Arte Barroco: Pintura de Vánitas y Protestantismo (2014)

Apunte Español
Universidad Universidad Pompeu Fabra (UPF)
Grado Humanidades - 3º curso
Asignatura Art del Barroc
Año del apunte 2014
Páginas 14
Fecha de subida 22/10/2014
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ARTE BARROCO El barroco es una época muy parecida a la actual: desengaño, lo efímero, lo alterable, lo inseguro. En la actualidad vemos autores como Damien Hirts con su obra For the love of god, muy cercano a las vanitas. El barroco es el primer arte mundial, aparece en los cinco continentes, y se expande por la vía de la evangelización: globalización, un término también muy actual. El infinito está muy presente en la mentalidad barroca, en el renacimiento se había creado una gran confianza en el hombre, el dueño del mundo por vía de la razón, pero el barroco, con la caída de este orgullo, está dominado por el vacío, por los abismos. Esto se ve reflejado en los jardines. Pascal: un gran teórico del infinito.
1. Pintura de vanitas El concepto viene de la frase Vanitas vanitatum, et omnia vanitat, una cita recogida de la biblia, hace referencia a lo efímero de aquello que es mundano, esta pintura tendrá unas características en favor de este mensaje del efímero. Están muy relacionadas con el género de la naturaleza muerta o bodegón, una naturaleza detenida. Hacen referencia al paso del tiempo, esa fruta cogida o esa flor están condenadas a podrirse, la degradación.
Una insistencia en aquello que está a punto de ser destruido: la belleza es efímera. En el vanitas aparecen otros tipos de objetos como la calavera, que en realidad no tiene el sentido explicito macabro que nosotros le podemos dar: es como una voluntad religiosa, lo trascendente, lo que nos une a todos (calaveras al reverso de grandes retratos).
También aparecen referencia a la vida terrenal: por ejemplo un casco, también pueden haber libros que tengan un determinado simbolismo...etc.
En resumen, los símbolos que aparecen los podemos distinguir en tres tipologías: símbolos de la existencia terrenal, símbolos de la mortalidad de la vida humana: calavera, vela apagándose..., símbolos de la resurrección: crucifijo, ángel, cuadros de la resurrección. Normalmente estos objetos hacen referencia a tres estadios de la vida humana: vita contemplativa: la presencia de alguna imagen de carácter devoto, libros, instrumentos de la ciencia o artes plásticas: hacen referencias de la vida del personaje en su vertiente más intelectual. La vida práctica, el poder material, joyas, corona, armas.
Vida voluptuosa: imágenes de carácter sensual, hacen referencia a los placeres de la mundanidad: barcos, cartas de juego, instrumentos musicales...
Tenemos precedentes de la vanitas ya a finales del siglo XV, por ejemplo en Tríptico de matrimonio Braque, de Van der Weyden, nos muestra con las puertas cerradas la calavera contrapuesta con el crucifijo, como redención. También en el siglo XVI, la presencia inequívoca de la calavera incluso también con otros atributos. Berthel BRUYN, Vanitas: la mandíbula separada: todo se descompone con la muerte, la muerte es el último límite de las cosas. La vela apagada, recién apagada, símbolo de la fugacidad de la vida humana.
Las vanitas holandesas suelen ser más voluptuosas y las mediterráneas más austeras, hay excepciones como Antonio de Pereda. Todo lo que hay en el mundo es efímero, incluso el dominio sobre el mundo: retrato del emperador sobre el globo del mundo. El ángel es más típico del mundo católico, refuerzan el mensaje de salvación. Francisco de Palacios, El sueño del caballero: aparece la presencia humana, parece como si lo retratado se dé por el sueño del hombre: la vida es sueño, en realidad la vida autentica es la eterna.
A parte de objetos que serían propios del personaje que lo encarga también aparecen objetos de “fabrica”. También aparecen coronas: ni las máximas personalidades religiosas ni políticas se libran de la muerte. Alegoría de la vanidad, el personaje está descubriendo un cuadro del juicio final. Aparece un cupido haciendo burbujas de jabón, otra alegoría de la fugacidad de la vida. Los personajes aparecen con símbolos religiosos: el rosario: estarían en buen camino para la salvación. A veces los libros aparecen como algo negativo, no hay que ofuscarse con la lectura. Siempre hay una intención moralizante, alertan de determinados peligros: hay que leer según que libros, no otros, otros son peligrosos.
Vanitas, Juan Francisco Carrión “Oh tu que me estas mirando mira bien y vivas bien que no sabes cómo o cuando te verás así también... Mira bien con atención este retrato o figura. Todo para en sepultura”. En el contexto de la pintura de vanitas la calavera es fundamental, pero es un elemento más, no hay que sobredimensionarla. Todos los libros que aparecen son de carácter moral. En esta época la muerte era algo muy cotidiana, se manifiesta a menudo en la literatura es la angustia por que la muerte no te coja en condiciones, preparado, se crea una cultura para prepararse para el “bien morir”.
Aparecen las cofradías dedicadas a este concepto. No hay un miedo a la muerte propiamente. La mariposa como alegoría: una bestia extraordinariamente bella pero muy frágil. En el barroco hay todo un lenguaje simbólico alrededor de las flores que hoy en día ha desaparecido. Las guirnaldas, representación centrada en una escena pero rodeada por una guirnalda de flor. Por ejemplo En Guirnalda de Francisco Camilo: putis junto a una calavera jugando a hacer burbujas de jabón.
Un subgénero dentro de la vanitas es el Memento Mori. Sería una variante de la vanitas más vinculada a la presencia humana con la calavera, se crea una especie de dialogo entre ellos. Memento mori Frans Hals, Paul Cezanne. Doble retrato de Murillo de Nicolás de Omazur e Isabel Malcampo: en la vanitas pueden aparecer personajes pero más bien como algo alegórico, en el memento mori son más reales, sosteniendo con la inmediatez de la muerte: la calavera, la flor a punto de romperse. All is Vanity, C. Allan Gilbert, el espejo. La vanitas esta siempre relacionada con la mirada: el espejo no engaña. Otras variantes como El Joven y la muerte, Pedro de Camprobin: se esconde la muerte. Anónimo la mujer y la muerte jerez de la frontera. Nascendo morimur, cuando nacemos moriremos Jesucristo tumbado apoyándose en una calavera. Sic transit gloria mundi, haciendo burbujas, jugando con objetos de la vanidad, bola del mundo, calavera: se banaliza el tema trágico de la muerte 2. Arte del protestantismo Empiezan a surgir retratos laicos dentro de un caldo de cultivo de denuncia respecto a la jerarquía católica por parte del protestantismo y el calvinismo. Todo se catapulta gracias al escándalo de las indulgencias para acabar con la basílica de san pedro: utilización mercantilista de la religión, el protestantismo busca una religión más pura cercana a los inicios del cristianismo. Las obras del protestantismo son concebidas únicamente para la devoción privada, nunca para ser expuestas como forma de altar en una iglesia. La imagen religiosa debía alejarse de la sensualidad propia de los artistas italianos del renacimiento, aún muy presente, creando imágenes más austeras y espirituales, existe una renovación de la iconografía, habrá imágenes que serán explícitamente impuras por ejemplo la de María Magdalena.
El protestantismo se aleja de la representación de santos, más bien expone imágenes de la biblia. El retrato se propaga el retrato de los propios reformadores, con intenciones propagandistas. Hay predilección por la utilización del grabado, monocromo, el color es un exceso de lujo y de sensualidad. Lo que Lutero pretende es que la imagen sirva de vehículo para una idea, que no se desvirtué por el exceso de lujo, privilegia la propagación de la idea. También interesa porque se puede reproducir en serie mediante el nuevo invento de la imprenta y pueden acompañar libros. Se elimina la decoración interior de los templos, hay una predilección por pintar los interiores de color blanco.
El protestantismo se considera una religión de la palabra, el sermón es la parte más importante de la iglesia, no tanto la parte litúrgica, se le da mucha importancia al pulpito. Es muy habitual en los cuadros holandeses de interiores de iglesias mostrar cierta informalidad, más carácter de reunión, hay gente sentada en el suelo, a veces incluso hay animales domésticos, algo impensable en un templo católico. El templo protestante es realmente la casa de todos, un carácter más acogedor, no tan solemne y jerárquico.
Todo está pasando en un territorio que está bajo la monarquía hispánica, de los antiguos dominios del imperio de Carlos V. Hay un año muy significativo donde se desencadenaran: 1665, una fiebre iconoclasta desde el centro del protestantismo se promueve que se destruyan las imágenes de las iglesias. Esto se ejemplificara muy claramente mediante grabados, donde se recoge esta furia protestante iconoclasta, personajes que intentan hacer caer imágenes de interiores del templo, una fiebre protestante equiparable a un movimiento parecido en Inglaterra en el siglo XVI, la reforma anglicana, una variante del protestantismo en clave explícitamente nacional.
Todos estos grabados se comienzan a difundir para fines propagandísticos, pero esto no dejara indiferente a la corona hispánica, se envía al duque de alba con los tercios de Flandes, que ejercerán una gran represión contra estos rebeldes. Provocara el hecho de que al final el duque sea visto y representado incluso como un devorador de niños en grabados. Esta represión desencadenara a un hecho irreversible, finalmente la parte norte de Flandes (actual Holanda) se levantan en rebeldía contra la monarquía hispánica que acabara con la independencia absoluta de Holanda respecto a la monarquía.
También salen grabados satíricos, imágenes monstruosas: el papa asno, una visión hibrida del papa, también del clero. Lucas Carach el Viejo, Albrecht Dürer, referencias explicitas a la gran prostituta de babilonia se identifica con Roma, con la iglesia católica. También representaciones de Lutero W. Stuber Luter como Santo Jeronimo, y Luter como Hercules Germanicus: San Jerónimo, fue el traductor de la biblia, el hecho de poner la biblia a la lengua vulgar, una visión más pedagógica de Lutero, quien fue traductor de la biblia en alemán: el sabio, el intelectual. Lutero defendiendo del mal del clero.
Los artistas, con el nuevo mercado del arte se tienen que convertir: la naturaleza muerta, la pintura de vanitas. Las naturalezas muertas holandesas y flamencas se diferencian sobre todo por un carácter voluptuoso, curioso porque cuando se habla de la imagen religiosa siempre se intenta que sea muy austera. Se muestra un lujo determinado mostrado sobre todo mediante vajillas u otros objetos lujosos. Se está viviendo una gran explosión de carácter económico, ya se había el consulado rededor holandés del mundo, marítimo ya al habían empezado a comerciar con américa áfrica o Asia. Estos cuadros se presentan con la voluntad de mostrar esta nueva prosperidad. Era muy común que siempre aparezcan los objetos de una forma profundamente desordenada, el limón a medio pelar, todo acumulado ¿a qué se debe? Es como si justo antes de haber sido pintado, hubiera pasado alguna cosa, como si hubiera por ejemplo aparecido un animal doméstico y se hubiera subido a la mesa (a veces aparecen animales) También ha sido interpretado como una prueba de este carácter efímero de la vida, todo puede romperse, todo se puede derrumbar.
Otro género es la pintura de flores, también tiene una doble interpretación: o bien como algo meramente decorativo, pero también como una cierta vanitas, las flores cortadas son condenadas a la muerte. Otro género será el paisaje, entendido como primera vez como genero autónomo, antes habían sido imágenes con un pretexto temático, pueden aparecen aquí personajes pero no pertenecen a una historia, no son individualizados, forman parte del paisaje. Jan Van Goyen, en su época en realidad se dedicaba a vender tulipanes, la pintura era una actividad complementaria, Rembrandt será uno de los pocos privilegiados. Había una sobre producción de pintura de género. Otro ejemplo es Jacob Ruysdael, El molino de Wijk Bij Duurstede. Meindert Hobbema, Avenida de Middelharnis.
FRANS HALS 1580- 1666 Ejemplifica este tipo de pintura nacida en un entorno protestante. Veremos que es un pintor muy paradigmático, no es un pintor de naturalezas muertas, no es de género, es muy de figura y retrato, ya sea colectivo o individual, pero no de individuos de un rango demasiado elevado, más bien de pequeños burgueses, siempre acompañados de una familia numerosa en actitud bastante informal, muchas veces al aire libre, como si estuvieran compartiendo un rato campestre, un tipo de retrato, como el de la pareja, el hecho de situar el retrato no ya en un interior solemne sino en un ambiente campestre, con este contacto con la naturaleza, este carácter informal hace que los personajes también estén más relajados. Interactúan entre ellos con cierta complicidad.
El personaje negro: un criado, un esclavo, muy habitual en la pintura holandesa, también muestra de su riqueza, un signo de prestigio. También será habitual la escena tabernaria en su pintura, donde dominan los personajes borrachos, con los mofletes rojos, el ambiente festivo. En estas escenas se aprovecha también para introducir naturalezas muertas. Escenas que comienzan a introducir personajes procedentes ya directamente de clases populares, mendigos, como protagonistas de la obra. Personajes muchas veces relacionados con la música, de intelectual, estilo carácter música pictórico de lúdico, no juglaresca.
El Hals es de pincelada muy suelta, muy libre, esta libertad de expresión temática también se introdujera dentro de la técnica. La espontaneidad.
Algunos de sus retratos sí que podrían ser pedidos, pero están en una actitud muy sonriente y relajada, muestran una autoconfianza que estaba impregnando a la sociedad holandesa, una nueva potencia libre, una sociedad confiada en sí misma. También retrata a esclavos. Otro personaje de carácter popular, femenino: la gitana. Willem van HEYTHUYSEN, podría parecer más solemne, es un interior, pero lo rompe con su posición. Banquete de los oficiales de la guardia cívica de San Jordi: un retrato grupal, corporación civil vinculada con el gobierno de la ciudad. Hay otros ejemplos de estos retratos de grupo, utilizando la diagonal de la bandera que marca la profundidad, también la ventana.
REMBRANDT HARMENSZOON VAN RIJN 1606-1669 Pintor también introducido en el protestantismo, se hace partícipe del tipo de pintura de la época a pesar de Ámsterdam, mundo mucho más vivo. La ronda nocturna: no es su título original, después se vio que era tan oscuro porque el cuadro estaba sucio. Esta confusión es que seguramente es que están en un interior, están a punto de salir, en el vestíbulo, en la documentación sale como “la compañía del capitán tal dando órdenes .Podría ser que se tratara de un desfile, una festividad patronal y esta corporación desfilase conjuntamente con otras corporaciones ciudadanas. La aportación de esta obra al tema del retrato es que se agudiza aún más el componente informal como la pintura de Hals, sin geometría, desordenado, un catálogo de diferentes actitudes y expresiones y gestos: tiene un carácter de instantánea de un momento determinado.
Hubo cierta polémica porque este había sido un encargo de la compañía y cada personaje que aparecía pagaba una parte, algunos no se les ve casi, se quejaron. Película: la ronda de nit “night watching” La niña: una proveedora de agua para los militares muy típica Alegoría de la virtud cívica? Retrato de su hija muerta?. Rembrandt es un hombre muy familiar, aunque todos sus hijos murieron jóvenes, introduce mucho a niños en sus cuadros, cierta obsesión.
Pocas veces tiene temas mitológicos, cuando los tiene son bastante satíricos, es como si los personajes mitológicos fueran de risa: el rapto de Ganimedes: este, un chico precioso, es retratado como un bebe. También pintan diosas, que parecen mujeres disfrazadas, muy lejos de la majestuosidad de Rubens. En una visión muy satírica, relacionada ciertamente con la interpretación de Velázquez.
Rembrandt estudios anatómicos Eran normalmente cadáveres de convictos pero Rembrandt los propone en similitud a imágenes de un cristo muerto. De gran realismo.
Los niños como protagonista, es un hombre muy familiar, con una mirada popular y muy íntima, nos permite apreciar la técnica de Rembrandt, de pincelada rápida y de empaste grueso, trabajada con espátula, se ve mejor de lejos. Pintura religiosa: también vinculada al tema familiar, muy en consonancia con la temática protestante, siempre son pequeñas composiciones destinadas a la devoción particular. Es un tipo de pintura que mezcla la imagen bíblica y la de retrato familiar, a veces cuesta distinguirla: muy común es el nacimiento de Jesús. Logra muy bien el uso de la luz, muy atmosférica, domina muy bien el claroscuro, en los casos del nacimiento ilumina sobre todo al niño, algunos haciendo broma lo llaman el niño bombilla. La indumentaria es del siglo XVII y su ubicación es un interior domestico propio de la Holanda de la época, de ventanas con el vidrio cuarteado.
La sugestión de Rubens: cuando se trata por ejemplo de la pasión de cristo, encontramos pocas veces la recreación en la figura de cristo, muchas veces esta simplemente sugerido, no sabemos mucho de la anatomía ni del rostro.
Estas dos obras se han entendido a la luz de las que Rubens hiciera un tiempo antes, pero su idea es completamente diferente: Rubens está en el mundo católico, por lo que serán enormes retablos destinados a la catedral. La cena de maurs, de carácter muy austero, es muy habitual que Rembrandt sitúe estas escenas en ambientes arquitectónicos: arcos, vueltas, puerta, muy como en la ronda nocturna. Escena de la presentación de Jesús en el templo, otro ejemplo.
En su pintura religiosa hay una especial importancia del antiguo testamento, es un texto más apreciado para los protestantes. La seducción de la mujer a José: los personajes llevan indumentaria anacrónica, muy actuales. El turbante, aparece mucho en la cultura de Rembrandt, el festín de Baltasar, un rey que profano el templo de Jerusalén, aparecen las palabras de dios anunciándole su muerte a causa de su pecado. Ámsterdam era un puerto cosmopolita, llegaban todos estos productos de lujo exótico, de los cuales el propio Rembrandt era un gran comprador, aficionado al coleccionismo. Este es un ejemplo del usual uso del cuadro a medio cuerpo, una técnica muy usada ya por Caravagio. Por contra cuando Rembrandt usa el cuerpo entero, suelen ser de lejos y casi indistinguibles.
El rey David perdonando a su hijo, no le vemos el rostro a su hijo, el rey David vestido con estas túnicas y turbante. Otro ejemplo es la figura de Betzabel, en el momento en el que sale del baño, acaba de recibir la carta del rey David donde la obliga a comer un adulterio por el que después será castigada. Este tipo de pinturas donde las mujeres aparecen como cumplimiento de los más bajos deseos del hombre son muy habituales, aparecen como seductoras fatales, como ejemplos moralizantes: hombres tened cuidado.
Aquí aparece con cierta simpatía, con cara de preocupación, Rembrandt tiene mucha capacidad de empatizar con sus personajes.
Dibujo: escenas de ejecución, muy impactantes, seguramente Rembrandt presencio. Era una niña de 13 años de procedencia danesa criada en Ámsterdam. Robo un trozo de pan fue pillada y se enfrentó y agredió a su dueña con una destral, su condena fue el asesinato, al lado vemos la destral. Para acabar, se habla siempre se habla de la relación de Rembrandt con temas de la ancianidad, de judíos, por ejemplo, vivió en el barrio judío un tiempo. Sobre todo Rembrandt los retrata en relación a la sabiduría, muchas veces utiliza estos ancianos como modelos para hablar de filósofos: un apostolado laico. Por otra parte también existen algunas series de filósofos católicos. Otros ejemplos de estos retratos de ancianos, con ese rostro más arrugado le hacen poder utilizar más materia pictórica.
Algunos los sitúa también en interiores arquitectónicos. Personajes venerables.
También pintaba algún paisaje, se apuntó a estas pinturas sin una historia detrás, un ejemplo muy famoso es el Buey desollado. Otro género es la pintura de esclavos, apuntes “Tronias” cabezas de expresión. Los autorretratos, a parte de sus 60 individuales también los tiene con otros personajes.
Por ejemplo escenas de taberna con su mujer Saskia, quien muere muy pronto, es objeto de muchos retratos por parte de Rembrandt. Hendrijcke, bañándose, mujer que entra en el servicio a la muerte de Saskia para cuidar de los niños, según dicen su amante. De autorretratos, uno de juventud, el único de cuerpo entero, como es costumbre en estos planos no se le ven bien los rasgos faciales. Podemos ver su evolución, de la edad, el paso del tiempo, el estado del alma.
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