2. Expresionismo Alemán (2015)

Apunte Español
Universidad Universidad Pompeu Fabra (UPF)
Grado Humanidades - 3º curso
Asignatura Arte Contemporáneo
Año del apunte 2015
Páginas 12
Fecha de subida 30/03/2016
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Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch 2.- EL EXPRESIONISMO ALEMÁN Es un término ambiguo porque es muy amplio y alude a muchas cosas. Dentro de este estilo se engloban Los fauves y los expresionistas, que se ramifican en dos subgrupos. Se entiende casi como una manera de enfrentarse al mundo. Así como el realismo no es exclusivo del siglo XIX (alude a Courbet pero también puede aludir a Velázquez o Ribera) lo mismo pasa con el expresionismo. Normalmente este término se asocia con los países del norte y como una manera a la que enfrentarse a la realidad. También se habla de expresionismo para referirse a unos movimientos artísticos de los primeros años del siglo XX que llegan hasta la primera guerra mundial. Luego llegamos a otro tipo de expresionismo, en el período de entreguerras, muy político y basado en la caricatura y la deformación. Además, hay algunos artistas que “van por libre” como Munch y Nolde. Se pueden agrupar también dentro del cajón del post-impresionismo (como Van Gogh) que tienen una vertiente muy expresiva y de mucha deformación.
El expresionismo se puede asociar también con el cine Este término, pues, sirve tanto para aludir a una manera de enfrentarse el mundo como a una serie de momentos históricos en el campo del arte.
Los críticos muchas veces hablan de arte expresivo, pero eso en la época de comienzos del siglo XX se entendía como “arte moderno” y podría referirse tanto a Munch, como a Matisse, Picasso… Hay una corriente expresionista a finales del siglo XIX que se representa perfectamente en el caso de Munch. En el grito se aprecia la herencia de Van Gogh en el hecho de utilizar la línea sinuosa como un modo de expresión. Todas las líneas envuelven el personaje que grita.
Relación también con la deformación y la caricatura. James Ensor, Máscaras disputándese el carácter de un ahorcado, 1891.
August Strindberg vivió a finales del siglo XIX era dramaturgo pero tiene un cuadro, Noche de celos, que recuerda al arte abstracto de después de la 2GM.
Emil Nolde, Bailarinas con velas, 1912.
Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch Edvard Munch (1863 – 1944), El grito, 1893.
Expresionistas del grupo El Puente: Aparte de estos ejemplos de expresionismo en distintos momentos, nos vamos a adentrar en lo que plantean un grupo de cuatro artistas muy jóvenes (Ludwig, Kirchner, Heckel y Schmidt) que se reunieron en los primeros años del siglo XX. Algunos de ellos eran estudiantes de arquitectura, es decir no estaban especializados en pintura. Se reúnen en la ciudad alemana de Dresde y crean una asociación a la que nombran El Puente.
Originalmente tenían la voluntad de mantener el grupo en secreto. Los artistas del Puente no están de acuerdo con el tipo de pintura y escultura que se venden y que se ven en los museos del momento. Por este motivo se proponen hacer algo diferente. El nombre del Puente lo toman de Nietzsche1, ya que en uno de sus textos le da al símbolo del puente la idea de “cruzar” o “pasar” por encima de algo. Se trata de romper con el arte oficial y académico y enganchar con la vanguardia anterior a la guerra. Querían hacer un arte más cercano a la realidad, más expresivo, sin avenirse a ninguna de las reglas de la tradición. No hay un modelado de la figura y del desnudo. Un buen ejemplo es un cartel de Fritz Bleyl para anunciar una exposición de arte.
Estos artistas se presentaron como un grupo bajo este nombre y a partir de la siguiente imagen: Heckel, cartel, 1905 – 7. El rostro es parecido al de una máscara (simplificación, primitivismo). El contorno negro de la línea es muy grueso. Se trata de un grabado en madera. Se utiliza una madera suave, se excava en la madera, se baña en tinta y se aplica en el papel. Imprimir con madera era el procedimiento más barato. Por esto motivo las líneas de contorno son grandes y al mismo tiempo un poco toscas. Además, la figura del personaje está bastante forzada (ej. el brazo izquierdo no sale del hombro). Este tipo de realización permitía una grande difusión. Los colores son el rojo, el amarillo y el negro  bandera alemana = existe una gran voluntad nacionalista en este grupo.
Trabajan en las afueras de Dresde, se trasladan a uno de los barrios periféricos, debido a la voluntad de romper con la sociedad militarista y conservadora des del punto de vista ideológico.
1 Así habló Zarathustra, Nietzsche: “El hombre es algo que sebe ser superado; el hombre es un puente y no un fin” Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch Formalmente tienen ecos fauvistas de Matisse y en la manera de aplicar la pasta tiene reminiscencias de Vlaminck, Derain y Gauguin. Las pinceladas son gruesas y da la sensación que se aplican de manera directa y hasta violenta en el lienzo. Los colores son muy vivos. Un ejemplo es Mina de arcilla de Kirchner, o Fábrica de ladrillos en Dangstad de Heckel. La lección de Van Gogh, tanto técnicamente como expresivamente se encuentra también muy presente.
Hacen un manifiesto con el cual se dirigen a los artistas pero también al público, y especialmente a los jóvenes “disfrutadores”. En este manifiesto vemos como quieren cambiar el arte pero también quieren cambiar la forma de vida. Aparecen términos como espontaneidad y autenticidad. No son términos académicos ni técnicos. Según ellos un artista es aquél que tiene algo que le empuja a crear.
Uno de sus recursos tiene que ver con los desnudos. Hacen muchos desnudos pero los enfocan de manera de distinta a los desnudos tradicionales. Un ejemplo es Mujer e indio sobre una alfombra de Pechstein. Los colores y las formas son más atrevidas. El encuadre en picado, se trata de un punto de visto no habitual que les permite cortar a las figuras.. Están en posiciones naturales y desenfadas, y no en las posiciones forzadas de los dibujos académicos. Otro de los cambios es que en el cuadro aparecen un hombre y una mujer desnudos en una actitud cotidiana de naturalidad y de igualdad entre los dos sexos. Eran “desnudos de quince minutos”. Los modelos eran amigos suyos que posaban en una posición natural durante quince minutos y después cambiaban de posición. Otro ejemplo es Kirchner, Joven con sombrilla japonesa o de Heckel, Dos mujeres, en el cual apreciamos el interés hacia lo primitivo con la tela que hay entre las dos mujeres. Estos nos da pistas del entorno en el que trabajan, en una fábrica o edificio abandonado en el cual muchas veces fabricaban y decoraban sus muebles.
También hacen esculturas talladas en madera que nos recuerdan a las máscaras africanas.
Tallan en madera de una manera poco convencional. Hay una geometrización de las formas influenciado por el arte primitivo. Se fijan en este arte porque tienen el deseo de recuperar en la escultura occidental lo que tiene la escultura primitiva. Un tótem una máscara, para los primitivos, no es propiamente una obra de arte, sino que es un elemento relacionado con su vida cotidiana, rituales… lo que les interesa a los artistas del puente es que eran figuras que servían para algo y formaban parte de la cultura cotidiana primitiva. Otro elemento que los diferencia de la escultura es el pulido o, mejor dicho, la falta de pulido. Nos dan una Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch sensación tosca, de una superficie rugosa. Hay un elemento de inmediatez que buscan voluntariamente y que otra vez está influenciado del arte primitivo.
Schmidt-Rottluff. Cabeza azul-roja. Susto de pánico, 1917 / Cabeza, 1917.
Kirchner, Mujer bailando, 1911.
Por otro lado, tienen un antecedente muy importante: Gauguin, con las obras que realizó cuando viajó al pacífico. (Ídolos, 1892 – 93) Un elemento característico suyo es que juega con distintos materiales que son típicos de allí (por ejemplo las conchas) Kirchner, bañistas en Moritzburg, 1909. Vida libre en relación con la naturaleza y nada convencional. En verano estos artistas se van a los lagos y allí se pintan a ellos mismos y a sus amigos desnudos. Podemos relacionar esta obra con Lujo, calma y vuloptuosidad de Matisse. Esta obra, en cambio, es mucho más libre, chocante e irrespetuosa con la tradición. En el fondo la obra de Matisse no dejaba de ser una obra bucólica que podía relacionarse con Virglio. Así pues, vemos como Matisse se acabó convirtiendo en un paradigma de orden. En Kirchner las posiciones son mucho más provocadoras, al igual de los colores que son mucho más potentes. Las figuras que están en primer término dan la espalda al espectador, algo que empezaron los impresionistas pero de manera todavía poco atrevida.
Para este grupo no tiene demasiada importancia la autoría ya que conciben sus obras como un trabajo colectivo. A medida que pasa el tiempo y van siendo más conocidos si que le dan más importancia; es el momento en que Kirchner escribe el manifiesto y se erige como el representante del grupo.
Utilizan todo tipo de grabados pero sobre todo el grabado en madera, el más barato y que da unos resultados más toscos, menos elaborados, más salvaje. Este tipo de grabado se convierte en un elemento característico del grupo.
El deseo de cambiar es lo que lo lleva a crear los “desnudos de 15 minutos”. Deseo de naturalidad y armonía con la naturaleza.
Siguen esta línea hasta finales de la década, en torno al 1910. Pero poco a poco van dejando Dresde, que se les queda como una ciudad pequeña. En torno al año diez empiezan a trasladarse a Berlín. Este paso supone la ruptura de la cohesión del grupo. Empiezan a ver otras cosas, como por ejemplo pintura cubista. Cada uno empieza a tomar un camino Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch diferente. Esto se nota porque en sus obras de arte aparecen elementos que no aparecían antes.
Un ejemplo es Heckel, Convaleciente, 1913. Aquí Heckel recurre a un formato medieval, un tríptico, que tuvo bastanta importancia durante el XIX en el estilo del simbolismo. Se representa una persona enferma, al contrario que los desnudos en actitudes naturales y cotidianas. La gama cromática baja de tono, es más apagado, y se reduce a unos pocos colores de los cuales el amarillo es el más predominante. Aun así, continúan apareciendo elementos cotidianos como en las obras anteriores. Los artistas del puente ya han visto pintura cubista, y eso se distingue ligeramente en las líneas del fondo de la composición.
Pechstein, Autorretrato con muerte, 1920. Relación con la inminente Guerra Mundial. Se conservan los colores y deformaciones características del puente. Aparece el elemente de inquietud, al retratarse al lado de un esqueleto que le toca el cuello y de una prostituta.
Kirchner, Autorretrato, 1915. Kirchner se retrata con una mano amputada porque sufrió un ataque de nervios que pasó a convertirse casi en una enfermadad mental. Se retrata de este modo a causa del miedo que tiene de no poder pintar por culpa de la guerra. Hay una influencia de la oreja cortada de Van Gogh. También se retrata con una mujer detrás, que esta desnuda. Y los colores también nos remiten a las obras de Dresde.
En este momento empiezan a exponer en lugares distintos y a hacer carteles para distintas revistas.
Kirchner, aun así, continua algunos temas que ya había cultivado en Dresde y que, en definitiva, son los temas por excelencia de las vanguardias: la vida en la ciudad (las multitudes, los transportes… una muestra de todas las novedades de las ciudades del siglo XX). Kirchner cultiva este tema sobre todo cuando se va a Berlín. Así pues, tanto en Dresde como en Berlín el tema es el mismo. La diferencia es que cuando llegan a Berlín entran en contacto con el cubismo. Por eso las formas se geometrizan, se deforman, se estiran. Hay una especie de horror bacui, de modo que las figuras llenan casi por completo toda la superficie del cuadro. Tampoco hay ningún tipo de respeto hacia la perspectiva tradicional.
Encontramos rasgos característicos que ya no nos chocan, como el color con una ufnción expresiva y no imitativa.
Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch Kirchner, Friedrich Strasse, 1914 (Berlin) Kirchner, Calle, Berlín, 1914 – 25 / Calle de Dresde, 1908 (Dresde) Es muy habitual en Kirchner las pequeñas isletas de la ciudad (Kirchner, Postdamer Platz, 1914). Esto se apunta en Kirchner pero se representa más claramente con Meidner (Postdamer Platz, 1913). Un artista que no formó parte del grupo el puente pero que fue contemporáneo a ellos. Sus obras representan la visión plena de las ciudades modernas, representado no desde el punto de vista tradicional sino con aquello que respresenta la vida cotidiana moderna, el tumulto, la velocidad, el movimiento de la calle… Esto será una de las principales características del futurismo.
Es el ambiente prebélico el que Meidner capta con sus pinturas, y no las consecuencias de la guerra. Es muy habitual que se coloque el mismo dentro de las pinturas con una visión irónica. En sus ciudades no hay ningún respiro, todos los elementos están amontonados y superpuestos, dando la sensación de inseguridad y fragilidad a la que está sometida la ciudad justo antes de la guerra.
Meidner, Yo y la ciudad, 1913.
Meidner, La casa de la esquina, 1913.
Meidner, paisaje apocalíptico, 1913.
La mayor parte de los artistas del puente fueren considerados artistas degenerados por los nazis. Se hizo una gran exposición con obras que los nazis consideraban arte degenerado. Los que cayeron bajo esta etiqueta no pudieron volver a trabajar. Kirchner acabó suicidándose. Nolde se adhirió al partido pero igualmente le prohibieron pintar.
Entonces empezó a hacer unas acuarelas muy pequeñas que bautizó como cuadros sin pintar. Meidner huyó a Inglaterra. Por esto estos artistas, a finales de los 30, prácticamente dejan de pintar.
Der Blauer Reiter (El jinete azul): Otro grupo expresionista alemán, que tiene a V. Kandinsky como principal figura. Hemos hablado de Dresde y de Berlín, y ahora toca hablar de un pequeño pueblo. Este grupo está formado por una serie de personas que no siguen unos principios establecidos pero sí que Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch tienen unos intereses comunes (no una manera de hacer común). Estos intereses tienen que ver con hacer algo distinto a lo que se está haciendo, y que sea un arte que reivindique sus intereses. El jinete azul, al fin y al cabo, es una revista que publica textos, ilustraciones de los mismos artistas del grupo, de otros artistas, de otras culturas… Estos artistas tienen una formación mucho más solida de la que tenían los artistas del puente. El grupo del jinete azul parte de la base que el arte tiene que recoger las experiencias y necesidades interiores. Esta es una idea de Kandinsky.
El título viene, por una parte, de la tradición germánica del caballero. Por otra parte, viene por el interés hacia los animales y concretamente hacia los caballos.
Antes de crear la revista es importante tener en cuenta el tiempo que pasan en Murnau cuatro artistas (Kandinsky, Gabriele Münter…). Es un lugar tranquilo, agradable, cómodo, alejado de la ciudad, y también barato. A partir del año 1908 se reúnen en una casa llamada la casa de los rusos. Allí se dedican a coleccionar obras de arte popular. Este es uno de los ámbitos que interesará posteriormente a la revista del jinete azul. Se trata de un arte en el cual el color tiene mucha importancia. El arte popular tiene que ser llamativo para captar la atención y por este motivo se acostumbra a utilizar colores vivos y contrastantes. Les parece un arte tan vivo como podía ser el arte primitivo, por el cual también sentían mucho interés.
Es en este momento que dan el paso de una pintura figurativa a una pintura abstracta.
Münter, Werefkin y Jawlensky, 1909 Kandinsky, La iglesia de Murnau, 1909  los colores son vivos y planos y se busca que se mezclen creando una armonía que sea agradable a la vista. En este sentido recuerdan, más que al grupo del puente, a los fauvistas como Matisse. Esta obra no es totalmente abstracta aunque ya es considerablemente complicado reconocer claramente el tema.
Lo que descubre Kandinsky en esta época que pasa Murnau es la liberación del tema.
Cuenta que un día llegó a su estudió y encontró una obra suya del revés y no reconoció el tema; y justamente fue esto lo que le interesó: “entonces me di cuenta que el tema perjudicaba mis obras”  la abstracción puede ser más interesante que la figuración. La figuración estorba.
Mujeres pintoras: Marianne Von Werekfin y Jawlensky Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch Dos de la pinturas que pasan tiempo en Murnau junto con Kandinsky Werefkin, Murnau Jawlensky, Montañas en Murnau, Kandinsky había estado en contacto con las obras de Monet (como por ejemplo el cuadro de los Almiares, 1890-1). Cuando se trasladó a Alemania para estudiar pintura ya era un hombre adulto con trabajo, pero se fue a estudiar pintura a raíz de las pinturas impresionistas.
Kandinsky, improvisación 3, 1909  Utiliza títulos que tienen que ver con la abstracción.
Títulos musicales. Kandinsky tenía muy interés por la música, que es la más abstracta de todas las artes. Para muchos vanguardistas la música constituía el ejemplo de cómo conseguir la máxima expresión de la forma más inmaterial.
Kandinsky, improvisación 7, 1910  paso de la figuración a la abstracción. Momento en que cada vez nos cuesta más reconocer los temas.
Kandinsky, sin título, 1910  Abstracción máxima. Aun así, los colores no son escogidos de manera gratuita sino que expresan sus necesidades interiores. Idea que los colores nacen del propio artista. El color es el elemento fundamental de las necesidades interiores de los artistas. Kandinsky lo compara con la música. La finalidad última es que el alma vibre, y esto se consigue con el color. El color es la tecla que se tiene que pulsar para conseguir la vibración del alma. Esta concepción hace que la obra se entienda como algo que una vez que está realizada se independice, y ya no pertenezca a la obra.
Esto hará que muchos artistas reflexionen respecto a su propia obra. Llega un punto que los artistas “renuncian a entender sus obras”. Idea que la obra es independiente de ellos, por eso muchas veces no se sienten capaces de interpretarlas; cosa inconcebible en la pintura académica de estilos anteriores.
Formalmente, lo que hace Kandinsky en los incios de la abstracción (el expresionisme abstracto) va a tener una herencia en la segunda mitad del siglo veinte (un ejemplo es el artista Gorky).
Cada artista abstracto llega hasta la abstracción mediante caminos distintos. Kandinsky llega por la necesidad interior del artista pero hay múltiples maneras.
Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch Kandinsky, arco negro, 1912 Posteriormente deja de trabajar en la revista del jinete azul y entra en la escuela de diseño de la Bauhaus. En este momento la presencia de la geometría adquiere más importancia.
En el jinete azul, además de Kandinsky estaban Franz Marc y August Macke.
Marc tiene una rama más espiritual y lo que más le interesan son los animales.
Marc, Vaca amarilla, 1911  color simbólico y expresivo. El amarillo es un color fuerte, de vida.
Marc, Ciervos en el jardín del monasterio, 1912  En solo un año vemos una diferencia formal: su obra se transforma lijeramente cuando entra en contacto con los cubistas.
Distinguimos un ciervo y un bosque, aunque los planos se cortan y se sobreponen los unos a los otros Marc, Los lobos, 1913  formalmente la misma idea de influencia del cubismo. A nivel de significado los colores son más oscuros y los animales han dejado de ser amables para convertirse en animales que asustan, como los lobos.
Murió de muy joven, el 1916, en una trinchera.
El otro artista que participa en el Jinete azul es August Make. Es amigo de los otros dos per no compartía los mismos intereses. El hablaba de la manía de lo espiritual que tenían los otros dos. Hacia muchos decorados de teatro y tenía una manera de pintar aplicando los colores como manchas. Sigue con los temas urbanos; la ciudad, las mujeres, las tiendas, los parques… los colores son alegres, amables y vivos. Por lo tanto tenían bastante parecido con los fauvistas Macke, señora con chaqueta verde Viaje que hace al norte de África. Cambian los temas, pintan mezquitas, camellos… Macke, Kairuán III, 1914  las formas, los elementos, parece que están metidos dentro de formas geométricas.
Muchos de los títulos de Macke son descripitivos pero muchos otros tienen referencias musicales.
Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch Klee elimina directamente todas las figuras y culmina con el proceso de geometrización.
Aún así todavía deja algunas finísimas pistas, y una gran ayuda son los títulos. Con los títulos podemos distinguir evocaciones o alusiones a algo, pero en ningún caso se trata de imitaciones. Esto lo comprobamos cuando miramos alguna obra sin el título, ya que se vuelve mucho más difícil distinguir alguna figura o el tema.
Klee, claro de luna en Túnez, 1915 Klee, Le Seneçon, 1922 30/01/2014 El grupo jinete azul tiene una vida muy corta (1911 – 14). Aún así, si que sientan algunas bases y cobra mucha importancia el reconocimiento de la abstracción, en un momento en el cual otros artistas están llegando también a la abstracción siguiendo caminos distintos.
Otro de los cases más importantes de este grupo es Paul Klee. Klee es un músico que entra en contacto con Kandinsky y este grupo de artistas. Empieza siendo un gravador y un dibujante y a partir de su viaje a África simplifica enormemente sus formas. Lo que hace es permitir que ese mundo que él no controla aparezca a través de sus obras. La sencillez permite aflorar elementos que la mente que no controla, que forman parte de un mundo inconsciente.
Klee empieza a introducir letras en sus obras (como los cubistas). No tienen un significado claro sino que tienen una función plástica. La letra se incluye dentro del paisaje, aunque los elementos de este estén simplificados.
Klee, Villa R Hay todavía un elemento de enganche con la figuración pero es un elemento que ya es muy leve. En La casa giratoria, por ejemplo, distinguimos algunas formas aunque la perspectiva desaparece por completo.
Klee, La casa giratoria La humildad era una gran característica de su pintura. No pinta a gran escala no utiliza demasiado el óleo, prefiere más la acuarela. Su pintura es todo lo contrario a los cuadros de Van Gogh, en el cual la pastosidad dejaba una superficie con niveles.
Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch Klee tiene una trayectoria en cierto modo paralela a la de Kandinsky. Los dos son de fuera y se establecen en Alemania y antes de empezar a pintar ya han tenido una formación. Los pasan una temporada en la Bauhaus, una escuela de arquitectura y de diseño dando clases y elaborando programas para sus asignaturas.
Klee decía que se encontraba “tan a gusto entre los muertos como entre los que no han nacido aún”. Le interesan los otros mundos, lo que no se ve, la visión de los niños que son capaces de ver el mundo de un modo diferente.
En su pintura hay también un elemento lúdico, de juego, y de ironía. No hay seriedad ni denuncia como hay en otros artistas de otros momentos. Máquina parlanchina. Siguiendo la misma línea que Klee, a partir de los años cincuenta habrá artistas que lo llevaran a la realidad, haciendo máquinas con elementos materiales de de verdad, que normalmente son elementos de desecho que son reciclados, como es el caso de Tinguely. Las máquina de Tinguely son justamente una crítica irónica sobre el funcionamento sistemático de las máquinas. Por eso sus máquinas echan humo, hacen música, y se mueven siempre de modo distinto.
Muchas veces pinta con la misma simplicidad que si fuera un niño. Teatro de marionetas, 1921 – 23.
Klee, El corredor, 1921 Klee, Máscara de actor, 1924 Klee, al igual que otros miembros del jinete azul, estaban interesados por el teatro, la música, la ópera… Simbad el marino, 1928. En este cuadro hace convivir el elemento geométrico con una figuración muy peculiar que no es la convencional ni tradicional; distinguimos las figuras pero Simbad, por ejemplo, no tiene rostro.
Otra de las cosas que hizo fueron marionetas, normalmente para su hijo. La mayor parte de los artistas de vanguardia entran en el tema de los juguetes. Marionetas para Félix, 1916 – 25. Tiene reminiscencias de las máscaras primitivas. Utiliza formas sencillas, que se asocian con el mundo de los niños, justamente para hacer juguetes para los niños. Relación con Miró y Calder. Calder trabaja un tipo de escultura muy sencillo hecho a base de alambres, maderas y telas. Sus figuras se movían y hacía espectáculos con su circo de figuras. Hacía también móviles, esculturas que se movían con el aire o la corriente.
Arte contemporáneo 3 Humanidades Janina Berzosa Poch Algunas de las investigaciones que hacía Klee cuando estaba en la Bauhaus eran sobre el color. Juegos con las distintas gammas de colores y con formas muy simples. Separación de la tarde. Esta investigación acerca del color se continuó en la segunda mitad del siglo veinte, dentro del denominado “pop art”. Era un arte óptico que investigaba como percibíamos los distintos colores en las distintas formas. Trabajan también con metales y plásticos. Un artista seria Eusebio Sempere.
En algunas de sus obras no se acaba de perder un mínimo enganche con la figuración, y aparecen “bioformas” que nos hacen pensar en formas del mundo natural. Klee, Isla Dulcamara.
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