Caravaggio (2014)

Apunte Español
Universidad Universidad Pompeu Fabra (UPF)
Grado Humanidades - 3º curso
Asignatura Art del Barroc
Año del apunte 2014
Páginas 9
Fecha de subida 22/10/2014
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CARAVAGGIO 1 Es un personaje muy interesante para hablar del sentido de la pintura en la contrarreforma, intenta tomarse muy al pie de la letra las normas. Pintura muy realista, introspectiva, para que la gente se sienta más en contacto con la divinidad, es justamente este realismo lo que le condenará. Su vida es convulsa, muere con 40 años. Tuvo mucha más suerte de la que pensamos, empieza a hacer pintura muy de pequeño, se forma en Roma, un día fue descubierto por un personaje de gran erudición que capto su talento y lo adopto bajo su protección, Cardenal Belmonte, un dignatario eclesiástico, administrador del patrimonio de los Medici en Roma. Sera bajo su protección que Caravaggio será conocido, llegando a recibir encargos bastante notables, fue un pintor de éxito, vivía en un palacio, en contacto con el círculo intelectual de Velmono, Vincenço Justiniani, Vincenço Galilei (padre de Galileo Galilei) un músico.
Lo que si es cierto es que es un personaje de carácter muy difícil y con un arte poco comprendido por el pueblo, se sienten incomodos ante el realismo excesivo de Caravaggio al tratar la figura religiosa. Sacrificio de Isaac, vemos ya algunos puntos de su pintura, su predilección son las escenas de medio cuerpo, muy cercana al espectador, se representa en el momento culminante, está a punto de degollar a su hijo, en el momento en el que el ángel le para el brazo, representado sin grandilocuencias, el ángel no está envuelto en nubes ni resplandores, casi ni se le ven las alas, desmitifica las figuras religiosas. Constante estudio de la expresividad, lo vemos en el momento de chillar, de resistirse a su padre. Esta obra aunque sea menor es interesante porque es el único ejemplo donde aparece paisaje, no es un pintor de paisaje, sino de fondos oscuros, neutros, como voluntad de resaltar la importancia de los personajes.
2 Otra obra es El descanso en la huida de Egipto, un momento en el cual la virgen y el niño descansan, para acompañar el sueño del niño un ángel toca el violín, se ha de entender en este contexto de importancia de la música en ese círculo, el violín es un instrumento muy nuevo de la época, San José le sostiene la partitura. El ángel esta de espaldas cosa que hace inevitable mostrar su condición angélica, pero son unas alas extrañas, grises negras, parecen de ave, como si hubiese copiado las alas de una paloma gris. También vemos cierto fondo, de elementos vegetales, se adivina profundidad. También de esta época vemos El tránsito de San Francisco, llevado por un ángel. Representar a este santo no es al azar, un santo especialmente promocionado por la iglesia católica, defendiéndose así de los ataques protestantes: es su santo más pobre, el pobre por excelencia. Se relaciona mucho a San Francisco con Jesucristo Imitatio Christi. Es por esto que Caravaggio representara a San Francisco, con un fondo muy austero, con actitud meditabunda muchas veces delante de una calavera y la cruz. Ejemplo impactante, Zurbarán, se supone que es san francisco muerto, con mirada perdida. Buscando despertar sentimientos de piedad.
Otro ejemplo es la Magdalena arrepentida ya hay pocas cosas que nos hagan pensar que es una santa, una chica joven completamente decorosa, eso sí, pero al mismo tiempo completamente humana. Solo identificamos su condición por la presencia de las joyas, lanza las joyas de prostituta al suelo, se arrepiente, también el jarrón de ungüentos, perfume.
3 Cae en desgracia en Roma, se ve en relación con un asesinato y ha de huir como proscrito. El Transito de la virgen ya había sido recibido con bastante recelo por el clero, se rechaza la obra porque se representa a la virgen de una manera poco decorosa, se salvó gracias a la intersección de Rubens, otro caso parecido es el de la Madonna de Palafreneri, cofradía de sede en San pedro del vaticano, Santa Ana como madre de la virgen y abuela de Jesús, no gusto mucho a los receptores, el niño Jesús desnudo de una forma demasiado explicita, la pintura de caravaggio es muy apreciado por receptores muy sofisticados intelectualmente, pero en capas más bajas de la sociedad como gremios o cofradías estas obras tan erales y explicitas sin concesión al idealismo incomodaban. Virgen de Loreto, realizada por encargo particular para la capilla Cabaleti de la iglesia de santo agustino, para un mercader adinerado, le encarga una tela pequeña que representaría la virgen d Loreto, nombre de un santuario italiano donde se considera que fue la casa de la virgen, este culto a la virgen en el comienzo del siglo XVII, es un culto muy promocionado por la iglesia católica, porque la madre de dios había sido de las más destrozadas por el protestantismo: había que defender la imagen de la virgen como inmaculada. Se da cuto a la virgen en todas sus variantes.
Aquí Caravaggio no nos deja ver esta presunta casa que sería la reliquia sino que sitúa a la virgen y al niño como a la puerta de la casa recibiendo a los peregrinos que van en adoración, situados en un contexto más bajo, se magnifica a la virgen simbólicamente, en esta representación volvemos a ver esta manca absoluta de idealización, estos peregrinos más bien ancianos, los pies negros, sucios de tierra de las jornadas de camino en el peregrinaje, estos pies causaban una mala impresión en las esferas más populares de la población., se consideró indecoroso. Por lo que corresponde a la virgen, influencia manierista con el cuello muy alargado, más alta, su rostro es prácticamente el mismo de la virgen de los palafreneros, es habitual en caravaggio el uso del mismo modelo en reiteradas ocasiones, esta modelo se llama Helena.
La cuestión es que tenemos a este Caravaggio proscrito y se sabe que pasa unos meses escondidos cerca de Roma en la zona de los Monti Albani, se pudo esconder en residencias de conocidos de sus mecenas. Paradójicamente estos altos cargos del clero no dejaran de serles fiel a Caravaggio, ellos mismos le felicitarían su llegada a Nápoles donde quedará. Es en Nápoles donde se incluye la pintura la Virgen del Rosario: Una virgen rodeada de fieles, dominicos, aparece el recurso de la cortina sobre todo en la obra del tránsito de la virgen pero también la habíamos visto en la Judith, 4 aquí es una cortina más rígida, menos conseguida, es una obra de cierto misterio porque no se sabe dónde se fue acabada, fue encargada por el duque de Módena, quizás la acabo antes de irse a Nápoles o la acabo ahí. Esta imagen fue polémica porque los fieles son indigentes también con pies sucios. Sí que se sabe en cambio que el Retablo de las siete obras de misericordia se hizo en Nápoles.
En Nápoles fue bien recibido por estos contactos, se sabe que recibe algunos encargos importantes en esta época, en este momento era de las más pobladas de Europa y con un puerto importante, de dominación Hispánica, pero muy castigada por la pobreza, siempre estaban en caos, con indigentes, enfermos...cuando llega Caravaggio acaba de pasar una peste importante. En este caso por lo tanto esta encargado por una congregación de carácter civil y benéfico destinada a intentar ayudar a toda esta extrema pobreza de las calles de Nápoles. Esta institución tenía una sede en el centro de Nápoles, La casa de la Misericordia, Seria un retablo para la capilla, en roma ya se había substituido 5 los retablos por las telas, la innovación fue que pinto toda la escena en una sola tela en vez de dividir las escenas, la virgen de la misericordia es ya de tradición medieval: con los brazos abiertos acoge a los fieles, esta sería la imagen central del retablo, luego estarían: dar vestido a los desnudos, de comer al hambriento, visitar a los prisioneros, enterrar a los difuntos...obras benéficas dedicadas a la caridad. Pero Caravaggio intentar representar en una sola tela las siete obras de misericordia, es también como si hubiera representado una de esas calles de Nápoles por la noche, si miramos con atención aparecen estas obras de misericordia: el hombre desnudo, el hombre de delante va a quitarse la capa para dársela, se ve también un personaje femenino que está dándole el pecho a un hombre anciano que de hecho está encerrado. Aquí sí que vemos de donde viene la luz: de la antorcha, con esta voluntad de recrear la escena en el Nápoles nocturno. El objeto del retablo se añade a la parte superior acompañada de la figura de dos ángeles que parecen precipitarse encima del grupo de personajes, es una licencia impuesta a Caravaggio, debe aparecer de una forma sobrenatural.
También realiza obras menores de carácter religioso como la Flagelación de cristo: tiene la misma 6 inclinación tan exagerada como las de la virgen de Loreto y la del descanso en la huida de Egipto.
Estos autores tenían una serie de recursos formales. Vemos una utilización arbitraria de la luz, Jesús el más iluminado en contraste con la visión casi monstruosa de los verdugos. La cuestión es que caravaggio estando en Nápoles le coge una manía persecutoria no se sentía seguro en Nápoles y decide irse de Nápoles hacia Malta, una pequeña isla que en se momento está dominada por un orden militar, los caballeros de malta, Caravaggio acabaría bajo la protección de los caballeros de Malta gracias a sus contactos, durante su estancia trabajara para estos caballeros, su cuadro principal es la de su capilla en la catedral de San Juan de Malta, en la capital. Es una capilla dedicada a san Juan Bautista, y por la cual cosa debía de ser este santo el protagonista de la tela, no sabemos si por indicación de los caballeros o por gusto propia es la escena de la degollación de San Juan, Vemos como San Juan aparece en la parte baja de la obra completamente estirado en el momento previo a su degollación y de hecho esto pierde protagonismo ante el resto de la composición, que está dominada por el espacio arquitectónica en el que preside un gran ventanal, un calabozo, con estos personajes que parece contemplar la escena, aparece con más protagonismo el verdugo, con un cuerpo en tensión. La obra tiene una forma triangular. También destaca esta mujer joven con una bandeja, presumiblemente la misma Salomé (la que pidió su cabeza), bandeja en la que pondría su trofeo. El mismo Caravaggio acaba siendo investido caballero de malta. Otro cuadro de más pequeño formato que recoge el mismo tema Salome con la cabeza del Bautista.
7 Caravaggio en estos momentos en Malta es encarcelado por haberse peleado con otro caballero de la orden, de rango más alto.
Protagonizara una fuga rocambolesca, consigue escaparse, y de Malta se va para Sicilia, dejara aquí también una obra. El enterramiento de Santa Lucia, en Siracusa, da la impresión que denotan ya una ejecución nerviosa, más rápida, no sabemos que recursos tenía en ese momento, son cuadros que se degradaban con más facilidad, hay aspectos interesantes como esta pervivencia de dividir los cuadros de gran tamaño horizontales: la en parte dos de fragmentos arriba está prácticamente vacía, solo vemos aquí un arco arquitectónico vagamente sugerido. Se van repitiendo otros motivos como este personaje masculino en primer plano que reproduce estas figuras de los verdugos que habíamos visto anteriormente, se describe su potencia anatómica, el cuerpo en tensión en una postura extrema.
En el cuadro Resurrección de Lázaro se mantiene de la parte vacía en la parte superior del cuadro y la figura de Lázaro desnuda con los brazos en cruz, una interpretación muy insólita en la iconografía de Lázaro, parece estar crucificado, recuerda a la crucifixión de San Pedro. Aparece Jesucristo señalando como la figura de dios padre en la capilla Sixtina. Otras obras relevantes de Sicilia son el Nacimiento de Messina y Palermo, son concebidas de manera diferente, en la primera Caravaggio lo representa dentro de un establo, la virgen está sentada en el suelo, no en un trono, reproduciendo un uso iconográfico de la virgen: la virgen de la humildad, una imagen medieval. Aparecen también materiales de carpintero. En la segunda imagen 8 es más convencional, la virgen también está en el suelo pero no es tan explícito, aparece también la particularidad de un personaje de espaldas y un santo, San Lorenzo, iba a presidir un oratorio dedicado al santo. El ángel tiene una filacteria con la bienvenida a Jesucristo, le da ese carácter sobrenatural. Finalmente después vuelve a Nápoles, sigue teniendo encargos de más pequeño formato: figuras de medio cuerpo, escenas bíblicas, como el caso del Prendimiento de Santa Úrsula, pero también son más oscuras, su paleta se oscurece de acuerdo a este éxodo suyo, no le permite trabajar de una forma reposada, son de ejecución más rápida. Volvemos a encontrar más obras relacionadas con las cabezas cortadas en general: san juan bautista, David y Goliat, el acostumbraba a presenciar las ejecuciones públicas con la compañía de otros pintores, practica bastante habitual para los pintores, se fijan en la expresión de los rostros. Su última obra es David y Goliat, se considera que este Goliat es un autorretrato, representaría este delicado estado personal que estaba pasando, curiosamente le llega un indulto de Roma gracias a los contactos. Cuando vuelve a Roma en bajo, hace escala en puerto *, se contagia de unas fiebres malignas y muere sin haber llegado a Roma, sin haber cumplido los 40 años. Su legado es mucho menor que el que se pensaría por su genialidad.
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