Neoclasicismo (2013)

Apunte Español
Universidad Universidad Pompeu Fabra (UPF)
Grado Humanidades - 2º curso
Asignatura Arte siglo XIX
Año del apunte 2013
Páginas 12
Fecha de subida 20/10/2014
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Apuntes de arte con imágenes de las obras

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15.04 EL NEOCLASICISMO Lo que define el neoclasicismo es el deseo de rodearse de obras clásicas. No es un regreso a la Antigüedad, más bien al contrario, es la certeza de que no se puede regresar al pasado i un deseo de evocarlo. Se comprende el tiempo moderno como algo que avanza y progresa, jamás como algo cíclico que tiende a repetirse. Lo que queda del pasado es la actitud nostálgica que lo recuerda.
La cultura europea ha tenido siempre la Antigüedad como referencia: cultura, lengua, mitología, derecho, filosofía… Incluso en la EM estaba presente, pero especialmente tras el Renacimiento.
Des del Renacimiento, la presencia de la tradición clásica está presente. El clasicismo no se ha interrumpido (clasicismo vs neoclasicismo). El neoclasicismo trata de volver a estudiar, a conocer el clasicismo directamente (volver a los modelos).
1. Definición y alcance La desesperación del artista ante la grandeza de los fragmentos de la Antigüedad, 1779 (Johann Heinrich Fuseli).
Delante hay una figura melancólica y detrás los restos de la figura colosal de Constantino. Son elementos extraídos directamente de la antigüedad. Doble actitud: 1) SACRALIZACIÓN, admiración hacia su ‘superioridad, admiración incondicional 2) EVIDENCIA SU SUPERIORIDAD, imposibilidad, desesperación del artista porque eso es inalcanzable.
2. Circunstancias que acompañaron a la aparición.
1) La cultura de la Ilustración. Favoreció ese gusto por lo clásico: la Europa del Antiguo Régimen antes de la Revolución Francesa, es decir, la cultura política ilustrada, favoreció ese desarrollo. Compartía los tres principios ilustrados: a. Razón. Prevalece el pensamiento sobre las emociones, la norma, lo sistemático, lo lógico, lo universal.
Cenotafio de Newton, 1784 (E.L. Boullé).
La razón se traduce al arte a través de la geometrización, sencillez (elemental, esencial).
b. Naturaleza. Normalidad, uniformidad, colectividad, veraz, universalidad, permanencia (connotación ilustrada); siempre por encima de las circunstancias. En el arte, representación del desnudo asociada a lo natural (el ser humano nace desnudo); el vestido es cultural (jerarquías, poder), se asocia con valores más allá de cualquier circunstancia: valores públicos desnudos.
Voltaire, 1770-76 (J. B. Pigalle).
Por la complejidad es de estilo barroco, pero introduce un elemento ilustrado: el desnudo, para mostrar que era un hombre de letras.
c. Historia. Como modelo de comportamiento moral. Está ligado a la interpretación y a la reinterpretación. La historia es lo que justifica la idea de progreso: es necesario conocer el pasado para avanzar hacia el futuro. Todo va a mejor (idea ilustrada).
Discurso político: todo será mejor mañana. Ese discurso finalista de la historia se construye en la Ilustración. Eso explica el interés hacia la representación de ejemplos históricos como ejemplos de comportamiento, en este caso acontecimientos laicos del pasado, reales (no bíblicos). Por ejemplo se usa la antigüedad romana.
Marco Aurelio distribuyendo limosnas, 1765 (Joseph-Marie Vien).
Ejemplo de la magnanimidad del gobierno: el rey que se preocupa del bien de sus súbditos. En el fondo, el cuadro está educando a partir de una idea política.
2) El Grand Tour. Viaje que hacían los intelectuales europeos al final de su carrera a Italia. La formación terminaría con un conocimiento directo de las antigüedades.
Roma se convierte en la capital artística y cultural de Europa, en el punto de encuentro. Esto fomenta el mito en determinados lugares.
Galería de vistas de Roma, 1759 (Giovanni Pannini).
Galería imaginaria donde están colgadas algunas vistas de Roma, codificación de determinados lugares. Roma se configura en el imaginario europeo como un icono, un conjunto de lugares soñados.
Ese gusto por la antigüedad también propició los anticuarios, los falsificadores, etc. La ruina y su belleza es otro de los paradigmas que definen el arte producido durante la cultura ilustrada.
Descubridores de Antigüedades, 1756 (Hubert Robert).
Fascinación del descubrimiento.
Atmósfera misteriosa.
Templo de la concordia, c. 1756 (Piranesi).
Idea de ‘en qué se ha convertido la grandeza de Roma’; incluye, no obstante, una visión poética en ella.
Aparición del museo como templo de la belleza. Antiguamente las colecciones estaban ligadas al prestigio de los monarcas y aristócratas, eran privadas. Esas colecciones se musealizan: la belleza es algo que admirar. Por eso los museos a partir del s. XVIII adquieren una conotación sagrada, de templo.
La rotonda, 1776-80, Museo del Vaticano (M. Simonetti).
Forma circular del panteón, como si fuera una capilla religiosa. Se admira la belleza del objeto artístico, no su función social, cultural o religiosa. No es un mero almacén, sin embargo, el museo repite formas de los templos antiguos.
Canova en su estudio con Henry Tresham, 1788-89 (Hugh Douglas Hamilton).
Retrato de joven, 1760-65 (Batoni).
Elementos clásicos.
Descubrimiento de las ruinas de Pompeia y Herculario: produjo la oportunidad de un conocimiento directo de una forma de vida. Aumentó la visión romántica de la arqueología y alimentó la fantasía.
Gran parte se conocía de forma indirecta a través de gravados. Pompeia y Herculario produjeron un impulso.
3) El nacimiento de la historia del arte. En el siglo XVIII había tres modos de acercarse al arte: a. Filosofía. Estética, pensamiento teórico, argumentos por los cuales se puede definir la belleza.
b. Historia del arte. Análisis de las circunstancias coetáneas (vinculada a las obras).
c. Crítica del arte. Opinión subjetiva del arte, argumenta la validez de una producción contemporánea.
Winckelmann: dio argumentos determinantes a favor del arte.
3. Circunstancias que favorecieron la consolidación 1) Asociación con la Revolución y con el arte del estado. Modelo cívico del comportamiento político, representaban trabajo, laboriosidad, frente a la frivolidad y la banalidad de la pintura galante. Se acaba convirtiendo en el arte oficial de los estados modernos. A partir de 1792, se usaron nuevos símbolos políticos sacados de la Antigüedad clásica (a veces son muy maniqueos).
La Republica, (Chinard).
1798 Apolo y la superstición, 1792 (Chinard).
Capitolio del estado de Virginia, Richmond, 1795-96 (Thomas Jefferson).
Luz de Apolo sobre las tinieblas de la superstición.
Intento de utilizar la belleza clásica con un fin político.
Utilización del estilo clásico en América.
Valor representativo parlante.
2) La consolidación de las Academias como modelos de enseñanza. Importancia de los modelos de belleza únicos.
4. Arquitectura: utopía y práctica La arquitectura pintada (G. B. Piranesi). Espacio que no se puede concebir con la realidad: relacionado con el sueño, la utopía. Esa arquitectura dibujada trata, suscita, los problemas espaciales infundados a partir de los tratados. Habla de la grandiosidad del espacio romano.
Relación harmónica entre la medida del ser humano y la organización del espacio.
Lámina 16 de la II edición de las Carceri, 1761 (Piranesi).
Espacios imaginarios, imposibles, vagamente inspirados en construcciones romanas, el manierismo.
Juega con la inaccesibilidad. No tiene una función utilitaria. Nos habla de la dimensión emotiva de la arquitectura. La arquitectura modernista en una arquitectura parlante, emotiva.
Bank of England, 1798 (John Soane), (no hay la imagen).
Espacio circular, resultado de esa cultura del símbolo: grandiosidad de Roma (esa es la Revolución arquitectónica).
Cenotafio de Newton, 1784 (E.-L.Bouillé).
Los arquitectos revolucionarios: 1) Transforman la arquitectura.
2) Reciben encargos después de la revolución (algunos).
Se llaman visionarios porque la mayoría de sus construcciones no se llevaron a cabo. Tres características que destacar: 1) Escala: gran dimensión, proporciones descomunales. Búsqueda de monumentalidad de la arquitectura.
2) Geometría: volúmenes nítidos, sencillos.
3) Sentido parlante de la arquitectura. Forma asociada a la idea de la física, de lo infinito: el sentido parlante no tiene que ver con los lenguajes concretos, sino que juega con los volúmenes completos de la figura.
Proyecto de Biblioteca, 1785 (E.-L.Bouillé).
Planta basilical con una bóveda de cañón; también la biblioteca como un espacio sacramental, de templo.
Proyecto de Cementerio (C.-N. Ledoux).
El cementerio es una creación ilustrada, antes se hacía dentro de las ciudades, alrededor de las Iglesias. Espacios de reflexión sobre el mundo des del exterior. Asociación de la forma del cementerio con un espacio de reflexión.
París de Luis XV durante la Restauración. Ejemplo de transformación i adaptación: La plaza de la concordia se construyó a mediados del XVIII (Luís XVI), había una estatua del rey en el centro, símbolo de ese poder permanente.
En ella se colocó la guillotina. En época de restauración fue un espacio importante de celebraciones donde se colocaría el obelisco.
Place de la Concorde, c. 1757 (Ange-Jacques Gabriel).
La producción de las otras artes plásticas es más rápida, por eso evoluciona más rápidos que la arquitectura.
Espacio público más grande de París. Función política y mercantil.
El Panteón, 1757 (J.-G. Soufflot) Se dedica una Iglesia a la patrona de parís, santa Genoveva.
La construcción dura varias décadas i los revolucionarios se encuentran en los noventa con la Iglesia terminada. Se convertirá en el panteón de hombres ilustres. Panteón está dedicado a todos los dioses. Espacio que seguía siendo religioso pero tenía una dimensión pública. Era el espacio solemne donde se enterraban los mártires de la revolución.
Rue de Rivoli, 1802-1855 (P.-F.-L. Fontaine).
Columna Vandôme, 1810 (Jacques Gondoin).
Arco del Carrousel, 1806-8.
Arco de la Estrella, 1806-37 (J.
F.
Chalgrin).
Iglesia de la Magdalena, 1807-1845 (Pierre Vignon).
Hay una voluntad de desornamentación y sencillez.
El centro de París se transforma también. Se transforma mucho respecto al antiguo régimen.
La transformación del Louvre en un espacio de disfrute del pueblo es una victoria revolucionaria.
Percier i Fontaine son los creadores del estilo imperio.
5. Escultura: usos Está ligada a la memoria i al monumento público y fúnebre, siguiendo una tradición anterior. El ejemplo más interesante es el monumento a Maria Cristina de Austria. El movimiento funerario no hay que verlo como un testimonio de afecto, con una dimensión sentimental.
 Monumento fúnebre María Cristina (Canova).
 La admiración de la estética Amor y Psíquis que se abrazan, 1787-1793 (Canova).
de Austria, 1798-1805 ...