nombre a Der Blaue Reiter, presentándose así en sus posteriores exposiciones.
El Almanaque tenía como objetivo alcanzar el total de obras de arte, lo que era muy importante para ellos, la idea de síntesis de las obras, la cual proviene del Jugendstil.
Para ellos el arte no podía ser espiritual sino era una obra de arte total.
Empezaron a trabajar en 1911 y para publicar necesitaban dinero por lo que mucha gente interesada en esta nueva idea artística puso dinero.
Uno de estos fue Hugo von Tschudi, director de los museos de alrededor de Múnich: Galería Nacional de Berlín y Neue Pinakothek de Múnich, donde introdujo el Expresionismo.
Y otro de los que aportó dinero fue Bernhard Koehler, un coleccionista de arte moderno.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 26 Expresionismo alemán Algunos artículos - Franz Marc con Los Alemanes “Salvajes” (Die “Wilden“ Deutschlands / The “Wild” Germans): para él los “Alemanes salvajes” son los artistas vanguardistas alemanes que rompen las reglas.
No menciona a los fovistas pero están tras la palabra “salvaje”.
- August Macke con Máscaras (Die Masken / Masks): habla de las máscaras, de la gente primitiva.
Las máscaras eran una influencia muy importante y en este diario había sitio para muchos tipos de arte.
- Vasili Kandinsky con El Sonido Amarillo (Das gelbe Klang / The yellow sound): usa el concepto de “sinestesia”.
Da color al sonido, estableciendo una conexión entre música y la pintura.
Pensaba que los colores podían influenciarnos de diferentes formas.
- Otros artículos: son de Jean Arp, Cézanne, Delaunay, Gauguin, Matisse, Picasso, Rousseau, El Greco, éste último era apreciado por los artistas modernos, porque distorsiona las figuras, el espacio, y las distorsiones eran muy expresivas, por lo que se relaciona.
En 1914 intentaron publicar otro diario pero no fue posible: Kandinsky se fue a otro país, otros murieron en la guerra, etc.
Wasili Kandinsky Nació el 16 de diciembre de 1866 en Moscú, y murió el 13 de diciembre del 1944 cerca de París.
Es una figura muy importante del arte moderno por ser el padre de la pintura abstracta, pero también porque era un artista activista, es decir, que quería crear diferentes grupos, publicar textos. Era una persona muy activa.
En 1889 le envían a Vologda para coleccionar las leyes del área. Haciendo esto, quedó sorprendido por las casas: oscuras por fuera pero coloridas por dentro, todo estaba pintado: paredes, alfombras, etc. Decía que era como entrar en una pintura.
Los biógrafos dicen que fue un momento clave en su vida, cuando fue consciente de la importancia de los colores.
En 1896 deja los estudios y se traslada a Múnich, porque en Rusia el arte no tenía nada de especial, mientras que Múnich era una ciudad clave.
Una vez en Múnich, comenzó a crear grupos de arte moderno.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 27 Expresionismo alemán En 1901 creó su primer grupo: La Falange (Die Phalanx), con la idea de un grupo de soldados en primera fila, por tanto esa idea de arte moderno, los artistas que se enfrentan.
El objetivo de este grupo era llevar a Múnich las obras de los artistas más modernos del oeste de Europa, por lo que no era solo el exhibir sus obras (de los miembros del grupo).
Organizó 12 exposiciones internacionales de arte moderno, las cuales no fueron aceptadas en Múnich, por lo que en 1904 decidieron acabar con el grupo.
En 1904 se mudó a París pero viajaba mucho a Rusia.
En París, lo importante a saber es que vio obras fovistas y cubistas, y con todo lo que vio volvió a Múnich en 1908 y comenzó de nuevo con la creación de grupos.
En 1908, cuando volvió a Múnich, comenzó a pasar mucho tiempo veraniego en el pueblo de Murnau, situado al lado de la ciudad, a los pies de los Alpes.
Allí pasó los veranos de 1908 y de 1909 donde cambió su pensamiento.
El poster de la exposición de La Falange fue creado por Kandinsky, y en él se puede ver la idea de soldados con armas, idea de antigüedad.
También se ve un castillo… busca un tiempo determinado con gente luchando en primera línea de batalla.
No representa la idea del caballero salvador, sino la idea de lucha.
El estilo es muy cercano al estilo del Jugendstil con la idea de positivo y negativo.
KANDINSKY, Vasili. Poster de la exposición de La Falange. 1901.
Obras anteriores al Der Blaue Reiter: Pareja cabalgando Es una obra del periodo en que vive entre París y Moscú.
Se representa a una pareja en un caballo, con la idea de caballero por primera vez.
KANDINSKY, Vasili. Pareja cabalgando.
1905.
Óleo sobre lienzo, 55 x 50,5 cm.
Museo Lenbachhaus, Múnich, Alemania.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 28 Expresionismo alemán Es una pintura con influencia simbolista, como pasaba con Matisse, por ejemplo.
El tema es el amor, tema principal del arte simbolista.
Pero también se aprecia la nostalgia.
La ciudad recuerda a una ciudad rusa.
Es un amor perdido.
No quiere imitar el mundo, solo quiere hablar de algunos conceptos de la vida, en este caso el amor, tristeza, nostalgia, etc.
Toda la pintura está tratada como una vidriera, en que el color es muy importante, con grandes área de color rodeadas de líneas negras.
Da una luz y atmosfera especial, una idea de nostalgia, tristeza.
Grüngasse Murnau El cambio llega en Munaru, con pinturas en que aplica los colores que ha visto en París: brillantes, con contraste, arbitrarios.
Es importante el cómo lo aplica en las grandes áreas o la mezcla con el blanco, las áreas en que solo hay pinceladas de color que dificultan entender qué representa.
Daba más importancia al color en sí que al representar algo concreto.
Lo más importante era el color y la forma de aplicarlo, no el paisaje.
KANDINSKY, Vasili. Grüngasse Murnau.
1909.
Óleo sobre lienzo, 33 x 44,6 cm.
Museo Lenbachhaus, Múnich, Alemania.
Ferrocarril en Murnau Es más abstracto, de formas más sintéticas.
Representa un tren en un cartón en que los colores no son tan brillantes.
Coge los motivos del tren y podemos ver la locomotora, pero el resto del tren es tan solo un gran área de color negro.
KANDINSKY, Vasili. Ferrocarril en Murnau. 1909.
Óleo sobre cartulina, 36 x 49 cm.
Museo Lenbachhaus, Múnich, Alemania.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 29 Expresionismo alemán El paisaje es un conjunto de grandes pinceladas sintéticas en el sentido de que no crea formas sino que solo aplica colores libremente.
Las casas son muy geométricas, recuerdan a las de Cézanne.
Huye de la realidad y muestra color y formas.
Imagen con un arquero Cuando en otoño vuelve a Múnich, no pinta paisajes sino obras más imaginativas con la misma iconografía: un caballero con caballo, casas que recuerdan a Rusia, etc., pero el resto de formas son muy libres y difíciles de saber qué son.
El fondo está hecho de colores simplemente, no es un cielo, no intenta identificar nada en él.
La figura del caballero representa y tiene la idea de nuevo de caballero salvador, de luchador espiritual.
Salva el arte y a la sociedad.
La figura de San Jordi es muy común en el arte de las montañas bávaras. Estaba interesado en todo tipo de arte, y por ejemplo, el arte popular de esa área era muy importante para él.
KANDINSKY, Vasili. Imagen con un arquero. 1909.
Óleo sobre lienzo, 177 x 147 cm.
Museo Guggenheim, Nueva York, Estados Unidos de America.
Para los miembros del Die Brücke, por ejemplo, el arte primitivo era importante porque era una alternativa al academismo; Para Kandinsky, el arte primitivo era un arte más tradicional que puede ser una alternativa al academicismo, da el poder de crear un arte nuevo.
*** Una de las tradiciones del área son las pinturas religiosas de óleo en vidrio: lo ponen en la parte posterior para ser visto a través del vidrio.
El lienzo absorbe el color por lo que pierde su fuerza, pero en el vidrio no pasa porque no lo absorbe por lo que pertenece igual, lo que era importante para ellos.
Kandinsky coleccionaba este arte popular, e hizo algunas obras.
Uno de los temas principales era el del San Jordi, del luchador espiritual contra el mal.
Pintura votiva en vidrio de la casa de Kandinsky en Múnich.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) Expresionismo alemán *** 30 En 1909, cuando vuelve de a París y comienza un nuevo arte, funda la Nueva Asociación de Aristas de Múnich.
El poster del grupo está creado por Kandinsky, y en él se ve cómo usa la idea de colores y formas.
La idea del grupo era exhibir a artistas modernos de otros países, además de sus propias obras también.
El nombre del grupo parte de que los miembros habían pertenecido anteriormente a la Munich Secession.
Finalmente, los miembros no están de acuerdo con Kandinsky, y éste rompe con el grupo, por lo que se acaba.
KANDINSKY, Vasili. Poster de la Nueva Asociación de Aristas de Múnich.
Fue un momento muy importante para él porque trabajaba en muchas empresas, en el sentido de cosas que se emprenden, emprendiendo (trabajando en) muchas cosas a la vez.
En diciembre de 1911, cuando deja el grupo junto con Franz Marc y Gabriele Münter, fundan el Der Blaue Reiter y organizan la primera exhibición, y Kandinsky publica su obra más importante sobre el arte espiritual: Concerning the spiritual in art.
En su escrito: Über das geistige in der Kunst de 1911, incluido en Concerning the spiritual in art, uno de los puntos más importantes es la defensa del arte abstracto.
Para él, el arte abstracto era el principio de un lenguaje universal, en el sentido de que no pertenece a ninguna tradición artística en el mundo, por lo que puede ser aceptado por todo el mundo.
Intenta crear un arte espiritual que tiene la función de salvar a la sociedad, el alma de las personas.
Esta nueva forma artística está basada en un carácter espiritual, porque está formada solo de formas y colores, por lo que no está atada al mundo material.
Por tanto, para crear arte espiritual no podemos representar el mundo material, por lo que rechaza cualquier referencia a ello.
El Simbolismo trata de ser un arte espiritual que rechaza el materialismo, pero hay personas, paisaje, etc., por lo que para Kandinsky sigue siendo materialista.
La única forma de no ser materialista es crear únicamente con formas y colores.
Para él las formas y los colores no están basados en el mundo real, sino que parten del artista en sí mismo. De esta forma, puedes alcanzar el espíritu de las demás personas.
Estas ideas de espiritualidad, la necesidad de espiritualidad, conectan con algunas teorías espiritualistas del momento, muy importantes y de gran influencia: la teosofía y la antroposofía no eran religiones sino formas espirituales de vivir. En el momento en que se acerca la crisis, la gente busca esa ayuda espiritual, y como la religión no estaba aceptada, algunas personas crearon una nueva espiritualidad, nuevas ideas sobre el espíritu, y Kandinsky se relacionaba mucho con estas ideas.
Hay que cambiar el materialismo por el espiritualismo.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 31 Expresionismo alemán Kandinsky dice que el espíritu del humano está oprimido por una ansiedad provocada por el materialismo, y la única forma de liberarlo era el arte espiritualista basado en formas y colores.
Pero no todos los colores y formas funcionaban. Estudió cómo influenciaban al carácter y sentimientos de la gente los colores y formas, e intentó en sus pinturas aplicar colores y formas que aliviasen a nuestro espíritu.
Aun así, se centra más en colores que en formas.
Teoría de los colores de Kandinsky En la imagen de la derecha llamada Figure 1, habla de cómo el color funciona e influye en el humano.
Kandinsky trabaja con la idea de elementos opuestos.
Comienza con los colores fríos y cálidos y cómo estos nos afectan.
Los colores cálidos son más expansivos, van del centro a los bordes; mientras que los colores fríos se concentran, van de los bordes al centro.
Tras estas ideas, están los colores claros y los oscuros.
Los claros dan la idea de resistencia eterna con posibilidad; y los oscuros dan la idea de absoluta falta de resistencia, desprovisto de posibilidad.
Va combinando los colores y efectos con los que construye sus obras. Por KANDINSKY, Vasili. Figure 1.
tanto, al pensar en sus obras, como la Página 61 de su obra Concerning the spiritual in art.
de Composición VII de 1913, hay que tener en cuenta que hay una gran reflexión detrás, no es solo poner colores.
En este momento, 1911, organiza la primera exposición del Der Blaue Reiter, en que pensaban publicar el Almanaque, por lo que en 1911 Kandinsky ya tenía la portada, que sería publicada en 1912.
En la portada del Almanaque, vuelve a la idea del caballero salvador.
KANDINSKY, Vasili. Portada del almanaque del Der Balue Reiter. 1911.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) Expresionismo alemán Obras del Der Balue Reiter: 32 Impresión III (Concierto) Fue una de las pinturas expuestas en la primera exposición del grupo.
En este momento algunas de sus obras tienen títulos que son conceptos que relacionan música y obra.
Esta obra tiene el subtítulo de Concierto porque está basado en una experiencia real de cuando fue al concierto de Schönberg, de música moderna.
Está basada en el recuerdo de ese concierto.
Relaciona la idea del texto del diario El sonido amarillo. La gran KANDINSKY, Vasili. Impresión III (Concierto).
área amarilla – color cálido que se 1911.
expande – representa la música que Óleo sobre tela, 77.5 x 100 cm.
se acerca, sale del escenario.
Museo Lenbachhaus, Múnich, Alemania.
El área negra es el escenario, mientras que las diversas manchas centrales son personas.
Pensó que el amarillo era el color de la música.
Imagen con un arco negro Está basado en líneas de colores, no hay nada que podamos reconocer en él.
Sugiere la idea de lucha, de confrontación de dos elementos que están en contra.
Encontramos dos áreas de colores – azul y rojo –. La roja es un color cálido, pintado de forma más grueso en la parte alta acercándose hacia el azul, el cual se encuentra de la misma forma.
La gran área superior es una especie de violeta que es la mezcla de rojo y azul, lo que representa la balanza de ambas fuerzas.
El arco es la energía de ambos elementos, como electricidad.
No es una copia el mundo real.
KANDINSKY, Vasili. Imagen con un arco negro. 1912.
Óleo sobre tela, 193,3 x 186 cm.
Centre Georges Pompidou, Paris, Francia.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 33 Expresionismo alemán Aparecen líneas transversales que no representan nada, sino que atrae a nuestro espíritu, nuestra alma. Tiene la idea de espiritualidad.
Improvisación: Diluvio Fue pintado antes de la guerra, pero representa la idea de que la guerra era inminente.
La palabra “improvisación” hace referencia a que es una improvisación del mundo de la música; mientras que “diluvio” está relacionado con el mundo de la guerra.
El elemento central amarillo y las líneas onduladas hacen pensar en la lluvia y en el primer rayo de sol tras el diluvio.
Si vemos el mar y la luz nos hacen pensar en el mundo real, por lo que traiciona su espíritu, pero es difícil salir de la realidad.
Hay un contraste entre colores fríos y cálidos; líneas rectas y curvas.
Volviendo a las teorías espirituales, éstas creen que el diluvio trae una regeneración, un nuevo comienzo espiritual. Creía que KANDINSKY, Vasili. Imagen con un arco negro. 1913.
Óleo sobre tela, 95 x 150 cm.
el mundo estaba demasiado Museo Lenbachhaus, Múnich, Alemania.
lleno, sin sentido, y la única forma era con la destrucción y comenzando de cero.
Composición VII Es de antes de la guerra, y más abstracta porque no hay ningún elemento, es simplemente una composición de colores y formas.
Hay formas y líneas muy diferentes, podemos ver que no se repiten.
En el centro están los colores fríos, concentrados, y el resto una expansión de colores cálidos.
Antes de hacerlo, hizo 15 pinturas preparativas para estudiar la composición en KANDINSKY, Vasili.
Composición VII. 1913.
Óleo sobre tela, 200 x 300 cm.
The State Tretyakov Gallery, Moscú, Rusia.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 34 Expresionismo alemán diferentes lenguajes artísticos, buscando formas, colores…, e hizo 13 esbozos de detalles de la obra.
En tres días pintó la obra final.
Por tanto, no es una obra espontánea, sino pensada.
Tiene movimiento, frescura.
Es una de sus obras del momento, pero desafortunadamente con la guerra tuvo que volver a Rusia y paró de pintar. Pero en Rusia, tras la guerra, en los primeros años, 1917, introdujo las vanguardias de forma directa.
Franz Marc Nació el 8 de febrero de 1880 en Múnich (Alemania), y murió el 4 de marzo de 1916 Braquis (Francia).
Su padre era pintor de paisaje; y su madre ama de casa, y creyente calvinista, muy religiosa, cuya cosa influye a Marc muy fuerte al principio cuando estaba en el instituto, cuando quería estudiar teología y seguir la vida religiosa, pero cuando acabó el servicio militar en 1900 decidió ir a la Escuela de Bellas Artes de Múnich (Fine Arts School of Múnich) donde estuvo hasta 1903.
Viajó dos veces a París (1903 y 1907), y como artista joven, estudiante, en 1903 descubrió el Impresionismo y dijo que éste era la única salvación para los artistas.
Cuando vuelve a Múnich en 1906, conoce a Jean Bloé Niestlé, especialista en pintar animales, por lo que influyó a Marc en esa idea de pintar animales.
De hecho, a Marc le emocionaba tanto la idea, que estudió anatomía de algunos animales por lo que se convirtió en un experto y ganaba dinero enseñando a otros artistas a pintar animales.
Quería pintar animales desde el interior, es decir, pintar el mundo desde los ojos de los animales, de la naturaleza, cómo los animales ven el mundo. Y esto se relacionaba con la religión porque para él los animales son una creación de Dios.
En 1907 vuelve a París y descubre a los postimpresionistas como Gauguin, o van Gogh.
En 1910 – momento más importante – conoce a August Macke, 7 años más joven que Marc pero muy bien formado y con conocimiento de todas las tendencias.
Macke le sugirió que fuese a la exposición de Matisse en Múnich, y allí descubrió el Fovismo.
Esta exposición era la segunda exposición de Matisse en Alemania, la primera había sido en Berlín.
También en este momento conoce a Bernhard Koehler gracias a Macke, quien le da un salario mensual a Marc para que trabajase de forma más libre.
Aprende mucho sobre arte durante este año, gana dinero, y también conoce a Kandinsky cuando se suma a la Asociación de Nuevos Artistas.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 35 Expresionismo alemán Marc no pinta, o raramente lo hace, personas. Siempre pinta animales, porque en el contexto para Marc las personas están muy contaminadas con el materialismo, capitalismo. Los animales son una creación de Dios y siguen teniendo la inocencia que los humanos han perdido.
Pintar animales era una forma de capturar la vida, de conectar con ella.
Es otra propuesta vanguardista, el acercarse y conectar con la vida. El ritmo, el movimiento de la vida puede ser representado por los animales.
Blue is the male principle, astringent and spiritual.
Yellow the female principle, gentle, gay and spiritual. Red is matter, brutal and heavy and always the colour to be opposed and overcome by the other two.
(El azul es el principio masculino, astringente y espiritual. El amarillo es el principio femenino, suave, alegre y espiritual. El rojo es material, brutal y pesado y siempre el color que es opuesto y vencido por los otros dos.) Franz Marc, 1910.
En 1908, antes de estas pinturas, escribió: I am trying to intensify my feeling for the organic rhythm of all things, to achieve pantheistic empathy with the throbbing and flowing of nature’s bloodstream in trees, in animals, in the air.
(Estoy tratando de intensificar mi sentimiento por el ritmo orgánico de todas las cosas, para lograr la empatía panteísta con el latido y el fluir de la corriente sanguínea de la naturaleza en los árboles, en los animales, en el aire.) Franz Marc, 1908.
El panteísmo es una tendencia en que se ve a Dios en la naturaleza, por lo tanto es la idea de capturar la vida a través del panteísmo.
Es un sentimiento romántico en término del Romanticismo, como Friedrich, quien veía en el paisaje la creación de Dios.
Caballo en un paisaje En esta obra se ve a un caballo pintado de una forma muy simple pero podemos ver cómo controla la anatomía del caballo, lo que no es fácil.
Desde este punto de vista, estamos detrás de él, y el caballo está mirando al paisaje por lo que está en nuestra misma posición.
MARC, Franz. Caballo en un paisaje. 1910.
Óleo sobre lienzo.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 36 Expresionismo alemán Utiliza colores arbitrarios del Fovismo: paisaje amarillo, pelo azul del caballo.
El paisaje se compone a partir de grandes áreas de colores planos, creando ondas que también se ven en la anatomía del caballo, por lo que se complementan e integran a partir del color y la forma. Pertenecen a la naturaleza.
Esta forma naturalista desaparece pronto.
Pequeño caballo azul Sigue el Simbolismo porque es una imagen que recuerda a un sueño.
Son colores pálidos con atmosfera propia, no son colores sólidos, como sí pasa en la obra anterior. En esta obra el color es más lumínico, no material, lo que da la idea de un sueño, imaginación.
El caballo está como flotando en el aire, por lo que cambia al Simbolismo, relacionado con sus investigaciones ya que intenta ver el mundo con los ojos de un animal.
Franz escribió un texto llamado How does a horse see the worl? (¿Cómo ve un caballo el mundo?): Is there a more mysterious idea for the artist than the conception of how nature may be mirrored in the eyes of an animal? How does a horse see the world, how does an eagle, a deer or a dog? How poor and how soulless is our convention of placing animals in a landscape familiar to our own eyes rather than transporting ourselves into the soul of the animal in order to imagine his perception? (¿Hay una idea más misteriosa para el artista que la concepción de cómo la naturaleza puede ser reflejada en los ojos de un animal? ¿De qué manera ve el mundo un caballo, un águila, un ciervo o un perro? ¿Qué pobre alma y cómo es nuestra convención de colocar a los animales en un paisaje familiar a nuestros propios ojos en lugar de transportarnos a nosotros mismos al alma del animal con el fin de imaginar su percepción?) MARC, Franz. Pequeño caballo azul. 1911.
Óleo sobre lienzo.
Es una obra similar a Matisse en La danza pero buscando la interpretación de los animales.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) Expresionismo alemán Dos gatos 37 Marc desarrolló su propia teoría del color, diferente a la de Kandinsky: Blue is the male principle, astringent and spiritual.
Yellow the female principle, gentle, gay and spiritual. Red is matter, brutal and heavy and always the colour to be opposed and overcome by the other two.
(El azul es el principio masculino, astringente y espiritual. El amarillo es el principio femenino, suave, alegre y espiritual. El rojo es material, brutal y pesado y siempre el color que es opuesto y vencido por los otros dos.) Franz Marc, 1910.
Podemos ver una referencia a la vida de los gatos, quienes suelen vivir con humanos, por lo tanto es una referencia a una casa (la cual aparece en el fondo).
La relación entre masculino y femenino es más espontánea y libre que entre hombre y mujer.
En esta obra el gato está expandido, estirando las piernas, puesto que quiere llamar la atención de la gata.
Puede estar lamiéndose.
La gata, sin embargo, está centrada en el mundo y más encogida.
Las formas, como en la del caballo, son complementarias con un estudio de las líneas, el balance.
Hay alguna decoración: una planta, una casa.
MARC, Franz. Dos gatos. 1912.
Óleo sobre lienzo, 74 x 98 cm.
Kunstmuseum Basel, Basel, Suiza.
La luz y el color forman una atmosfera vista por los gatos.
El destino de los animales (los árboles muestran sus anillos, los animales sus venas) El mundo lírico de los animales está amenazado por del desastre, por ello, a la vez que Kandinsky pintaba Improvisación: Diluvio, Marc pintaba esta idea de desastre, de juicio final pero desde el punto de vista animal.
A la izquierda están los lobos acechando, aullando; y desde la derecha hacia el centro tenemos un gran árbol cayendo, por lo que los lobos tratan de escapar.
Las diferentes líneas muestran y representan el desastre, como si fuese un terremoto que acabará con todo.
Rocío García Egea Universidad de Barcelona 2015 – 2016 Historia del arte de las Vanguardias (1905 – 1960) 38 Expresionismo alemán Podemos ver algunos elementos cubistas, como los lobos.
En este momento Marc ya tenía conocimiento del Cubismo parisino por lo que se ve su influencia, pero de una forma muy personal.
Otro elemento curioso es el ver que el árbol está sangrando, como símil de la naturaleza que está siendo destruida por algo terrible.
En el fondo del lienzo, Marc escribió una frase de un poema budista: And all existence is flames of suffering (Y toda existencia son llamas de sufrimiento).
MARC, Franz. El destino de los animales (los árboles muestran sus anillos, los animales sus venas). 1913.
Óleo sobre lienzo.
Ciervo en el bosque II Parte de lo mismo que las obras anteriores en cuanto a lo masculino y lo femenino.
El rojo es la hembra y el amarillo el macho, cambiando los colores en esta obra.
Están en el bosque esperando a que ocurra algo.
Tiene una influencia obvia del Cubismo.
MARC, Franz. Ciervo en el bosque II. 1914.
Óleo sobre lienzo, 110 x 100,5 cm.
Staatliche Kunsthalle, Karlsruhe, Alemania.
Formas de lucha Tiene influencia de Kandinsky, ya que trabajaron juntos.
Recuerda a la de Kandinsky, Imagen con un arco negro, y se ve la clara confrontación entre ambas formas.
Es una de sus últimas obras, puesto que Marc murió en la guerra.
Rocío García Egea MARC, Franz. Formas de lucha. 1914.
Óleo sobre lienzo, 91 x 131 cm.
Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Múnich, Alemania.
Universidad de Barcelona 2015 – 2016 ...