Resumen iconografía e iconología (2016)

Resumen Español
Universidad Blanquerna (URL)
Grado Periodismo y Comunicación Corporativa - 1º curso
Asignatura Estética
Año del apunte 2016
Páginas 4
Fecha de subida 25/04/2016
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Estètica 2n semestre – URL Blanquerna Irene Fenollar Morante 28/02/2016 ICONOGRAFÍA E ICONOLOGÍA: INTRODUCCIÓN AL ESTUDIO DEL ARTE DEL RENACIMIENTO La iconografía es la rama de la historia del arte que se ocupa de la significación de las obras de arte, en contraposición a su forma. La significación es percibida de carácter elemental y de fácil inteligibilidad denominándola significación fática, la cual aprendo mediante la identificación de ciertas formas visibles con ciertos objetos que conozco gracias a mi experiencia práctica e identificando el cambio acontecido en sus relaciones con ciertas acciones o acontecimientos.
A partir de matices psicológicos se transmiten una nueva significación calificada de expresiva y aprendida a partir de la empatía. Para comprenderla, hace falta una cierta sensibilidad, pero también, parte de mi experiencia práctica, o sea, de mi estrecha relación diaria con los objetos y los acontecimientos. La significación fáctica y la expresiva constituyen la clase de significaciones primarias o naturales.
La significación secundaria o convencional es inteligible y ha sido deliberadamente comunicada a la acción práctica que la vehicula. Además, puede revelar al observador experimentado todo lo que contribuye a forjar una personalidad condicionada por la pertenencia de este hombre a partir de sus antecedentes sociales, nacionales y culturales, por la historia de su vida anterior y por sus circunstancias actuales. No obstante, todas las cualidades se encuentran incluidas de manera implícita en cada acción aislada, la cual puede ser inversamente interpretada a la luz de estas cualidades.
La significación descubierta o contenido es una significación esencial mientras que la significación primaria o natural junto con la secundaria o convencional son fenoménicas. Dicha significación descubierta o contenido puede ser definida como principio unificador y subyacente, a la vez, que explica el acontecimiento visible y su sentido inteligible, y que determina la forma en que cristaliza el acontecimiento visible. Este tipo de significación se sitúa por debajo de esta esfera.
De la misma manera, se pueden aplicar dichas significaciones a las obras de arte, en los tres mismos niveles: - SIGNIFICACIÓN PRIMARIA O NATURAL: Subdividida en significación fática y significación expresiva. Se aprende identificando formas puras como representaciones de objetos naturales, seres humanos, plantes, casas, etc., identificando sus relaciones mutuas como acontecimientos y captando ciertas cualidades expresivas.
El universo de las formas puras puede llamarse el universo de los motivos artísticos. La enumeración de estos motivos constituiría una descripción pre-iconográfica de la obra de arte.
- SIGNIFICACIÓN SECUNDARIA O CONVENCIONAL: Establecemos una relación entre los motivos artísticos y las combinaciones de motivos artísticos y los temas o conceptos. Los motivos reconocidos como portadores de una significación secundaria o convencional pueden llamarse imágenes, y las combinaciones de imágenes constituyen historias y alegorías (invenzioni).
La identificación corresponde al dominio de lo que comúnmente denominamos iconografía. Cuando solemos hablar del asunto en contraposición a la forma, aludimos a la esfera del asunto secundario o convencional, es decir, al universo de los temas o conceptos específicos manifiestos en imágenes, historias y alegorías, en contraste con la esfera del asunto primario o natural, expresado en motivos artísticos. El análisis formal constituye en gran parte un análisis de motivos y de combinaciones de motivos, que deberían evitarse incluso ciertos términos. El análisis iconográfico correcto presupone una identificación correcta de los motivos.
- SIGNIFICACIÓN INTRÍNSECA O CONTENIDO: Investigando aquellos principios subyacentes que ponen de relieve la mentalidad básica de una nación, de una época, de una clase social, de una creencia religiosa o filosófica, matizada por una personalidad y Estètica 2n semestre – URL Blanquerna Irene Fenollar Morante 28/02/2016 condensada en una obra. Dichos principios se manifiestan a través de los procedimientos de composición y de la significación iconográfica simultáneamente.
El descubrimiento y la interpretación de los valores simbólicos constituye el objeto de lo que podemos llamar iconología en contraposición a iconografía.
La iconografía constituye una descripción y clasificación de las imágenes. Se trata de una investigación limitada y subalterna, que nos informa sobre cuándo y dónde determinados temas específicos recibieron una representación visible a través de unos u otros motivos específicos.
Además, recopila y clasifica los datos sin considerarse obligada o capacitada para invertigar sobre la génesis y el sentido de tales datos. El contenido intrínseco de una obra de arte, debe ser explicitado para que la captación de este contenido llegue a fraguar en un todo articulado y comunicable.
La iconología como la iconografía se hubiera vuelto interpretativa, y por lo tanto, se ha convertido en parte integrante del estudio del arte. La iconología puede comportarse como la astrología en contraposición a la astrología. El requisito previo para una correcta interpretación iconológica, a no ser que se trate de obras de arte donde no exista todo el dominio de las significaciones secundarias o convencionales, y donde se efectúe una transición directa desde los motivos al contenido.
Se puede considerar correcta la labor de investigación de estos tres niveles: - DESCRIPCIÓN PRE-ICONOGRÁFICA: Los objetos y acontecimientos pueden ser identificados sobre la base de nuestra experiencia práctica. Puede suceder que en un caso preciso el radio de nuestra experiencia personal no sea lo bastante amplio, y por ello, tenemos que ensanchar el campo de nuestra experiencia práctica, pero sin salirnos del campo.
La obra de arte puede resultar irreconocible por torpeza o deliberada malicia del artista, pero es imposible en principio lograr una descripción pre-iconográfica correcta limitándonos a aplicar sin discriminación nuestra experiencia práctica a la obra de arte.
La experiencia práctica es indispensable para una descripción pre-iconográfica, pero no nos garantiza su corrección.
El hecho de que tomemos conciencia de estos rasgos distintivos de manera automática, no debe hacernos creer que podamos siempre formular la descripción preiconográfica correcta de una obra de arte sin haber adivinado su locus histórico.
Mientras identificamos los motivos basándonos simplemente en nuestra experiencia práctica, estamos interpretando realmente lo que vemos en función de los objetos y acontecimientos que se expresan mediante formas en diversas condiciones históricas.
Por eso, sometemos nuestra experiencia práctica a un principio correctico que podemos llamar la historia del estilo.
- ANÁLISIS ICONOGRÁFICO: Presupone una familiaridad con los temas o conceptos específicos, tal como nos lo transmiten las fuentes literarias, y asimilados ya sea por medio de una lectura intencionada o por medio de la tradición oral.
Nos es dado corregir y guiar nuestra experiencia práctica y corregir y suplementar nuestros conocimientos de las fuentes literarias investigando acerca de la manera en que los temas o conceptos específicos se han expresado a través de los objetos y acontecimientos.
- INTERPRETACIÓN ICONOLÓGICA: Exige algo más que una simple familiaridad con los temas o conceptos específicos como nos lo transmiten las fuentes literarias. Para captar estos principios, nos hace falta una facultad mental comparable a la del diagnóstico que no podemos definir mejor que con el término de intuición sintética.
Es más necesaria la aplicación de esos correctivos y controles que aparecen como indispensables cuando nos referimos únicamente al análisis iconográfico y la descripción pre-iconográfica.
Estètica 2n semestre – URL Blanquerna Irene Fenollar Morante 28/02/2016 En la búsqueda de las significaciones intrínsecas o contenido, es donde las diversas disciplinas humanísticas coinciden en un mismo plano, en lugar de subordinarse unas a otras.
En definitiva, cuando queremos expresarnos con todo rigor, tenemos que distinguir entre tres niveles de asunto o de significación: el primero suele confundirse con la forma, el segundo constituye el dominio propio de la iconografía en cuanto que contrapuesta a la iconología.
También, debemos tener presente que las categorías diferenciadas parecen designar tres esferas independientes de significación. Los métodos de enfoque aparecen como tres modalidades de investigación sin relación entre sí y que se funden conjuntamente en un proceso único, orgánico e indivisible.
LAOCOONTE Y SUS HIJOS La escultura de Laocoonte y sus hijos, es considerada una de las más prestigiosas del período helenístico. Aunque hay múltiples dataciones, la mayoría de historiadores, datan la pieza de arte en el siglo I d. C siendo realizada por un encargo de un mecenas romano a Agesandro y a sus hijos, Polidoro y Atenodoro, de la Escuela de Rodas.
La obra de arte original estuvo construida de bronce, aunque la que se muestra, actualmente en los Museos Vaticanos, está hecha de mármol y es monocroma. Los autores reprodujeron la realidad y aplicaron los conceptos básicos de la escultura: la armonía de proporciones, ya que fijaron como módulo la cabeza y el canon de belleza establecido era de 7 cabezas, y por último, el principio de diartrosis, el cual concibe el desnudo como un esqueleto perfecto, regido por la movilidad de les articulaciones, y este principio hace acentuar la división entre el tronco y las extremidades, y dentro del torso, se marcan los pectorales, la cintura y el pliegue inguinal a causa de la gran tensión, a la vez que, muestra la violencia y esfuerzo de los personajes. La Escuela de Rodas, continúa la vertiente dramática profundizando en la emoción del sufrimiento y la acentuación del dolor. En la composición de la escultura, encontramos que el centro es la figura del sacerdote. Los cuerpos se agitan en las tres dimensiones del espacio. Claramente, visualizamos como el hijo pequeño, no tiene fuerza y el otro, busca la ayuda del padre. De esta manera, se rompe el equilibrio y su estructura es piramidal y marca un movimiento diagonal, ya que atraviesa toda la escultura y el propio movimiento pone de antemano, que el realismo es superado con una acentuación de los sentimientos casi sobrehumanos. La figura humana es tratada en las diferentes fases de la vida: de la infancia a la vejez. Hay una profusión de retratos, sobre todo de personajes públicos, con una marcada psicología individual. Respecto a las serpientes, cabe destacar que son utilizadas como nexo de las tres figuras y hacen aumentar el dinamismo de la obra de arte. La expresión de los personajes muestra el tormento, las arrugas, los ojos hundidos, la boca abierta, el dolor del sacerdote troyano, entre otros elementos. En resumen, muestra el pàthos, la perfecta captación del sufrimiento. También, se representa el dolor físico, el dolor interno y moral de Laocoonte, que ve morir a sus hijos. En este sentido, se aprovechan las posibilidades dramáticas de los grupos escultóricos. De la misma manera, busca la teatralidad para expresar las acciones y la preferencia por el movimiento y por la grandiosidad. También busca provocar sensaciones inmediatas. En dicha escultura, se muestra el momento del ataque de unas serpientes marinas hacia Laoconte y sus hijos.
Laoconte, en la mitología griega, era el sacerdote de Apolo en Troya, el cual estaba casado con Antíopa y tenía dos hijos, que aparecen en la escultura. Según el autor de la Eneída, Virgilio, Laocoonte advirtió a los troyanos, que el caballo que estaban trasladando a la ciudad, podía ser una trampa planeada por Ulises, pero Atenea para que no se cambiase el destino de Troya, envió dos serpientes marinas que lo devoraron junto con sus hijos. Las serpientes se enroscaron en el cuerpo de los niños y de Laocoonte, Estètica 2n semestre – URL Blanquerna Irene Fenollar Morante 28/02/2016 pero este último lucho para soltarlas, pero ellas le estrangularon a él y a sus hijos. Una de las serpientes pasa sobre los hombres del padre y de su hijo mayor, revolviéndose hasta morderle la cabeza. Y al mismo tiempo, la otra serpiente ahoga al hijo menor y trata de inmovilizar a Laocoonte enroscándose en sus piernas. Los troyanos se convencieron de que aquello era una señal de los dioses por ignorar las advertencias del sacerdote y finalmente llevaron el caballo dentro de las murallas de la ciudad. De esta forma, provocaron inconscientemente su propia destrucción. La obra, tiene un mensaje para los espectadores de su tiempo: los hombres son completamente impotentes ante el poder de los dioses.
Por último, decir que esta historia ha sido un tema de inspiración muy repetido por artistas y escritores de todas las épocas. Por ejemplo, en la segunda mitad del siglo XVIII, en Alemania, autores, como Johann Winckelmann y Gotthold E. Lessing, debatieron sobre las cualidades estéticas de este grupo escultórico. Otros autores alemanes, como Schopenhauer escribieron sobre Laocoonte, apreciando sus matices ligeramente diferentes en la expresividad de las figuras.
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