5. Arte en la Unión Soviética (2015)

Apunte Español
Universidad Universidad Pompeu Fabra (UPF)
Grado Humanidades - 3º curso
Asignatura Arte Contemporáneo
Año del apunte 2015
Páginas 10
Fecha de subida 30/03/2016
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Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch 5.- ARTE EN LA UNIÓN SOVIÉTICA [Contexto histórico del paso de una sociedad feudal a una socialista] Punto de partida, lo que se enseñaba en las academias  Pintura muy realista. Sin embargo, ya habían empezado a llegar huellas de lo que se estaba produciendo en países como Francia y Alemania. Estos contactos se producían mediante diversos caminos, uno de los cuales eran los de los coleccionistas rusos que viajaban y compraban pintura moderna (Picasso, cubismo, Matisse…), aunque esto no tenía una difusión pública. Otro camino era el de los artistas rusos que viajaban a formarse (Kandinsky y el grupo que se estableció en Murnau).
Los artistas que dan el paso de la aceptación del arte popular a un arte más vanguardista son Mijail Laionov y Natalia Gontcharova.
- Larionovov, retrato de Gontharova, 1915  retratos de lenguaje cubista. Aparición de recortes de diario - Gontcharova, retrato de larionov, 1913 Gontcharova, El ciclista, 1913  cubismo y futurismo. Deseo de movimiento, por lo nuevo, por los cambios…. El tema también tiene que ver con la modernidad; la bici era un nuevo tipo de transporte en Rusia para desplazarse Gontcharova, La lavandería, 1912 Hacen un manifiesto del rayonismo. Formalmente, como serie de obras, marca el paso entre la tradición y la vanguardia.
Larionov, Rayonismo rojo, 1913  raíz cubista y abstracta. Ángulos rectos, como una especie de rayos los unos encima de los otros, tienen una clara influencia futurista.
Así pues, vemos como antes de que llegara la revolución ya había deseos de modernización en el mundo de la cultura. Estos deseos se canalizan en dos vías  la del Suprematismo (Malevitch) y la del constructivismo (Rodchenko). Cada una plantea una manera diferente de modernización. Malevitch plantea una vía individual y personal que presentó algunos conflictos en la sociedad. Este camino viene claramente del cubismo.
Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch Malevithc, el afilador, 1913  influencia del tubismo de Leger y del movimiento simultaneo de los futuristas. Este es su punto de arranque.
Malevitch, vaca y violín (alogismo), 1913  Hace algunas obras que incluye dentro del término “alogismo”, fuera de la lógica. Posibilidad de incluir un elemento claramente figurativo en una obra más abstracta, de lenguaje cubista, para romper con la tradición.
Estas primeras experimentaciones, Malevitch las lleva al campo del teatro, y hace diversos decorados y vestuarios.
El punto decisivo para Malevitch es una exposición que se hace en 1915 i se llama “0-10, Última exposición futurista”. Futurimo se emplea con el sentido de moderno y vanguardista (no con el estilo artístico futurista). En esta exposición de lleva a la pintura a un punto extremo, “supremo”. Con motivo de esta exposición, Malevitch pretendía “desechar los ropajes del pasado”. Se trata de la misma idea de los futuristas, aunque ellos lo trataban de otra manera. Quiere darle a unos tiempos modernos y nuevos unas formas también nuevas.
Malevitch buscaba: “que la sensibilidad se exprese plenamente”, “que sea ajeno a la objetividad habitual” Malevitch, suprematismo n 56, 1916  formas geométricas muy sencillas. A veces blancas y negras y a veces con otros colore, pero no son formas que evoquen ni simbolicen nada.
Malevitch, cuadrado negro sobre fondo blanco, 1915  uno de los puntos más extremos al que se puede llegar. No hay tema, no hay motivo… no hay nada. Voluntad de liberar el arte por completo del mundo de las cosas. Idea de que “no hay más de lo que ves”. Se desvanece cualquier tipo de recuerdo del mundo real, de la mímesis, de la figuración. “Lo que expuse no es un cuadro vacío sino la percepción de la no objetividad”. Se trata deun tipo de investigación que es difícil que consiga ir más allá.
- Perejaume, pessebrisme del quadrat negre, 1993  el autor percibe que la obra de Malevitch no se ha conservado intactas sino que le han salido grietas, y las representa en el suelo en forma de escultura.
Malevitch, cuadrado blanco sobre fondo blanco, 1918  todavía va más lejos. Aquí no hay ni contraste de colores. Pero todavía nos permito un pequeño juego de simplificación porque Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch todavía vemos un cuadrado blanco sobre otro. Sin embargo, es muy difícil. Por esto se empezó a pasar del papel al campo de la escultura y la arquitectura, para dar volumen.
Este tipo de arte encajaba mal con los principios de la revolución, especialmente a partir del año 25, cuando Lenin ya ha muerto. Desde el inicio de la revolución hasta la muerte de Lenin (1924) se produce una especie de idilio entre los revolucionarios y los artistas. Hay mucha sintonía y los artistas pueden desarrollar este tipo de arte. Después esto cambia y se produce un conflicto sobre que lenguaje tiene que tener el arte. Están de acuerdo que tiene que aparecer un nuevo lenguaje, pero lo que han estado haciendo hasta ahora es muy incomprensible. Por eso a partir del 25 las cosas cambian y nos empezamos a encontrar con obras más realistas y con mensajes más sencillos de entender, donde no caben este tipo de manifestaciones.
Malevitch, caballería roja, 1930 – 1  suaviza un poco su lenguaje. Es una obra muy abstracta, aunque menos sencilla y con más matizes, y se incluyen elementos figurativos como la “excusa” para poder seguir pintando.
Malevitch, presentimiento, 1928 – 32 / muchacha con palo rojo  vuelta al orden de los años 20, después de la primera guerra mundial.
Rodchenko, en cambio, pone su arte al servicio de toda la sociedad. El lleva las investigaciones de Malevitch a un punto extremo (Puro rojo, puro azul, puro amarillo, 1921). Tres cuadros independientes ya sin ningún tipo de matizes. Ya no se puede ir más allá. Es la simplificación pura. En los años sesenta los minimal tomaran esta idea y la presentaran de manera totalmente industrial y fría, cogiendo metales y colores más industriales. En Rodchenko las obras también son frías, no hay ninguna señal del artista que lo ha hecho, ni siquiera hay la firma. La obra se autonomiza.
Malevitch y Rodchenko no se proponen acabar con el arte pero, sin embargo, lo llevan a un punto que ya no puede tener más continuación ni más proceso de “evolución simplificadora”.
Hay otra opción, que plantea un arte útil, al servicio de los ciudadanos, y se conoce como arte constructivista. Se trata también de un gran cambio, porque “lo útil” antes no era el objetivo del arte. Antes los objetivos eran decorativos, o incluso algunas veces reflexivo, pero nunca “útil”, nunca “práctico”. Este algo práctico tiene que ver con la idea que “las calles sean los pinceles y las ciudades sean la paleta”. Es decir, que el arte no se encierre en Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch los museos sino que pasen a formar parte de la vida cotidiana de las personas. Que influya en la vida de las personas. Por este motivo para los artistas constructivistas la arquitectura es lo que toma más importancia.
Un buen ejemplo es Vladimir Tatlin.
Tatlin, contrarelieve de esquina, 1914  tatlin empieza haciendo estas esculturas hechas con materiales de desecho (maderas, chapas recortadas…) Esto es muy importante tener en cuenta que no habría sido posible sin el bodegón con rejilla de Picasso.
Tatlin, monumento a la tercera internacional, 1919 – 20  esta obra resume muy bien sus objetivos, aunque finalmente no se construyó. Los monumentos no son nada nuevo. Sin embargo la diferencia es que la tercera internacional no es un señor, ni representa la victoria de una batalla… se hace un monumento a una idea. Se lo encarga el comisario de cultura.
Formalmente se parece muy poco a los monumentos que conocemos, con base, columnas, estatuas… este monumento tenía que estar compuesto por dos cilindros y una pirámide en medio. La idea era que fuera útil. Era una escultura pero iba a ser también una arquitectura.
En el primer gran cilindro había que tener salas de congresos y tenía que girar cada año. La pirámide del centre giraría cada mes, y estarían los órganos ejecutivos del partido comunista. Todavía habría un tercer cilindro en la parte superior que giraría diariamente y que sería un centro de comunicación. Se trataba de un proyecto revolucionario pero también muy utópico porque no había tecnología suficiente. No se trataba de hacer algo puramente simbólico, aunque era un componente importante, sino algo que también fuera útil y pudiera tener algún tipo de utilidad.
Tatlin, torre de radiodifusión, 1922  lo que se acabó haciendo finalmente. Algo mucho más sencillo aunque conservaba el elemento útil y el simbólico.
Se han hecho varios homenajes a la torre, como señal de reconocimiento.
- Flavin, monumento 1 A Tatlin, 1964 - Judd, Sin título, 1967 Esta utopía del monumento a la tercera internacional se lleva al campo de la arquitectura, y es más fácil de realizar cuanto menos complejo es el proyecto.
Melinkov, pabellón de la URSS, París, 1925  este edificio recoge estas ideas. Materiales muy sencillos, con formas geométricas. Importancia de la luz. Nuevos elementos de Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch carácter simbólico. Exposición de las artes decorativas de París, 1924. La URSS hace este pabellón y lleva una serie de obras. Es el momento de difusión al resto de Europa, y es también el momento en que empiezan a hacer otras cosas.
Rodchenko, club obrero, 1925  una de las cosas que se pueden ver en esta exposición.
Zona dedicada al ocio: biblioteca con libros y periódicos y juegos de mesa. Para este club se fabricaron unos muebles absolutamente distintos a los convencionales, en los cuales todo lo que se hacía era porque tenía alguna utilidad, no había nada puramente decorativo.
Stepanova, diseños para un equipo de fútbol, 1924. Pasan al diseño de la ropa las ideas que vemos en la pintura, como las formas geométricas y sencillas.
Rodchenko, publicidad, 1922  uno de los cambios es la tipografia. Juegos tipográficos con letras más grandes y pequeñas, con distintos formatos… Formas geométricas simples.
Pocos colores, pero al mismo tiempo fuertes, para hacer las imágenes más llamativas. Se hacen para cualquier tipo de anuncios.
Realismo socialista  vuelta a la tradición, al academicismo, a la figuración. Anyos 20. Se vuelve a un lenguaje perfectamente reconocible en la tradición del arte occidental. El aspecto monumental i grandilocuente adquiere mucha importancia, como símbolo de la importancia del sistema.
Fotografia de Rodchenko: Rodchenko, fotografías, 1925, 1926  Movimiento pictorialista, era el estilo que había en el momento y que retocaba las fotografías con medios externos. En cambio, aparecieron un grupo de fotógrafos como Rodchenko que pasaron a preocuparse únicamente por la fotografía en sí y de las posibilidades del revelado.
Aplicaciones de su fotografía - Fotomontajes como, por ejemplo, decorados de espectáculos - Carteles publicitarios o tipografías (se simplifican y geometrizan) Hermanos Naum y Persner: Tipo de escultura distinta a la del momento.
Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch Naum Gabo, cabeza construida n2 / Relieve cuadrado  Herencia cubista, Picasso (Guitarra).
También nos recuerdan a las esculturas de Juli González y Gargallo (Bailarina). Importancia del movimiento, voluntad de conseguir una “escultura dinámica”. No buscan “sensación de movimiento” como antiguamente, sino que buscan “movimiento real”, que la escultura en si “se mueva”. Esculturas abstractas y abiertas, más características que en aquel momento no asociaríamos con la escultura. Consideran que la profundidad y la transparencia son mejores que el volumen para dar la sensación de espacio. Empiezan a trabajar con nuevos materiales (aluminio, plásticos…) y a dar nuevas formas Naum Gabo, construcción en el espacio con centro cristalino  el cristal del centro gira, y toda la estructura central también. Nos recuerda a las fuentes de Carter, con aquél movimiento loco y azaroso, sin embargo aquí el movimiento es mecánimo y totalmente pensado Este tipo de escultura nos lleva de nuevo al campo de la abstracción Bruno Munari, Girondella. Objeto cinético  obra basada en el movimiento, que ha sufrido un proceso de abstracción.
Otro de los responsables del paso de estas ideas nuevas al resto de Europa, al igual que estos últimos artistas que hemos visto, es Lissitzky. Esta a mitad de camino entre el suprematismo y el constructivismo.
Lissitzky, autorretrato, el constructor / tatlin en el trabajo  Se retrata como el constructor, no como el artista. Tan importante es la cabeza que piensa, el ojo que ve, como la mano que dibuja, técnicamente, ayudada por el compás. Idea que no hay nada azaroso, todo está muy bien pensado. / Homenaje a Tatlin, que también es esa persona que piensa, mira, y traza con un compás. Las formas geométricas que aparecen serán muy típicas y representativas del momento.
Sus investigaciones fotográficas las lleva al campo del diseño y a revistas.
Lissitzky, cuaderno de diseño Lissittzky, proun  investigaciones con pintura. Su pintura se convierte en un mundo completamente autónomo, no hay tema, no hay figuración… Lissitzky passa estas investigaciones al campo de las tres dimensiones Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch Lissitzky, espacio proun, 1923  los espacios de exposición tradicionales normalmente estaban llenos de cuadros, los unos junto a los otros, casi amontonados. Lissitzky cambia totalmente con esta concepción. Aparece la idea que las obras necesitan “aire”, y espacio para respirar.
Países bajos: Estas ideas también se desarrollan mucho, concretamente debido a una revista llamada “De Stijl”, el estilo, que pubica Theo van Doesburg, arquitecto y pintor. Piet Mondrian fue otro de los artistas más representativos de los Países Bajos.
Piet Mondrian, composición en rojo, amarillo y azul  No hay ninguna huella de mímesis, ni ninguna evocación de nada. Todo se reduce a líneas rectas y colores puros.
Venia de tradición simbolista pero cambia a raíz de Cezanne y de los cubistas. A partir de aquí evolucionó hacia una abstracción máxima.
Evolución: Piet mondrian, bodegón con jarra de jengibre I  para empezar, ya se trata uno de los temas más tradicionales en la historia del arte, y muy recurrente concretamente en Cezanne, del cual apreciamos su huella en esta obra. Mondrian se caracteriza para hacer un gran esfuerzo y cambiar la apariencia natural de las cosas. Aun así, aquí los elementos son bastante reconocibles. La gama de colores es bastante parecida al primer cubismo. Además podemos apreciar algunos detalles.
Piet mondrain, bodegón con jarra de jengibre II  todos los detalles han desaparecido.
Todos los elementos se han reducido a formas geométricas sencillas. El tema, prácticamente desaparece.
Piet mondarin, ocean 5  aquí ni siquiera reconocemos formas geométricos, sino solamente líneas.
En mondrian hay trasfondo relacionado con el calvinismo y la teosofía. Mondrian tiene interés por la religión y las filosofías antiguas. Para él el arte es un medio para ascender al conocimiento, para ascender de lo físico hacia algo espiritual y universal, válido para todo el mundo. Esta concepción se expresa muy bien en sus obras: da igual la cultura y los conocimientos; en su época, sus obras plantean el mismo reto a todo el mundo. Mondrian defino a su propio arte como “un arte plástico puro”, en el que solo toman partido los Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch elementos plásticos, y no los formales y temáticos. También habla de “abstracciones reales”.
Des que que mondrian llega a este punto de abstracción, hará variaciones del mismo tipo de obras.
Posteriormente viaja a los Estados Unidos, y es uno de los responables que lleva el arte europeo hacia allí. Sigue con el mismo tipo de pintura pero elimina el color negro y les da más vida a los cuadros Piet mondrain, Broadway Boogie Woogie Theo van Doesburg: Theo van Doesburg, revista De Stijl n 11  importancia de la tipografia El proceso de Doesburg es parecido al de Mondrain pero sin los aspectos religiosos y filosóficos.
Doesburg, La vaca  la obra final es bastante parecida a las de Mondrian. Este título puede parecer chocante. Sin embargo, si vemos el proceso de simplificación lo entendemos mejor.
Doesburg, composición XVI  similitud con Mondrian, con la única diferencia que Doesburg utiliza líneas diagonales. También quiere encontrar valores plásticos nuevos que tengan una validez universal.
También hace el paso hacia las tres dimensiones: Doesburg, l’Aubette, strasbourg  sala de bailes y cines, la deocoración interior esta hecha por Doesburg. Es una decoración para una sala polivalente, que puede servir para usos diferentes.
Práctica en la arquitectura: Gerrit Rietvald, Casa Schröeder, 1924  La propietaria participó mucho en el diseño.
Particularidad: tiene una serie de elementos fijos (escalera, baños, tuberías…) pero el resto son espacios abiertos con tabiques que se pueden mover. La vivienda es algo que cambia en función de los usos o necesidades de los propietaros. Espacio abierto, planta libre y asimétrica, predomino geometría.
Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch Estas nuevas ideas también se pasaron a los muebles Otro ejemple es el Café de Unei, de Oud.
Sin embargo, era más difícil trasladar estas ideas a los edificios sociales. Las casas particulares normalmente eran muy caras y esto era difícil trasladarlo a manteriales más baratos y a producciones en cadena. Aun así se hizo algún proyecto en Rotterdam y Stuttgart.
Bauhaus: Muebles de la Bauhaus. Se trata de hacer objetos de uso cotidiano y “dignos”. El tema de la dignidad es delicado. Antes de la revolución soviética, los objetos cotidianos eran artesanales y tenían su sencillez y dignidad características. Cuando se empiezan a hacer producciones industriales el resultado cambia, y a veces aparecen taras. La bauhaus trata de aprovechar las ventajas de la producción industrial pero procurando al mismo tiempo que tengan un diseño cuidado. Además también se intentaba que fueran útiles.
Josef Albers, Mesas, 1926 Anni Albers, Tapiz, 1925 La Bauhaus se funda en Alemania. A medida que los nazis cogían poder la bauhaus se iba trasladando. De Weimar se fue moviendo hasta Dessau y Berlín y finalmente se cerró.
Albers y otros miembros se fueron a Estados Unidos y allí abrieron una nueva Bauhaus.
Sus directores fueron Gropius, … y finalmente Mies van der Reier.
Bauhaus en Dessau, gropius, 1925. Arquitectura simple y luminosa. En el caso de Gropius venía de una fábrica que construyó un tiempo antes, la Fagus werk, un tipo de fábrica muy distinta a las típicas de ladrillos y dando mucha importancia a la entrada de la luz.
Cuando abrió la bauhaus en Weimar hicieron un Manifiesto: Albers, homenaje al cuadrado  nueva etapa en los EUA. Tienen mucho que ver con la pintura soviética (cuadrado con fondo negro, puro rojo…) Continúan haciendo muebles o utensilios y objetos cuotidianos. Un ejemplo es una tetera hecha a base de distintos tamaños de circurlos y semicírculos en distintas posiciones. Otro ejemplo seria una cuna.
Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch Otros artistas que estuvieron en la bauhaus: Paul klee, caminos primarios hacia la forma / ordenaciones espaciales  ejemplos de investigaciones sobre los colores Kandinsky, cursos de color  más investigaciones sobre el color Bayer, Quiosco y parada de tranvía  investigaciones en la pintura que posteriormente se llevan al espacio, o si más no, se intenta.
No era una escuela de arquitectura, sino una escuela en la que se aprendía todo lo relacionado con la arquitectura. Se aprendía a trabajar con los materiales, como aplicar los colores… Había mucha participación de los estudiantes en el funcionamiento de la escuela.
Breuer, apartamento Zurich, 1934  Ejemplo de interiores. Con la ligereza y el uso práctico como características principales.
Los libros y carteles también fueron importantes. Además, inventaron una nueva tipografía de letra, la Letra universal, en la cual todas las letras están formadas a partir de la base del círculo.
El último director de la Bauhaus fue Ludwig Mies van der Rohe, que finalmente tuvo que cerrar la escuela y acabó refugiándose a los Estados Unidos. Este fue el menos interesado en cuestiones políticas y el más interesado en cuestiones formales.
Mies van der Rohe, Pabellón alemán, Barcelona, 1929  riqueza de materiales, contraste, el agua funcionando como un material más, el reflejo con el suelo… se pone de manifiesto la importancia formal, se trata de un ejercicio claramente formalista.
Hay un proceso de evolución entre los momentos del manifiesto de la Bauhaus, el año 1919 que hace Gropius. Formalmente el lenguaje tiene que ver con el cubismo y el futurismo pero también con la tradición germana del grabado y del gótico. Quieren unir las sabidurías de todos (artesanos, arquitectos…) para crear un nuevo tipo de construcción.
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