Art Contemprani (2) (2013)

Apunte Español
Universidad Universidad Autónoma de Barcelona (UAB)
Grado Comunicación Audiovisual - 1º curso
Asignatura Art Contemprani
Año del apunte 2013
Páginas 33
Fecha de subida 10/12/2014
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Profesor: Jaime Vidal

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2n parcial ART CONTEMPORANI EXPOSICIONES POLLOCK 1 2 Punto de partida - Joan Miró: Despertando al amanecer (1944) 1 - André Masson: Meditation sur une femille de chene (1942) 2 - Esta generación de artistas no podía aceptar ciertas obras como arte:  Salvador Dalí: Dibujo automático (1927) 3 se dice que la pintó mientras se masturbaba  hacen fluir el arte sin ninguna restricción moral 3 Pollock - Trabajaba sin ninguna idea previa y sin saber lo que hacía.
- Empezaba a entender sus obras cuando ya las había empezado.
- Obras abiertas.
- Explosión de energía.
- El arte contemporáneo tiene una traducción un brillo argumental. El punto de partida de Pollock es una noción, la noción del azar. La escritura era un elemento para hacer emerger sentimientos interiores.
Explosión!: El legado de Pollock - Hipótesis: Origen y desarrollo de prácticas artísticas más allá de la pintura y los procedimientos tradicionales.
- Automatismo:  Jung  “Medium”  Liberación de mundo subterráneos  arte trascendente - Nuevos procedimientos:  “Dripping”  Procedimientos espontáneos  Azar, accidente - Substitución del pincel (cosmovisión del mundo y del arte) por otros valores:  Acción  Experiencia Itinerario no cronológico  asociaciones  Límites? - EL PARALELO 1894 – 1939 Exposición - Descubrimiento / intuición de un caudal cultural que hasta ahora pasaba desapercibido  el Paralelo; concentración de locales y servicios dedicados al ocio  Barcelona  condiciones del desarrollo de la cultura de masas o Gran centro industrial o Gran puerto - Vertiente marginada:  Discurso de construcción nacional basada especialmente en la lengua  Supremacía de la alta cultura frente a la cultura de masas  Sebastià Gasch (excepción) - Diálogo entre la alta y la baja cultura.
- ¿Qué nos cuenta exactamente la exposición?  Exposición caudalosa  El fetichismo y la fascinación del documento se sobrepone a cualquier otro discurso  Nostalgia / melancolía / ruinas modernas / imaginario FUTURISMO CRONOLOGÍA 1909  fundación y manifiesto del futurismo 1909 – 1918  primer periodo 1918 – años 30  segundo periodo FUTURISMO - Pretende penetrar en el secreto de la materia.
- El futuro como utopía:  Estética industrial  velocidad, dinamismo  realidad simbólica  arte metafísico  Rechazo al pasado y a la tradición  Implica la negación sistemática del pasado y una utopía el futuro que ha de regenerar la sociedad. La velocidad, la ciudad industrial. El futuro como un deseo de avanzar, que se implica con la acción hacía e horizonte intuido y cuando se ha llegado aparece uno nuevo, de ahí que el futurismo no se pueda definir. El deseo que nunca se alcanza. Filosofía pragmática y culto a la acción. El futurismo no puede definirse como estilo porque implica un movimiento constante hacia este futuro. Actitud, proceso.
- El futuro como deseo/acción o Futurismo como proceso de renovación permanente o Imposibilidad de definir el futurismo como un estilo - Creación de un hombre nuevo - Investigación sobre una realidad trascendente - Origen: simbolismo  Movimiento que en una primera aproximación como una suerte de neoromanticismo. Es muy importante y para las vanguardias también porque rompe con la idea de reproducción estricta del mundo de las apariencias.
- La difusión: manifiestos y “serate”:  Antologías de manifiestos  Pretenden provocar  utilización provocativa de los manifiestos  provocación como forma de promoción  Lucha sindical  Las “serate” acababan a puñetazos con el público e incluso con la policía  Clima de agresividad y violencia  Están inspirados en la lucha sindical. Son textos platónicos que no pretenden el diálogo, sino imponer su punto de vista, provocar.
 Estrategias de lucha sindical.
 Marinetti los utilizó de forma peyorativa y para él hay 2 ciudades negras: Roma y Venecia. Él es el líder del futurismo y un intelectual como actor.
SERATE: Veladas que se realizaban en teatros donde se reclamaban poesías y se discutía sobre el futurismo con el público.
   Se desarrollaban en un clima de una particular violencia, hecho destacable.
Acababan a puñetazos con la policia y con el público. La provocación formaba parte de la maquinaria de promoción futurista.
Marinetti fue un agitador cultural. Es uno de los primeros en utilizar los medios de comunicación y en desarrollar comportamientos histriónicos para difundir el mensaje futurista. Prestará mucha atención a la radio, al teléfono o a la oratoria.
- Nuevo tipo de intelectual que se transforma en actor  véase Marinetti - Futurismo y política:  Para Marinetti, el arte ha de tener protagonismo en la sociedad y por eso se vincula con la política  él escribió manifiestos políticos  El arte es patrimonio común. Esta dimensión política se acelera a partir de la Primera Guerra Mundial, cuando Marinetti afirma: ”Un movimiento artístico se convierte en un movimiento político”.
 1919: Participa de una manera muy activa en el primer congreso fascista (posición de extrema izquierda).
 1920: El 1920 se organiza el segundo congreso y gira hacia la extrema derecha, abandonando el fascismo.
 1923 – 1924: Cuando el fascismo representa una fuerza reaccionaria y con valores opuestos al futurismo.
Hay un pacto entre los sectores fascista y Marinetti. Voluntad de supervivencia y aglutina al vieja guardia con los valores que tenía Marinetti. Nunca el futurismo fue la estética cultual del fascismo, vivió de espaldas.
Perdura hasta los años 30 con otras experiencias de vanguardia.
- Elogio a la violencia  Marinetti (máximo representante del movimiento) erotiza la guerra  Guerra como liberación, creación de un hombre nuevo. Erotización de la guerra, estallido de energía, fascinación por os artefactos. Marinetti. Páginas negras del futurismo difícilmente justificable.
- Futurismo en Italia  proyecto de modernidad  Difusión internación del futurismo. Es una problemática italiana. Sentimiento de haber perdido la capitalidad cultural. Conquista de esta capitalidad y regeneración cultural. Marinetti emprendió una campaña de promoción internacional que sólo arraigó en Rusia con ciertas similitudes a la problemática italiana.
* El futurismo quiere integrar valores. Se interesa por la velocidad, pretende penetrar el texto de la materia.
Dinamismo es para los futuristas una realidad muy simbólica que los ojos no alcanzan a captar. Es un arte metafísico el futurismo, más allá de lo tangible para profundizar en lo invisible.
- Odilon REDON  Imagen que ayuda a ver el simbolismo. Ojo que se eleva que posee una perspectiva des de lo alto des de lo celeste. No es una percepción mecánica que reproduce miméticamente el mundo de las apariencias, sino desde otra perspectiva.
- Las palabras en libertad:  Forma poética  Tras ellas hay una revolución tipográfica  Se rompe la disciplina del libro impreso  nueva forma muy creativa de trabajar  Stéphan Mallarmé (1842-1898) o Apuesta por el verso libre. Trabaja con los vacios diferentes tipos de tipografía, diferentes tamaños de letra, A la búsqueda de una expresión. Esta propuesta rompe con la disciplina métrica aporta una nueva expresividad.
o Relación con Marinetti  desarrollar una nueva expresión que lo llevan a las palabras en libertad.
o La página de poesía se organiza según el objeto visual, la página adquiere una dimensión visual.
Introducción también de una dimensión sonora (onomatopeyas). Hecha para leerse en público.
o Un aspecto que subraya es la lectura polifónica, no se somete a la lectura lineal tradicional, sino que va siguiendo varios estímulos. Se trata de superar los límites de la poesía tradicional. Que para Marinetii la poesía tradicional es insuficiente para mostrar el hombre del siglo XX. Ampliar el registro de la literatura, deja de ser un artefacto estrictamente lingüístico para mostrare en otras direcciones.
o La imprenta es paralela a la perspectiva, la letra se utiliza de una manera muy creativa.
 Reflexión sobre la forma poética y el verbo libre  Superación de la limitación de la poesía tradicional o La página según un criterio visual o Introducción a la dimensión sonora  Proceso de investigación o Postimpresionismo, expresionismo o Investigaciones sobre el dinamismo o V. Boccioni  visiones simultáneas  Las palabras en libertad tuvieron una gran proyección en toda Europa y encontramos ejemplos que siguen el modelo de Marinetti o Giacomo Balla  formas dinámicas abstractas o Guillaume Apollinaire --Z Realizaciones inspiradas en Marnetti, nombradas caligramas.
Dimensión figurativa, cosas que existen en el mundo visible. En cambio, para Marinetti las palabras flotan en el fondo de la página.
- Pintura futurista:  Proceso de investigación o Postimpresionismo / expresionismo  Estos artistas quieren ser modernos pero no poseen un lenguaje propio y se dirigen a estos dos movimientos de donde extraen su propio lenguaje o Investigaciones sobre el dinamismo  Sinónimo de velocidad, de energía. Busca explorar más allá de los sentidos de lo físico.
 Metafísica. Intentan explorar el movimiento inspirándose en la cronofotografía.
 Luigi Russolo o “Dinamismo de un automóvil” (1912) 1 o “La revuelta” (1911) 2  las formas abstractas representan una tensión o “Autorretrato con cráneos” (1910) 3   Umberto Boccioni o “Visiones simultáneas” 4  Simultaneidad. Sensación, memoria y percepción. El futurismo aporta las visiones simultáneas. La imagen fusiona esos puntos de vista liberados de la lógica.
Puzle que integra diferentes tipos de percepción. El contraste de colores busca la asimilación del lenguaje de las palabras en libertad. Simbolismo significa imaginación, un concepto de arte más allá.
o “La ciudad se levanta” 5 Giacomo Balla o “Compenetración iridiscente” 6 (1912-14)  Motivar la sensación de movimiento a través de los contrastes de colores y la yuxtaposición de formas que causen sensación visual de movimiento.
Se canalizará hacia el diseño y la publicidad. Diseño de la indumentaria, el mueble, el 3 cardenismo.
4 1 2 5 6 Sorgit al 1909 pel poeta Filippo Marinetti, es tracta d'un moviment que mira cap al futur, projecta les seves esperances i anhels al futur. El crític i difusor del cubisme Apollinaire, va criticar els italians i el seu provincianisme.
Característiques            Filosofia de l'alliberació (influències de Nietzsche). Entén el món des de la bogeria i la irracionalitat, perquè també formen part de l'home. Intenta ampliar la noció del ser fins a reconstruir l'home.
Influències del Romanticisme (supravaloració de l'art i l'artista, noció de llibertat,... tots radicalitzats).
Desenvolupa una recerca més enllà de la matèria, creuen en un món més enllà de les aparences.
Busquen captar el dinamisme, el moment que hi ha entre dos moviments. Això l'associa a les màquines, i d'aquí a la indústria, però també al moviment intern de la matèria (moviment universal) → moviment dins el moviment, moment dins el moment.
Es publicaran un munt de manifestos, donant lloc a antologies dels manifestos futuristes. Tractaven sobre la dona, el teatre, el menjar,... això es deu a l'ambició d'una avantguarda que fos present en tots els àmbits de la societat.
Aquests manifestos estan inspirats en la lluita sindical obrera, de caràcter agressiu i amb voluntat de cohesió, però sense voler fer reflexionar o crear un pont entre artista i espectador. Roma i Venècia eren les ciutats més odiades pels futuristes, perquè representaven el passat, i eren les que rebien més campanyes de manifestos.
“Serate” → Vetllades que s'organitzaven en teatres, on es llegien manifestos, es contestaven les crítiques del públic,... tot enmig d'un ambient tens i violent (totes havien d'acabar en baralles). L'ús de la violència i la provocació els dotava de ressonància.
No és només una escola d'art, sinó que pretén transformar la societat; al 1913 es publica el Programa Polític Futurista (igualtat de treball entre home i dona, amor lliure,...). Importància de la violència i la guerra, és un art d'acció (Depero, autorretrat de violència on es dóna un cop de puny a l'espectador). Entenen aquests dos elements com una purificació, necessari per la construcció del nou home.
Fonamentalment, va tenir lloc a Itàlia, on la modernització va tenir lloc més tard, i de caràcter futurista. Pretenien retornar allà la capitalitat cultural, que era en aquells moments de París, i per això van llançar una campanya a nivell internacional, tot i que amb poc èxit, excepte a Rússia, país perifèric amb afany de modernitat.
Paraules en llibertat: Aquesta poesia suposarà una revolució tipogràfica, usa la creativitat en el vers, vol ampliar la expressivitat i buscar un nou llenguatge que permeti buscar la sensibilitat de l'home contemporani i superar la poesia tradicional → aposta pel vers lliure. Incorpora un nou concepte de pàgina, que esdevé, amb les paraules, una imatge, i inventa un alfabet fonètic, que representen els sons, i incorporarà onomatopeies. Estableix un nou model de lectura, no lineal, polifònica, sense disciplina (Synthetisches, de Malerei, tot i no ser futurista, transforma la literatura amb imatge i so).
Apollinaire, crític amb el futurisme, va inventar els cal·ligrames, iguals però amb més dimensió figurativa.
Mai van desenvolupar un estil propi, sinó que hi va haver fases, processos i etapes; no existeix el llenguatge futurista.
Cronologia S'inicia al 1909 amb el Manifest Futurista, de Filippo Marinetti. Inicialment, neix com un moviment literari.
Va ser un moviment que va participar activament en política. Produirà una quantitat important de publicacions (revistes, diaris). Es divideix en dues etapes; una primera que va des de la data anomenada fins a la Primera Guerra Mundial, i una segona, que arriba fins als anys 30, que es projecta en publicitat i disseny. Va haver-hi dues fases d'investigació artística: una primera de 1909 fins a 1911 i una segona de 1911 fins a 1914. A partir de 1911, exposen obres a París i Londres, i coneixen el cubisme. Les 3 tècniques d'exploració es trenquen (VEURE RUSSOLO) La llegenda negra del futurisme: en la Segona Guerra Mundial, els futuristes i altres grups minoritaris representaran els sectors antiparlamentaris, antiburgesos, anarquistes,... i van contribuir al mateix temps a l'aparició del feixisme i el comunisme. Marinetti proposa una esquerra radical i al 1919 participa en els primers Fascios di Combatimento. Al 2n congrés, es separarà del feixisme perquè es posiciona com a moviment de dretes. Cap a 1923-24, el feixisme es consolida com a força política i reaccionària, i adopta valors com la jerarquització i tradició, oposats al futurisme, però curiosament s'estableix una aliança entre ambdós moviments, nascuda de la necessitat dels dos: per Marinetti, era una qüestió de supervivència; pel feixisme, de la necessitat d'identificar-se amb els símbols originaris al programa futurista i d'aglutinar la vella guàrdia.
Personatges El Futurisme aglutinava molts llenguatges en una mateixa avantguarda; el seu objectiu era incorporar-se en la vida quotidiana. La gran majoria d'artistes pictòrics provenien d'ambients acadèmics.
- Filippo Marinetti: Fundador del Futurisme, llarga trajectòria com a poeta simbolista i decadent (art de l'evocació i la suggestió, pròxim al Romanticisme). Radicalitza els principis romàntics. Respon a una nova tipologia d'artista que a partir dels futuristes esdevindrà més comú: no només ha de donar conferències i escriure articles sinó que ha de ser un actor, serà dels primers en dirigir-se cap a la massa urbana.
Políticament, es situaria dins una espècie d'anarquisme. La guerra, per Marinetti, és “un espectacle pels sentits”, i el va inspirar per crear una nova forma poètica, les paraules en llibertat, capaces d'expressar situacions límit. Va tenir la necessitat d'ampliar la noció de llibre, que tenia els seus límits però va ampliar les nocions de literatura, ja que tenia una dimensió tàctil (metàl·lic), auditiu (el soroll al passar les pàgines) i olfactives (es va imprimir amb una tinta perfumada).
- L. Rusolo: Pertanyent a la primera fase d'investigació artística, va ser un artista receptiu de Marinetti, que el va estimular a la recerca d'una nova pintura. Entre les seves obres destaca El Perfum, on el contrast entre colors és equiparable a la llibertat de la paraula, i La Vaga, amb formes abstractes i dinàmiques.
S'incorporen investigacions de la cronofotografia en l'obra de G. Balla.
- Boccioni: Visions Simultànies DADAÍSMO 1916 – 1920 Zurich, Nueva York, Berlín, París y Barcelona (de forma fugaz) - Presenta muchas complicaciones:  El dadaísmo contempla visones diversas, en la que la visión de obra de arte es muy diversa. La actitud tiene más pero que el objeto de arte. Particular dificultad porque consisten actitudes muy diversas difíciles de someter a un denominador común.
- Surge en el contexto de la Primera Guerra Mundial.
- No es un estilo formal.
- Hay varios centros.
- Negación de la cultura tradicional para la creación de un hombre nuevo:  En sintonía con las necesidades del hombre, que ha corrompido la civilización es necesario recuperarlo.
Intención moral de regeneración. Romper con la vieja y corrompida cultura para renacer de sus cenizas.
- Posición anti-arte y anti-cultura:  Para los dadaístas el futurismo no significa ninguna cultura verdadera.
 En términos generales, el nihilismo no significa una negación por la negación. La cultura occidental ha llevado a la guerra. En consecuencia es necesario negar la civilización y la cultura.
 El objetivo del dadaísmo es la construcción de un hombre nuevo. Busca un estado del hombre en el que pueda desarrollarse el mismo según un estado original. La cultura tradicional supone un estado de corrupción. El dadaísmo es un proyecto de liberación que pasa con la libertad absoluta. El dadaísta intenta manipular lo mínimo posible los elementos de la vida cuotidiana. Anula la manipulación. Utiliza tres procedimientos.
- Provocación.
- Anulación de la manipulación y mediaciones culturales y estéticas.
 Fotomontaje o Utiliza material de la prensa gráfica ilustrada y manipula las fotografías originales con la técnica del collage. La fotografía original se transforma completamente.
o Surgió en Berlín en el término de la Primera Guerra Mundial.
o Cualquier manipulación sobre una fotografía original.
 Collage o Kurt Schwitters – “ Pintura Merz 25: Estrella” (1920) / Nueva pintura Merz (1931) o Se inspira en Picasso.
o Utiliza materiales de desecho, hace obras de arte con las ruinas de la civilización.
o A diferencia de Picasso que pegaba los papeles el clava con clavos.
o No se le considera como un auténtico dadaísta.
 Ready Made o El objeto ya hecho, ya fabricado. Objeto de la vida cotidiana desplazado de su lugar habitual.
o Duchamp: Los inicios de Duchamp son la ilustración. “La fuente” (Urinario). Especie de chiste. Al final se acabó vinculando a los círculos cubistas. Nos enseña el mecanismo a nosotros como espectadores ante el arte. Crea una distancia que nos hace ver objeto de una manera diferente.
La poesía utiliza un mecanismo parecido, introduce elementos de sorpresa que nos dejan boquiabiertos, introducir lo inesperado. Transgresión a esa cadena lineal y transparente. Nos sentimos en suspenso. Es un objeto bisexual.
o Entre esta obra “La fuente” de M.Duchamp (1917) y la de Caspar David Friedrich “Caminante sobre un mar de nubes” (1917-1818)  Es un espectador de la fuente, a priori ninguna de las dos significan nada.
Noción de obra abierta, esta obra está vacía y es el espectador el que ha de atribuirle un significado. El mar de niebla es un espejo para el espectador que tan solo responde a quien pregunta. Pieza que nos descubre el mecanismo de la percepción, el mecanismo de la metáfora. – un término importante en la posición anti-arte es la provocación –.
- Duchamp  “Desnudo bajando la escalera”: o Significaba una perversión del cubismo a los ojos de los compañeros. Inicia una reflexión sobre el significado del porqué de la pintura. El arte de pintar es algo mecánico. La pintura posee una dimensión que anula lo mecánico. En la pintura hay también una visión comercial que pervierte el contenido comercial de la pintura. Materialidad de la pintura. El acto de pintar no posee ninguna relación con la idea de la pintura. Desarrolla una evolución en la que desarrolla el pintar y la pintura.
 “Molinillo de chocolate”: o Los alambres no están pintados, sino incorporados directamente.
o Duchamp acabará por renunciar a la imitación, renunciará la forma artística hasta llegar al objeto puro.
o El proceso es capaz de transmitir la idea o concepto.
- El dadaísmo utiliza el escándalo como expresión cultural:  Francis Picabia – “Danse de Saint-Guy” (1919-20) 1  Francis Picabia – “La santa virgen” 2  Francis Picabia –“Retrato de Cézanne” (1920) 3 1 2 3 - Azar    El dadaísmo supone la incorporación del azar en la creación. Provocación, transgredir el sistema.
Aquello que parecía una broma tendrá grandes consecuencias.
Hans Arp: o “Collage con cuadrados dispuestos según las leyes del azar” (1916) o “La tumba de pájaros y mariposas” (Retrato de Tzara) (1916-17)  Superar la noción romántica del artista. Obras realmente abstractas, sin significados previos ni carácter espiritual. Ejes fundamentales del surrealismo, método para explorar las riquezas interiores. Actitud irreverente transgresora del sistema de las bellas artes.
o “Dada ne signifie rien”  Búsqueda de un lenguaje originario más allá de la lectura. Nos ayuda a entender el espíritu dadaísta.
Tristan Tzara: o “Manifiesto dadaísta” (1918) FOTOMONTAJE - - Dadaísmo en Berlín  Fotomontaje  Nuevo lenguaje o Oposición al sistema de Bellas Artes o Nuevas tecnologías o Nueva expresividad Se trabaja con material de la prensa gráfica en método de collage, aunque toda manipulación pictórica y de laboratorio se puede considera fotomontaje.
- Empezaron a manipular fotografías que extraían de la prensa ilustrada con tijeras. Se sorprendían de cómo podían modificar una obra con solo unas tijeras. Ellos, próximos a una posición anarquista de la vida, entendían que el collage se oponía al sistema de las bellas artes. En primer lugar, el fotomontaje implicaba las nuevas tecnologías, trabajaban en la pintura problemas de la vida cotidiana, decían que se sentían muy lejanos a aquel discurso escapista de la pintura, encerrada en sí misma, al margen de la dinámica social.
- Además, el fotomontaje daba la posibilidad de reproducción en el medio de comunicación: se oponía al concepto de obra única. Se oponen al sistema de Bellas Artes, no se consideran artistas que crean, sino trabajadores que producen.
- Las nuevas tecnologías son uno de los elementos que provocan la oposición a las bellas artes.
- Hacen un nuevo lenguaje: el fotomontaje aporta una forma de expresividad. Hay diferentes maneras de concebirla. Hausmann, tiempo después de su vinculación con el dadaísmo, decía que el fotomontaje lo habían concebido como una especie de film estático. Porque implicaba fotografía, mensaje, tipografía. Entendían que el fotomontaje aportaba algo diferente al mundo de la pintura.
- Alguno de estos componentes eran personas socialmente implicadas, politizadas, que estaban buscando un nuevo lenguaje para pasar el lenguaje revolucionario y encontraron en el fotomontaje nuevas posibilidades.
- - Nueva expresividad  Paul Hausman (1886-1971)  John Heartfield (1891-1968)  autor destacado o El fotomontaje como propaganda o Simplificación y clasificación del lenguaje o Fotomontaje = Propaganda - Simplificación y clarificación del lenguaje - El collage, según ellos, se oponía al sistema de las bellas artes. El fotomontaje significaba una nueva forma de arte. Se sentían muy lejanos a aquel discurso escapista de la pintura encerrada en sí misma, como a margen de la dinámica social. Material de la prensa ilustrada. El fotomontaje implicaba la copia, rompía con el significado de obra única. Para estos dadaístas el fotomontaje se opone el sistema de las bellas artes, oposición al sistema. Esta oposición está justificada con las nuevas tecnologías, prensa ilustrada que les acerca las nuevas tecnologías, el fotomontaje a ser reproducido por medios mecánicos. El fotomontaje aporta una nueva expresividad. Hausmann el fotomontaje como una especie de film estático, implicaba fotografía, mensaje, tipografía. Entendían que aportaba algo diferente al mundo de la pintura. Eran personas que estaban buscando un nuevo lenguaje para pasar el lenguaje revolucionario y en el fotomontaje encontrado la manera de enriquecer su combate, su batalla, ya que aportaba otras sensaciones más allá de la pintura cotidiana.
- Los fotomontajistas no se consideran artistas.
- Creían que el fotomontaje aportaba algo nuevo al mundo de la pintura.
- Raoul Hausmann – “Tatlin”  Tatlin creador vinculado a la vanguardia rusa, Hausmann quería hacer un homenaje a ese creador. El fondo está pintado y pegó unas imágenes de una manera totalmente espontánea. Para completar la imagen acabó por incorporar otros elementos para completar la imagen.
 Tatlin. Homeaje al creador. El fondo está pintado. Sobre esta superficie, explica Hausmann, pegó unas imágenes de una manera espontánea. Tatlin está pegado en la máquina. Hausmann asoció el artefacto a la figura que realizó en una revista americana. Para completar la imagen, de una manera totalmente espontánea, acabó por incorporar otros elementos.
- Raoul Hausmann – “ABCD”  La obra se articula por acumulación de elementos. Autorretrato de Hausmann al que se le asocian elementos de su entorno, mención a Mertz, creador que trababa con el collage. Hay elementos del entorno. Mención de ABCD que da título a la obra es el nombre de un poema dadaísta. Con esa poesía se traba de recuperar un lenguaje antes del lenguaje cuando no se había visualizado por la sociedad. El poema con la obra lo dirige al universo. Tipo de imagen acumulativa. Composición enrarezida (no hay centros, pesos, visuales, la imagen se articula con la acumulación de elementos. En esa pieza hay una particular acumulación de elementos muy diversos. Es un autoretrato de Hausmann al que se le asocian elementos de su entorno (Merz, creador que trabajaba con el collage). ABCD es un poema dadaísta. Los dadaístas practicaban un tipo de poesía que consistía en declamar sílabas, letras, que de alguna manera tenemos que interpretar de forma metafórica, porque con esa poesía se trataba de recuperar un lenguaje como antes del lenguaje.
- John Heartfield  Acumulación de elementos diversos, composición articulada con la simple acumulación de elementos. Él es uno de los miembros del partido comunista Alemán, con el paso del tiempo decía que hará un paso muy importante, dará consciencia de la necesidad de clarificar el fotomontaje para pasar el mensaje revolucionario. Toma consciencia que si quiere dirigirse a la masas requiere un lenguaje simple, claro, directo y eficaz. Acabará por crear con el fotomontaje un nuevo modelo de imagen.
 El público de los años treinta identificaba fotografía con realidad, así que viendo estás imágenes se impresionaba. Se utilizaba como instrumento de propaganda, ya que hacia reflexionar al espectador.
- John Heartfield – “Hitler come oro y echa chatarra”  Lo primero que el espectador medio de la calle percibía era una imagen que le sorprendía. Luego, entendía el mecanismo, pero el fotomontaje podía ser un instrumento de propaganda porque el espectador era motivado para reflexionar.
Heartfield utilizaba cualquier tipo de fotografía para hacer su fotomontaje, a propósito, y cualquier medio era bueno para manipular las fotografías.
- John Heartfield – Portada de la revista AIZ (Partido comunista Alemán)  Pacto entre fascistas y nazis. “A ti te pertenece el puñal porque nos has ganado en nombre de asesinatos”, le dice el fascista al nazi.
 Se ironiza con el saludo nazi.
 Congreso por la paz. Con bombas se simula un templo.
- John Heartfield – Blut and eisen  Ejemplifica la frase de “Sangre y hierro”, el ideal nazi.
Moviment avanguardista sorgit a principis del segle XX, enmig de la II Guerra Mundial, dins el món del cabaret.
Característiques    Importància de l'atzar i la casualitat per a la creació artística (ready-made (v. “Duchamp”)) L'obra d'art no és important, sinó l'actitud rebel de l'artista Aparició del FOTOMUNTATGE: es coneixia com a fotomuntatge ajuntar diverses fotografies, cosa que feien només els artistes; l'altra manera quedava reservada als laboratoris de fotografia (doble impressió, radiogrames,...). Si bé el fotomuntatge és l'edició de fotos, podem dir que existeix des de l'inici. El fotomuntatge, començat a usar pels dadaistes (Hausmann, Heartfield) a Berlín, remetia a la tecnologia i s'oposava a la creació tradicional. També s'usa, com els ready-made, per combatir l'estil de les Belles Arts oficials. (Tatrin, primer fotomuntatge en honor a un avantguardista rus).
Autors - Tristan Tzara - Marcel Duchamp: a partir de la realització de l'obra Despullat baixant les escales molt criticada pels altres dadaistes, començarà un procés d'abandonament de la pintura, segons deia, “perquè nega l'expressió al ser material”, i desenvoluparà un estil molt més sobri: mostra d'aquest procés és Molinet de xocolata. La seva obra es pot considerar un procés de depuració, a través del qual trobarà el readymade (escultures, El Orinal), amb la qual l'artista no crea, sinó tria. Amb ell, volia adoptar una posició combativa contra l'estil establert de Belles Arts. Intentarà descontextualitzar les seves obres per donarlos-hi un sentit nou i observar-les d'una manera diferent.
- Hearthfield: Reconegut autor de fotomuntatges, qualsevol estratègia és vàlida per arribar al gran públic. És per això que l'usa com a instrument de propaganda i li dóna aparença de reportatge. (Adolf Hitler, el superhome, traga or i escup ferralla o El sentit del salut nazi) NEOPLASTICISMO - Piet Mondrain Georges Vantorgeloo Theo van Doesburg Gerrit Rietveld Bart van der Leck Movimiento que nace en Holanda el 1917 (en plena guerra europea) y se prolonga hacia el 1931, aproximadamente, y que gira en torno a un grupo formado por pintores:  Piet Mondrian (El pintor más destacado, teórico), Theo van Doesburg (Difundió el mensaje neoplasticista por Europa), Bart van der Leck, Georges Vantorgerloo, Gerrit Rietvert. Grupo plural entre el cual también había algunos escritores. Mondrian es el pintor más destacado, teórico y pintor. Doesburg también es teórico, es pintor (entre otras habilidades), pero su papel de promotor, difusor e impulsor es más importante (difundió el mensaje por Europa).
Teórica e influencias El término deriva de la expresión “nueva plástica” o “nueva imagen” (traducción “nieuwe beelding”), utilizada por M.H.J. Schoenmaekers en su libro La nueva imagen mundo (1915) Arteosofía, la nueva imagen del mundo.
Influencia del matemático M.H.JJ. Schoenmaekers (preeminencia cósmica de la ortogonalidad y de los colores primarios); de la filosofía racionalista de Baruch Spinoza Ethica ordine geométrico demonstrata, 1677) y del rigotismo y aniconismo puritano.
Libro La nueva imagen del mundo - M.H.J. Schoenmaekers (filósofo, matemático que ha escrito a la teosofía, corriente con tendencias espiritualistas, esotéricas, que intenta explicar el mundo a partir de ideas místicas y científicas). La teosofía fue muy importante para la historia del arte y la abstracción. Para él, el universo se explica a partir de unas líneas ortogonales (que se cortan en ángulo recto) y con colores primarios (rojo, azul y amarillo). El neoplasticismo se vincula a una tradición racionalista que arraigó en Holanda. Espinoza posee un libro que se titula Ética demostrada según el orden geométrico: hay un orden oculto, geométrico, bajo el mundo de las apariencias.
Otra de las referencias del Neoplasticismo es el puritanismo. Hay unas referencias artísticas: Cezanne y elaboraciones de la vanguardia (cubismo y Kandinsky) Van Gogh, arte aplicado, simbolismo.
Doesburg y Mondrian utilizaron la expresión de nueva imagen, que posteriormente fue traducida al francés como Neoplasticismo.
Referencias artísticas: Cézanne y elaboraciones de la vanguardia (cubismo y Kandinsky, Van Gogh, arte aplicado.
Medios de difusión Stijl (el Estilo): “expresión a-nacional, a-individualista y colectiva” superación de todos los estilos. Racionalidad y universalidad.
- Revista de Stijl (191): prefacions de 1917 y 1919 y manifiestos de 1918, 1929… - Los escritos teóricos de Mondrian (La nueva imagen de la pintura).
Para ellos, el estilo con mayúsculas que supera a todos los otros estilos, el nuevo estilo, sigue la expresión de una nueva época que se proyecta en el futuro de una sociedad liberada de la burguesía.
Belleza, orden, harmonía que se tiene que reflejar en una imagen anti subjetiva, capaz de traducir la belleza pura e inmaculada, un lenguaje abstracto. Lenguaje simple, pero de una gran eficacia.
DE STIJL = “EL ESTILO”: LENGUAJE RACIONAL Y UNIVERSAL Piet Mondrian – “Composición amarillo, negro, azul, rojo y gris” (1921) Metáfora de un orden universal, supraindividual que va más allá de lo contingente.
Proyectar el ideal racional y universal. El objetivo es proyectarlo en la arquitectura y en el diseño, en la vida cotidiana. Que hubiera una continuidad lógica entre las creaciones plásticas y la vida cotidiana.
Universo neoplástico supera los límites de la pintura, ha de prolongarse más allá de esos límites.
Expander los límites de la pintura. Ideal neoplástico de proyectarse en la vida cotidiana, sentido de orden y de armonía. Lenguaje adecuado para la industria. Evita los ejes d simetría.
ARQUITECTURA NEOPLASTICA -GERRIT RIETVERD: Casa Schröder, Utrecht (1924) Se rompe con los ejes simétricos y estáticos, rompe esa caja de zapatos arquitectónica. Rompe también con la simetría habitual.
DISEÑO NEOPLÁSTICO -GERRIT RIETVELD: Silla rojiza (1918-23) y lámpara colgante Diseño neoplástico. Proyectarse en la vida cotidiana. Orden, harmonía… Entusiastas de la industrialización de la máquina. En principio, el Neoclasicismo se podía entender como un lenguaje adecuado para la industria. Las cadenas (líneas) de producción, forma de organización de trabajo para ahorrar tiempo y eficacia consisten en ensamblar componentes y tienen una exigencia, se tienen que simplificar las obras. El lenguaje neoplasticista parecía adecuado a las exigencias que exigía la mecanización.
Bien, lo que pasa es que una cosa son los ideales, eh? Es el orden de la metáfora, la pintura de una cosa, es el orden de la arquitectura y del y del diseño. Ejejejejem.. La relación entre los pintores y los arquitectos siempre fue tensa. El neoplasticismo evita los ejes de simetría. Esta es una obra simétrica, pero esta lámpara y otros ejemplos evitan la simetría.
ETAPAS - 1 1917-1921: Etapa de formación.
     Influencias cubistas, partiendo de las referencias figurativas se camina progresivamente hacia la abstracción.
Vincent Van Gogh – “El sembrador” (1889-1890) 1 Paul Cézanne – “Jugadores de cartas” (1892-95) 2 Mondrian y Van Doesburg, utilizaban un lenguaje en común, una misma técnica de composición.
Bart Van der Leck: o Van der Leck había trabajado en el mundo de la publicidad y en la puntura incorpora esta fórmula más propia del mundo del carterismo. Pintura de perfiles netos, de colores amarillo, rojo y azul.
o Composición nº3 o Estudios reparatorios y ecomposición nº (tríptico de la mina), 1918.
o Tres fases hasta llegar a la pieza definitiva.
2 Van der Leck no se consideraba un pintor abstracto, porque su obra es el resultado del estudios e una imagen figurativa. Tomó distancias con el neoplasticismo (fue el primero en marcharse, no firmó los manifiestos…) y aportó mucho al neoplasticismo porque utiliza un método de simplificación y colores que darán lugar al neoplasticismo. El trabajo de depuración hasta llegar a la obra definitiva.
 - Van Doesburg: o “Estudios preparatorios y Gran Pastoral”, depuración de una obra de Van Gogh.
o “Abstracción de una vaca. Cuatro estadios”. “Ritmo de danza rusa”.
1921-1925: Etapa clásica.
 Composiciones ortogonales de colores primarios, experimentación con los formatos, abstracción.
 Articulan el lenguaje característico del neoplasticismo, composiciones ortogonales, de líneas negras y el uso de planos rojos, amarillos, azules sobre fondo blanco y gris.
 Obra: “Composición” y “Rombo con azul, amarillo y rojo”, Mondrian: usa los colores primarios y los nocolores (blanco, negro y gris). Utiliza formas muy elementales. Rompe la simetría y los elementos centralizados. Estas dos obras operan como balanza entre opuestos, en definitiva, entre planos de color que poseen diferente atracción visual. Estas obras requieren ser pensadas y trabajadas minuciosamente, ya que Mondrian busca un equilibrio de planos y que cada color trabaje de una manera diferente, de distintos estímulos.
 Mondrian y Van Doesburg: o Trabajan de manera similar porque buscaban un arte universal, de ahí a que se esforzaran en articular un lenguaje en común.
- 1925-1931: Etapa de transformación y disolución.
  El neoplasticismo se disuelve. Solo Mondrian continúa con su discurso.
Theo van Doesburg – “Contracomposición V” (1924) o Línea inclinada significaba transgresión, se asocia en principio a algo dinámico.
El neoplasticismo tiene vocación de eterno, fijo. Idea de perspectiva de espacio ilusionista. A partir de aquí Mondrian y Doesburg entran en conflicto.
o Introduce la línea inclinada, que significa transgresión en el contexto histórico rígido. Esta línea se asocia a algo dinámico, algo rompedor, porque el Neolpasticismo es muy rígido, geométrico. Según Mondrian, la línea inclinada es la idea de perspectiva, espacio ilusionista. Con esto, Mondrian y Van Doesburg se distanciaran.
PIET MONDRIAN (1872 – 1944) - - - - Primera etapa: (hasta 1914) Formación: influencias simbolistas y cubistas. Obras: El árbol cojo, el árbol gris, El manzano en flor Segunda etapa: (1914-1917). Abstracción. Obras: composición con líneas (1917) etapa neoplástica (19171931). Cuando estalla la IGM, Mondrian vuelve a Holanda y entra en contacto con el anterior matemático.
Este encuentro es importante, ya que a partir de este, el artista trabajará la abstracción.
Tercera etapa: Fase oceánica. Obra: “Composición con líneas”: hacen pensar con rasgos naturalistas, los signos negros verticales y horizontales dan entender el movimiento del mar. Son obras totalmente abstractas.
Cuarta etapa: Clásica. Neoplasticismo puro. Utiliza el formato horizontal y romboide. Los segundos nacieron espontáneamente, al mover la pieza que trabajaba, y así rompe con la idea de ventana que se instauró en el Romanticismo. Ejemplo: “Composición n.1 Rombo con cuatro líneas”. En esta obra, es importante que las líneas se prolonguen en la mente del espectador.
Quinta etapa: Americana. Cuando viaja a América, cambia su obra. “New York City”, es la misma pintura que había trabajado hasta entonces pero ahora afectada por la ciudad donde residía entonces, Nueva York. La trama de líneas amarillas representa la trama de la ciudad.
“El árbol rojo” (1908) / “El árbol gris” (1912) / “El manzano en flor” (1912).
  Puede interpretarse como el árbol de la vida, como algo más a una simple fotografía de un paisaje. Del conocimiento a este árbol solitario, pasa por un proceso de análisis de depuración hasta llegar a la idea.
Cuando vuelve a Holanda entra en contacto con un matemático y a partir de entonces trabajará la abstracción. Obras cubistas, movimiento muy importante porque es análisis, división. Le aportará mucho a sus obras. Le proporcionará un método para estructurar la imagen. Inspirado en una obra de Van Gogh, una obra simbolista, que representa el árbol de la vida, del conocimiento. Analiza esta obra y la depura después de analizarla, hasta llegar al punto en el que utiliza colores rosas y verdes.
FASE OCEÁNICA “Composición con líneas” (1917)  “Composición con gris y marrón claro” (1918) Pieza completamente abstracta.
“Composición” (1921) / “Rombo con azul, amarillo y rojo” (1921-25) / “Cuadro 2” (1922)  Etapa clásica. Opera como balanza la obra, equilibrio entre opuestos, entre planos de color que poseen diferente peso o atracción visual. Equilibrio de planos. Son resultados de cómo se articula la composición, composiciones de planos diversos. Los formatos romboides surgieron de una manera espontánea, introducen elemento interesante porque rompen con la idea de ventana al exterior. Esas líneas continúan en la imaginación en la mente del espectador, se prolongan en el espacio.
En Nueva York su pintura da un giro.
PERIODO AMERICANO (1940-1944) “New York City”  Cuando viaja a América, cambia su obra. “New York City”, es la misma pintura que había trabajado hasta entonces pero ahora afectada por la ciudad donde residía entonces, Nueva York. La trama de líneas amarillas representa la trama de la ciudad.
“Broadway Boogie-Woogie”:   Las líneas son interrumpidas por colores, de manera que se crea una forma de vibración y movimiento rápido. Esta obra, y las otras de esta etapa, muestran la vida de Mondrian y de la nueva ciudad. Le da a la pintura un principio de vida y movimiento hacia el final de su vida.
El punto de partida es el simbolismo. Rompe con la imagen como reproducción del mundo de las apariencias.
SURREALISMO Sorgit d'una escisió amb el dadaisme, es planteja com una forma d'alliberament més que un moviment artístic.
Característiques   Prendrà consciència de la necessitat de projectar-se socialment, i des de llavors es vincula al comunisme, tot i que les seves relacions són molt conflictives (la noció de individu del surrealisme és incompatible amb la del comunisme dels anys 30).
Escriptura automàtica: s'inspira en el mètode d'associacions de Freud, on el pacient parla espontàniament fent emergir l'inconscient. És un acte d'escriptura sense mediació social o funcional. En un principi, Bretón entenia que la escriptura automàtica estava lluny d'allò artístic, perquè anul·la el “jo creador”, però molts artistes seguien, més o menys, les pautes d'escriptura automàtica i realitzaven un treball de creació.
Cronologia     Període dadaista: 1919 – 1922/1923 Període d’investigació: 1922/1923 – 1925 Període polític: 1925 – 1930 Difusió internacional del Surrealisme: 1930 – ...
Autors - André Breton: líder del surrealisme. En un principio denunciava als poetes i pintors propers al surrealisme, doncs entenia que el surrealisme s'havia de desfer de l'art i la literatura; tot i això, acabarà canviant de pensament fins a entendre que les arts són la millor forma d'expressió surrealista possible.
- Freud: els surrealistes s'inspiren en ell, però també creuen que no hi ha suficient amb expressar allò interior; sinó que a més d'una revolució individual proposarà una revolució social. D'aquí la vinculació al Partit Comunista Francès.
Busca unas fuerzas ocultas, para conseguir una síntesis entre la vida cotidiana, el mundo interior y el pensamiento. Unir las profundidades del espíritu de cada uno. Se busca una realización integral del hombre.
Muchos de estos artistas vinculados al surrealismo utilizaban la escritura automática de una manera fragmentaria: Miró, por ejemplo, explica que en un primer momento trabajan de manera muy espontánea, pero después filtran esa espontaneidad racionalizando esa primera creación.
Otro problema: en un principio se pensó que se podía encontrar un equivalente de la escritura automática con la pintura; por ejemplo “Dibujo Automático” 1927 – S. Dalí. Se trata de un dibujo realizado sin ninguna mediación.
Breton (y su generación) no podía aceptar este tipo de dibujo; no podían aceptar un garabato como una obra de arte. Pollock,, en cambio, desarrollará su lenguaje a partir de ahí.
Breton acabó definiendo el surrealismo con una imagen que junte elementos oníricos; que sea fuera de la realidad.
Las contradicciones nos desbordan: se duda de la existencia de una escritura automática (en ultima instancia racionalizan la espontaneidad); por otra parte, no existe una imagen surrealista en términos de escritura automática.
Otro aspecto importante: Breton acabó por considerar el mundo del arte y la belleza. Bretón definió la belleza como “Convulsión”: sin la destrucción de la lógica, de la percepción racionalista de la realidad, no podía haber belleza surrealista. “Lo bello como el encuentro fortuito de un paraguas y una máquina de coser sobre una mesa de operaciones” – Lautremont (poeta). Es decir, la belleza es una emoción motivada por significados dispares y arbitrarios. Cuanto más arbitraria, más capacidad de convulsión tendrá. La belleza es un tipo de iluminación resultado de romper con la lógica de la vida cotidiana. No se trata de la belleza espectáculo, sino de un nuevo sentido provocado por la asociación particular.
Además, el surrealismo se plantea como una síntesis entre la realidad interior y la realidad exterior; una resolución de contrarios. Se plantea en el 1r manifiesto y se irá desarrollando posteriormente. Esta síntesis trata de integrar dos estados de la cultura que se han separado: el surrealista ve la realidad cotidiana de una manera diferente; no se da por satisfecho con la banalidad de lo visible, introduce poesía dentro de la vida cotidiana. El surrealista explora la realidad con nuevos elementos: la imaginación, el mundo interior… Así, el surrealismo no es tanto un inventar sino un descubrir, encontrar. Son los elementos que nos han de conducir hacia la percepción del misterio de las cosas.
VANGUARDIA RUSA NEOPRIMITIVISMO (1912) - Natalia Goncharova y Mijail Larionov  Buscan una expresión fresca, del deterioro, un arte autentico, natural, ingenuo, se inspiran en determinadas experiencias de occidente. En ellos hay una voluntad nacionalista de refundar el arte ruso, unido a la propia tradición, arte propio, arte nacional. Búsqueda de autenticidad. Referentes es el LUBOK (grabado típico de Rusia) i el ICONO, son as dos raíces de las cuales nace este término a demás de las referencias de occidente.
“Natividad” (1910) “Segadores” (1910) RAYONISMO (1913) - Natalia Goncharova y Mijail Larionov  De rayo, de luz, representan haces de luz, dimensión simbólica, dimensión metafísica. Mundo inmaterial.
CUBOFUTURISMO (1913) - Alexandra Exter, Liubov Popova, Olga Rozanova  Rusia es receptiva a culturas exteriores, por una parte el cubismo y por otra el futurismo, síntesis. Se asumen esas expresiones articulando una nueva expresión.
“Ciudad” (1913) “Boceto para retrato” (1915) “La fábrica y el puente” (1913) SUPREMATISMO (1915) - Kazimir Malevich  NEOPRIVITIVISMO: Artista muy inquieto también toco el CUBOFUTURISMO. A diferencia de los demás él no realizó el viaje a París. Su obra tiene una visión ajena a la obra de París. Realizó bocetos para el decorado y vestuario de la ópera “Victoria sobre el sol” (1913).
 Hacen un trabajo de construcción, trocean la frase, la palabra para encontrar los sonidos mínimos del lenguaje para encontrar esa dimensión autentica. Descompone y recompone el lenguaje, esta dimensión la lleva a cabo con obras alógicas (usencia de lógica).
 ALOGISMO: “Vaca y violín” (1913). Con estas pinturas algo se rompe, se altera la imagen.
 Rompe con esa lógica de la imagen realista, presta atención a elementos singulares, asocia estos elementos en una visión irreconciliable. Rompe con la idea de reproducción de mundo de las apariencias. A partir de esas pinturas crea un itinerario, en 1915, cuando presenta una exposición, escribe una especie de tratamiento: del cubismo al suprematismo.
 SUPREMATISMO ESTÁTICO Y DINÁMICO: “Suprematismo” (1915), “Supremus 58” (1916). Tanto en este autor como en Kandisnky hay una dimensión espiritual, el mundo de las apariencias se evapora para llegar a otro estado.
“Cuadrado negro” (1915): Es una transición entre las imágenes de 1915 y la pieza que se titula.
“Cuadrado blanco sobre fondo blanco” (1918): Asesinar a la pintura, se prescinde de una serie de registro que han sido y son fundamental en la historia de la pintura (sensualidad, color…) Elementos son como recortados, trabajo de depuración se lleva al límite de la pintura. Interpretar ese cuadro como un objeto de poder. El vacio, la nada, no es una ausencia, es producción de sentido. Como la noche para los románticos dónde están contenidos todos los sueños, de ese mismo modo e vacio produce imágenes. Objeto simbólico envestido de un aura. Tradición mística que empiezan cuando los objetos entran en crisis, buscar nuevas formas de espiritualidad, el arte es un medio para intentar desvelar o convivir con los misterios de las cosas.
“Capilla Rothko”: Se sitúa en esta tradición del arte místico, intenta explorar el arte del universo. Espacio singular para la oración, la contemplación. Construido a partir de lienzos monocromos. Hay un punto en esta tradición en que la religión se confunde con el arte.
“Mi casa es mi mundo”. Rothko. Grandes formatos, con planos de color. No hay una separación clara entre los diferentes planos de color, aparentan una dimensión gaseosa o acuosa. Uno puede tener la sensación de entrar en un espacio. No es una pintura opaca, hay un infinito detrás. La gran diferencia con Malevich es que él trabajó con piezas muy pequeñas. En Rothko hay un aspecto envolvente de la pintura.
* Antoni Tàpies. Art & Artists. Es un artista un poco más joven que Rothko, pero comparte el itinerario. Se sitúa en esa misma tradición de los románticos, pero trabaja con la materia. Según él la materia posee una especie de carga eléctrica, distribuye una energía que es perceptible para quien tenga una sensibilidad adecuada.
- Interpretar a Malevich como un objeto de poder, envestido por un aura capaz de dialogar con el misterio de las cosas.
 A finales de los años 20 volvió a coger los pinceles. Renunció a su ideario. “Autorretrato Malevich”. Posa como un artista del renacimiento. Fue sistemáticamente marinado dentro del contexto cultural ruso. No puede sintonizar con el constructivismo, colisiona.
Se sentía identificado con la revolución, que según él tenía que ser también una revolución de los espíritus no solo de los medios de producción.
 “Última exposición futurista 0.10”. Petrogrado. 1915 o Cuadrado negro sobre fondo blanco se sitúa en el centro, nos da cuenta de la visión de Malevich. Imagen de lo sagrado, imagen del icono, de la ambición, de la búsqueda espiritual de Malevich. Va más allá del arte ornamental. A partir de aquí radicalizará su posición.
 “Suprematismo Amarillo” o Forma amarilla, que se disuelve, se desintegra.
CONSTRUCTUVISMO (1921) - Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko, Naum Gabo, Antoine Pevsner, El Lissitzky, Gustav Klucis   Entiende el arte como una visión materialista. La labor del arte tenía que ser una contribución a la construcción de la nueva sociedad socialista. Posición opuesta a la de Malevich. Se oponen a la tradición burguesa. Ellos buscan el objeto industrial. Dimensión pragmática y utilitaria, arte orientado a la colectividad. Pensaban en una principio que aportaba una nueva metodología, rechazo al individualismo.
Dotar al objeto un carácter técnico, científico, funcional. Ideal mecanicista dificultad. Utiliza un lenguaje abstracto que se opone a la tradición figurativa burguesa. Lenguaje que ha de alumbrar a la nueva sociedad socialista. Vanguardia y el proyecto de construir una nueva sociedad, con el paso del tiempo cambiaran de opinión hacia más conservadoras. El proyecto constructivista no se pudo llegar a realizar, porque hubo una gran dificultad para integrar los artistas en las fábricas, otro aspecto la gran crisis, que impidieron esta realización.
El único ámbito en el que tuvo una proyección fue en el teatro (escenografías que tienen una dimensión muy limitada ajeno a la industria), en el textil (estampado de tejidos) y en el diseño gráfico.
- Fase experimental, de laboratorio. “Exposición de la Sociedad de Jóvenes Artistas (OBMOKhU), Moscú 1921.
Vladimir Tatlin: Figura más representativa del constructivismo. Se enfrentó a Malevich y lo marginó. Trabajo de laboratorio, de experimentación de las formas. Su punto de partida es el collage. Con el paso del tiempo no sólo consiste en el papel pegado sino en formas que adquieren una visión volumétrica que sale del soporte. Evolución del collage donde las formas se 1 liberan del plano.
   “Relieve de ángulo” (1915) 1 “Monumento a la III Internacional” (1920). 2 Proyecto de un fotomontaje.
Torre de comunicaciones en el interior ha tres cuerpos que giraban en direcciones diferente. (Una vez al día, al mes y al año). Uno toma consciencia de lo irrealizable de lo soñador.
“Le Tatlin” (1930). Avión sin motor. Radiografía de los límites de la condición romántica, utópica del constructivismo. Soñador.
2 Grandes soñadores cuyo sueño no pasó de condiciones formalistas y estudio de los materiales.
Era el objeto tal cual. No había más.
Naum Gabo y Antoine Pevsner: Pronto se exiliaron fuera de Rusia, utilizan e incorporan un nuevo material, el plástico. Medios que revolucionan la escultura, introducen una nueva perspectiva.
Objeto transparente como el vidrio y se adquiere una nueva dimensión.
Varvara Stepanova - “Diseños de papel pintado” (1925)   El diseño gráfico expresaba los ideales del constructivismo. Imagen seriada. Implicaba la incorporación de nuevos medios de tecnología de fotomontaje. Contribuir a expresar el mensaje revolucionario.
Presión de la administración que tenía necesidad de propaganda y necesitaba que el mensaje revolucionario fuera inteligible para las masas. Fueron los mismos creadores quienes nombraron consciencia de. La fotografía exigió que este lenguaje se transformara, el leguaje experimental.
El Lissitzky - Cartel (“Machacad a los blancos con la cuña roja”), (1919).
 Utiliza las formas abstractas para construir un cartel. Formas descontextualizadas de su sentido original son utilizadas en un estilo propagandístico. Son conscientes que se dirigen a un gran público analfabeto y esas formas abstractas pueden ser unos instrumentos útiles cara a utilizar ese lenguaje universal. Se trata de que la imagen con muy pocas palabras exprese.
Malevich: Historia de dos cuadrados. Contar una historia prácticamente sin palabras solamente con imágenes inspiradas en el lenguaje abstracto. Dos cuadrados que encuentran en un gran desorden en la tierra y buscan ese orden. Lenguaje a partir de formas abstractas. En un momento dado toma partido por el fotomontaje que toma una nueva expresividad. Puede colgar unas nuevas ideas, un nuevo concepto de arte. Fotomontaje más grande jamás realizado. Cuenta la historia de la revolución en imágenes.
G KLUCIS. Acabó articulando la imagen oficial de la URSS. Fondo rojo sobre la imagen inclinada, lenguaje oficial.
Quedará asociada al realismo socialista.
REALISMO SOCIALISTA  Lenguaje directo, claro, para contactar con la masa.
STALIN Y EL REALSMO SOCIALISTA  Boris Vladimirsky – “ Flores para Stalin” A finales del 19 hay un simbolismo muy existente.
Los artistas ven la revolución bolchevique como una oportunidad para integrarse en la sociedad, para encontrar su lugar.
EXPRESIONISMO ABSTRACTO. INFORMALISMO.
OBRA ABIERTA (según Umberto Ecco) - Lenguaje abstracto amorfo, poco estructurado.
Incorporación del gesto espontáneo, materiales fluidos, rapidez de ejecución.
Incorporación del proceso de realización.
La obra carece de contenidos previos concretos.
La obra no impone un significado al espectador. Es el espectador quien le atribuye un significado.
Gran espontaneidad.
Obras sin significado ni intencionalidad expresiva.
Pollock pintaba sin saber lo que hacía  interpretaba sus obras después de terminarlas Franz Kline – “Chiev” (1930) Georges Matheau – “L’abduction d’Henri V par l’archevëque Anno de Cologne“ (1921) REFERENTES - La estética del sublime  C.D. Fiedrich  “Monje junto al mar” (1809) 1 o Paisaje muy limitado o Personaje minúsculo sobrepasado por la infinitud, perdido o Obra donde uno proyecta su imaginació - Expresionismo  Emil Nolde  “Naturaleza muerta con máscaras” (1912) 2  Van Gogh  “La iglesia de Auvers” (1890)  Estética de la liberación - Automatismo  Salvador Dalí  “Dibujo automático” (1927) 3 o Equivalente de la escritura automática o Base teórica de ALGO - Después de la Segunda Guerra Mundial  nuevo ciclo natural  Rechazo al realismo, a la abstracción geométrica, a las posiciones racionalistas y al surrealismo  Recuperación del automatismo  Derrota del ideal racional Discurso subjetivo  Paul Delvaux – “El nacimiento del día” (1937) 1 2 3     Joan Miró – “Despertando al amanecer” (1944) 1 André Masson – “Meditation sur une feuille de chéne” (1942) 2 Max Ernst – “L’évadé, frottage para la Histoire Naturelle (1929) 3 Max Ernst – “La ville entière, grattage” (1934) 4 1 2 3 4 FROTTAGE (frotado): Técnica artística que consiste en frotar un lápiz sobre una hoja colocada sobre un objeto, consiguiendo una impresión de la forma y textura de ese objeto. Se puede hacer también con lápices de colores o pintar sobre el primer esbozo. Fue ideado por el pintor surrealista Max Ernst el 1925.
GRATTAGE (raspado): Técnica de la pintura surrealista en la que la pintura se desprende de la tela mediante desgarrones (por lo general una vez seca), creando una especial textura con efecto de relieve o tercera dimensión.
Fue empleada por Marx Ernst y Joan Miró, y más tarde por el informalismo, especialmente por Antoni Tàpies.
AUTOMATISMO - Voluntad de acceder a una espiritualidad o símbolos universales y eternos.
Interés por el arte primitivo y los mitos antiguos.
Carl Justav Jung  gran referente  crea la idea del inconsciente colectivo que florece con el arte, la religión y los mitos Automatismo  médium  transmisión de un mundo más allá de lo visible Vinculado a connotaciones de liberación Quiere hacer emerger el mundo mítico, inexpresable Antonio Saura:  Pintor español que no pertenece a la abstracción pero que sí es partícipe.
 Su pintura es fluida, espontánea.
 El azar objetivo y el automatismo no son suficientes para producir obras artísticas.
 El jazz  improvisación + dominio del lenguaje musical e instrumental.
 El artista practica el automatismo: o Con un bagaje cultural o Domina el lenguaje pictórico o Crea un lenguaje propio o La ejecución es muy rápida pero exige concentración y preparación  Sexo  energía humana  instinto  algo que no cabe en el mundo racional  misterio  dimensión espiritual  connotaciones primitivas  El automatismo es más que un simple garabato.
 - “Crucifixion” (1959-63) o Obra inspirada en otra obra anterior. Esta es más auténtica, revela elementos patentes ocultados en la original.
o Pigmentos espontáneos y rápidos.
o Arte de liberación.
o Reflexión sobre el automatismo.
Adolph Gottlieb:  “Pictograph” (1941-46)  Petroglifos en Death Valley (Arizona)  Relación entre ambas obras EXPRESIONISMO ABSTRACTO - - - - Los americanos reivindicaron su propio estilo original. No querían seguir dependiendo de los europeos. Así apareció el expresionismo abstracto.
Pintura muy elemental y de gran tamaño  influye respeto  la pintura domina al espectador  si fuera pequeña sería al revés Pintura signifa-gestual, pintura de acción:  Jackson Pollock  Franz Kline  Willen de Kooning Pintura de campos de color:  Mark Rothko vertientes referentes del expresionismo abstracto  Barnett Newman  Clifford Still Aristas que combinan ambos procedimientos:  Adolph Gottlieb  Robert Motherwell Jackson Pollock:  Pollock como leyenda: o Dificulta una lectura seria  Formación: o Formación académica y con pintores de prestigio o Trabajó con muralistas mexicanos o Trabajó en el Federal Art Project  programa de ayuda a los artistas  Referentes: o Expresionismo  liberación o Surrealismo  automatismo o Arte primitivo  rituales de los indios en el oeste americano (dibujos en el suelo con arena)  hace mención a ellos en sus obras       Trayectoria: o Etapa inicial expresionista-mítica o Dripping: profundizar en la pintura de la liberación  se convierte en ritual “She Wolf” (1943) 1 - arte visceral, ejecutado con rapidez “Circumsición” (1946) 2 - referencias al mundo mítico “Lavender Mist” (1950) 3 - continuidad entre las obras de sus diferentes etapas “One. Nº31” (1950) 4 - no existe mediación entre autor – pintura “Echo” (1951) 5 1 2 3 4 William Turner – “Tempestad de nieve y barco” (1842) 5 “Number 10” (1950) Rothko Chapel, Texas (1971) Mark Rothko    Robert Motherwell – “Elegy to the Spanish Republic nº34” (1953-54) Pintura hecha de veladuras “Numer 10” es una pintura atmosférica, naturaleza acuática  induce a pensar que es una puerta Pintor antimaterialista INFORMALISMO - Tendencias  Espacialistas  Lucio Fontana  Signicos-gestuales  Georges Mathieus  Matéricos  Alberto Burri  mucho más difundidos en Europa que en USA o Material portador de significado o Jean Fautrier – “Tète d’otage nº1” (1944)  El autor crea una pasta con valor/nivel/dimensión expresivo/a  El autor manipula la materia  Rostro suavizado por la materia  Caracteres vastos, primitivos, inacabados  Trabaja el dolor  torturas, campos de concentración (hace referencias) o Jean Dubuffet – “L’oursonne (Corps de dame)” (1950) 1 – “Le metafisyx (Corps de dame)” (1950) 2 – “Villa sur la route” (1957) 3 1 2 3 POP ART Nueva York & Londres – 1930-1960 LA CENSURA DEL POP ART - Elogio a la sociedad del consumo Ausencia de sentido crítico. Adhesión al estado de las cosas.
El pop como kitsch (Clement Greenberg):  No le atribuye la categoría de tendencia artística  “Un simple episodio de la historia del gusto”  Expresionismo abstracto = alta cultura  Pop Art = la revancha de la América profunda y genuina, la tradición popular, la costa Oeste frente a la América ilustrada y cosmopolita CRONOLOGÍA Y CENTROS DE PRODUCCIÓN - - 1950 – 1960: Periodo de formación 1964: Consagración internacional  Rauschenberg en la Bienal de Venecia Gran importancia en Londres y USA y se vincula a la sociedad del consumo. En los lugares en que no se produce tendrá un carácter artificial.
La mirada a todo lo que pasaba desapercibido por la alta cultura:  Lo calificado hasta entonces como lo barato, lo banal, lo cursi  Rehabilitación de lo kitsch (arte considerado como una copia inferior de un estilo existente)  Estatización de lo vulgar Hasta entonces, el “arte” ha trabajado la naturaleza y la figura humana.
REFERENTES - Marcel Duchamp:  “La fuente” (1917) Andy Warhol:  “Marilyn Monroe” (1967) 1  “Campbell’s Soup” (1968) 2  “Campbell’s Soup (tomatoe)” (1968) 3 1 2 3 EL POP COMO LA REPRODUCCIÓN FRÍA Y LITERAL DE LO ORIGINAL - - - Pop = denominado en un principio “neo-dada”.
Se evita la subjetividad y la autoexpresión.
Se utilizan medios mecánicos que eviten la presencia de la personalidad y la mano del artista:  El artista se limita a escoger el tema y la técnica  Warhol pretende ser una máquina Superación de la idea romántica del arte = manifestación personal:  Implica una nueva sensibilidad Superación de todo resto artístico (huella, pincelada, etc.)  Búsqueda de la factura anónima e impersonal  Eliminación de la nostalgia, patina del tiempo Pop = aura pulida y reluciente del objeto recién acuñado POP ART = FETICHISMO - - Reproducción literal = apropiación emocional del objeto de fascinación.
Reproducción o maqueta:  Aproxima al cómo está hecho  Abre nuevas perspectivas de comprensión Reproducir es dar forma y comprender el objeto de deseo.
La reproducción – a pesar de que se diga mecánica – aparta siempre algo más  comprensión Arte tribal.
Los artistas de Pop Art buscan elementos escondidos en la cultura de masas.
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