Teoría del Arte (2011)

Apunte Español
Universidad Universidad Rey Juan Carlos (URJC)
Grado Historia - 1º curso
Asignatura Teoría del Arte y de las Ideas Estética
Año del apunte 2011
Páginas 27
Fecha de subida 12/03/2016
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Apuntes completos de la asignatura (son cortos porque la profesora apenas aparecía).

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TEORÍA DEL ARTE Y DE LAS IDEAS ESTÉTICAS TEMA 1: INTRODUCCIÓN 1.1. Conceptos generales La historiografía artística es la historia del arte. Pero, sin embargo, se puede ver que tiene un carácter dual, ya que, puede referirse al documento escrito de la historia del arte (siendo uno de los géneros de la literatura artística) pero también al método (a la reflexión y de la opción ideológica) que va a realizar cada uno de sus intérpretes.
El estudio de la historiografía artística tiene que ser paralelo a las distintas metodologías del estudio del arte. La historiografía la podemos definir como una reflexión teórica de la historia del arte, como es la crítica del arte.
La teoría del arte intenta lidiar con todas estas disciplinas que no trata de una estética filosófica sino sobre el arte. La teoría del arte se compone de diferentes ramas y que aún no se ha dado una definición común del término.
Es el conocimiento especulativo (las leyes, hipótesis…) que tiene como protagonista a los fenómenos artísticos o sobre ellos. Pero las materias que se agrupan bajo ese epígrafe son tan variadas que nos podemos preguntar por qué se agrupan dentro de esa teoría del arte.
Por eso muchos autores, prefieren llamarla “Historia de las ideas artísticas y estéticas” porque recoge algo mejor esos escritos teóricos y artistas. Y toda la historia de las poéticas artísticas.
Dentro de esa teoría del arte podemos recoger los textos que pueden servir como fuentes literarias, tratados, crítica artística y textos de estéticas y pensamiento artístico. La mayoría de esos textos son reflexiones sobre los intentos de los artistas que hacen sobre la historia para entender el arte o su propia obra y los esfuerzos de público por interpretar, captar y comprender las obras; de otras épocas o de la misma época.
1.2. Definiciones 1.2.1. Arte El arte es el complejo de las reglas y experiencias técnicas que la voluntad y la mente del ser humano han creado para producir objetos, imágenes, representaciones de la realidad o inventar imágenes en la fantasía.
También puede ser una actividad interior específica del ser humano, y aquí entramos en el campo específico de la estética.
La RAE define Arte como “virtud, disposición o habilidad para hacer alguna cosa”, la segunda acepción sería “acto o facultad mediante las cuáles valiéndose de la materia o el sonido imita o expresa el hombre lo material o lo inmaterial y crea copiando o fantaseando”. Y la tercera es “el conjunto de preceptos y reglas necesarios para hacer bien alguna cosa”.
1 En el campo histórico, la primera acepción como productor de imágenes ha determinado en la historia, ya que, puede ser por ejemplo, una producción artesanal o puede referirse al estilo del propio artista.
En lenguas como la alemana, hay un término que significa “habilidad de hacer alguna cosa” y otro que significa “conocimiento artístico o teórico de la actividad práctica”.
Por lo que se determina que hay cierta ambigüedad a la hora de definir el arte.
Cuando se afirma la palabra “arte” en relación con la actividad del artista creador, es en el Renacimiento.
En cualquier caso, hay que tener en cuenta el concepto de mímesis o de “imitación de la naturaleza o lo real” que tiene significados en relación con los objetos o imágenes de las fantasías (por parte del poeta).
Aristóteles distingue entre lo verdadero y lo verosímil. En el romanticismo, el concepto de mímesis va a ser desplazado por el de creación. Para Schelling, el arte es la creación original del genio y se caracteriza como una actividad libre.
En cambio, Hegel afirmará por su cuenta, que el artista tiene que ser creador de “la obra de arte en cuanto que nace del espíritu y tiene una necesidad subjetiva en donde se origina, esta actividad es la fantasía del arte”.
El significado creativo, a la vez que expresivo se va a confirmar con Fiedler el cual revisa en el artista la capacidad peculiar de pasar inmediatamente de la percepción visiva a la expresión visiva.
El carácter del arte como creación y expresión también se ve en Benedetto Croce. Para Croce, el arte es la síntesis entendida como individualidad de intuiciones entendidas como imágenes y expresiones entendidas también como imágenes.
Para Croce, la intuición ya está clara en la mente del artista pero la conversión en expresión interviene otros motivos y entre ellos está la propia estructura dinámica de la obra de arte.
1.2.2. Historia del arte Otro concepto es la historia del arte, este concepto podríamos definirlo como “juicio crítico e histórico de las obras de arte, sobre los artistas y ambos considerados en su relación con la cultura y la sociedad a la que pertenecen, que para hacer una obra de arte hay que tener en cuenta ambas cosas”.
El primer teórico en hacer referencia a la “historia del arte” fue Winckelmann, subordinándola a los artistas, a los estilos pero de forma muy general.
La primera historia del arte es la historia pictórica de Italia, de Lanzi. Éste va a abandonar el esquema de Vasari (de las vidas) que lo abandona y pretende escribir el estudio del hombre, del pintor pero también del talento, del método, de las novedades técnicas, del estilo, de la gravedad y de todo esto resulta la historia del arte.
2 A partir de Lanzi (1789-1808) es cuando escribe su obra y desde ese momento comienza la historia del arte moderna.
1.2.3. Estética Otro término es la estética de la filosofía del arte que hace mención a la especulación que comprende varios puntos. Una definición universalmente válida, sería una relación entre arte y naturaleza, relación entre arte y belleza, arte y gusto y relación entre arte y crítica.
El primer autor que utiliza el término de estética es con Baum Carter en su libro “Estética, precisamente”. Para él es la ciencia del aprendizaje sensible de la teoría del arte de los liberales, arte del pensamiento bueno y del razonamiento por analogía.
El arte entra dentro de la categoría de las ciencias, el camino de la teoría del arte y de la estética son caminos divergentes.
1.2.4. Poética La poética es el conjunto de doctrinas y principios que una escuela asume consecuentemente como un programa o bien que el propio artista intuye con el intento de definir un Canon o líneas generales.
Hasta la aparición de la estética, la poética refiere a la forma de hacer de un artista, como a lo bello. También se ve asociado el concepto de poética como la muerte del arte de Hegel.
Hegel ve que tras el Neoclasicismo, el artista puede optar por diferentes estéticas, poéticas, formas de crear o hacer. Esta “muerte del arte hegeliano” también se ha adaptado al arte moderno por parte de los críticos.
En la actualidad, el arte muere, pero todos utilizan este concepto de forma errónea, no puede utilizarse fuera del contexto de Hegel.
Podemos definir la poética como el quehacer artístico o la teoría de la creación artística.
Y que la intención de sus creadores se conciben como la realización de una idea de lo bello, una idea artística.
Assunto ente otros hablan de una poética interna que sería lo que reflexiona un artista, sus escritos, sus documentos… 1.2.5. Gusto El gusto es el modo de sentir, la elección de un ideal de belleza, de una poética, de un estilo que hace un artista o una escuela artística o una nación o un determinado lugar o incluso un momento histórico concreto. También el gusto es el saber apreciar la validez de un producto artístico”.
3 1.2.6. Crítica del arte En cuanto a la crítica del arte, aparece en una pintura de Richardson. En ese primer ensayo de 1789 como “el arte de criticar la pintura”, se basa en la ciencia del conocedor del arte para establecer la bondad, la complicidad, pero también otra parte se puede identificar con la obra de juzgar con la obra de arte, relacionada con la crítica de Kant.
Según esta, la crítica pone límites a la razón, se identifica como la crítica del arte… La distinción de crítica del arte es como “crítica a las manifestaciones artísticas contemporáneas” y “evocación del arte pasado”. Es una distinción más cómoda de otro tipo de distinción.
Lo que importa dentro de la historia de la crítica del arte es el “examen crítico de intelectuales, poetas, literatos” desde un punto de vista documental nace con la literatura. El padre de la historia de la crítica del arte, por sus obras es Lionello Venturi.
TEMA 2: LA LITERATURA ARTÍSTICA EN LA ANTIGÜEDAD CLÁSICA 2.1. Pitágoras y el pitagorismo. La armonía.
Pitágoras es un personaje muy importante en Grecia donde comienza la filosofía occidental. Es un personaje de leyenda, puesto que su vida se ha visto envuelta en ella.
Nació en Samos (Asia Menor) y parece que conoció a los antiguos filósofos griegos.
Estuvo en Egipto y en Babilonia y volvió a Samos. La tiranía de Polícrates hizo que se mudara a la parte de la Magna Grecia (sur de Italia).
Grecia estaba dividida en ciudades-estado que eran muy pequeñas y en las que votaban los ciudadanos libres, con nacionalidad griega y que poseían tierras. El poseer tierras hacía que pudieran participar en la política.
Los metecos se dedicaban al comercio y no podían participar de la vida pública. En Grecia regía la democracia, gracias a este tipo de gobierno, Grecia pudo ser importante en distintos ámbitos (económicos, culturales…) Hay que añadir, que las mujeres no podían entrar en política y cuidaban de la casa que era pobre en decoración (ya que ésta no empezó a estar decorada hasta los siglos IV-III a.C).
Una de las características griegas era la poca población que se encontraba en cada ciudad-estado, ya que, cuando se sobrepasaba de 10.000 habitantes los colonos fundaban otras ciudades. Fue precisamente posible por este contexto demográfico que Pitágoras conociera a otros filósofos (ya que éstos vivían cerca de él).
En Crotona, Pitágoras fundó una secta religiosa (la de los pitagóricos) en comunidad de bienes, que participaban tanto en sus creencias y deberes y que éstas permanecían en secreto.
Los pitagóricos fueron tan importantes en Crotona, que el pueblo se rebeló contra ellos y muchos de ellos murieron.
4 En Pitágoras se ven dos corrientes: la mágico-religiosa (cree en la transmigración de las almas, porque éstas se van reencarnando continuamente) y la matemático-científica (donde los números eran el principio de todas las cosas.) La escuela pitagórica afirmaba que la estructura del universo era aritmética y geométrica. El pitagorismo plantea la primera cuestión de estética y es la de la armonía.
Desde el pitagorismo, se puede afirmar que todo lo que nos atrae por su forma tiene que haber una formalidad universal objetiva y que puede ser mensurable en términos éticos.
La belleza implica una estructura armónica (puede ser mensurable en términos éticos).
La armonía supone una combinación de elementos: una unidad de algo sensible y material, que se integra en una pluralidad organizada matemáticamente proporcional. Y este hecho sólo puede producirse en la vista y en el oído y sobre todo en la audición (ya que los griegos pensaban que el oído era más perfecto que la vista porque ésta tiene distorsiones).
Este descubrimiento tuvo un carácter de revelación religiosa, el placer del alma es el reconocimiento intuitivo inconsciente de haberse conectado con la ley divina, que organiza el universo. Es decir, que el alma humana al percibir la armonía musical, se transporta a su feliz origen divino porque esa armonía es casi un recuerdo, una representación de aquel mundo divino.
La armonía va a ser el hombre que es una representación de la ley básica del universo, y la música (y la danza por extensión) sería el lugar de encuentro con Dios (ordenador del mundo) y también el arte pero en menor medida.
Según los pitagóricos, es como si Dios utilizara las matemáticas o lo geometrizara todo, dado que los griegos entendían de ambas ciencias perfectamente. Los número son la ley divina del cosmos, y la razón de la Armonía Universal, el significado de cosmos es de orden y belleza.
La Armonía Universal se materializa en los planetas ya que son esferas situadas a distancias bien numeradas entorno a la Tierra, y éstos desprenden una suave armonía por esas distancias proporcionales.
La Armonía la entendían como principio sublime, como la esencia de Dios en cuanto a Dios como ordenador y se considera que una figura humana o arquitectónica es bella cuando cumple en sus partes una proporción armónica.
El rectángulo que forma los dos triángulos rectángulos era aplicado en las distancias entre las columnas de los templos aunque en muchos casos se aplicaba como una solución óptica, era una fórmula que ayudaba a los edificios como una ley divina y para que se sostuvieran mejor.
En escultura y arquitectura, la armonía era una creencia intelectual y su realización óptica va a ser los “Canones”. Un templo griego tiene 27 módulos (que es el radio de la circunferencia de una columna en su base). El 27 es utilizado porque es el resultado de 3x3x3 (el 3 era un número muy especial entre los griegos ya que se relacionaba con las tríadas).
5 Policleto (escultor del s.IV a.C) descubrió el Canon para la figura humana que va a ser de siete cabezas. Sin embargo, lo más importante fue el descubrimiento de los números irracionales (los que no responden a una razón lógica entre números y que no pueden ser representados exactamente) y se encontraban en configuraciones muy elementales.
Así el número π, será la expresión y cifra de lo circular dado que el círculo es la figura más perfecta (porque no tiene ni principio ni fin) y es la relación entre la longitud de su diferencia y ángulos.
El valor numérico de π es irracional porque tiene decimales (3,141516…). La raíz cuadrada de 2 es un valor perfecto y tendrá su importancia en el Renacimiento. Pero otro caso es el del “número de oro” o “la sección áurea” que es la base de la proporción geométrica.
Este “número de oro” es la relación del lado corto (Ad) y el largo (Df) que es idéntica a la del largo a la suma de ambos lados. Esta proporción es frecuente en la naturaleza, y por eso es definida como “una relación natural”.
Luca Panzoni fue un gran matemático y pensador en la época del Renacimiento. Fue amigo de Da Vinci y coincidieron en la corte de Milán y éste llamó “la divina proporción” que es aquella en la que la relación entre el mayor y el menor es la suma del menor con los dos.
Los medios geométricos son esenciales para esta proporción. El número dorado se representa con la letra “φ” en honor a Fideas.
2.2 El número áureo El número áureo –o número de oro– tiene dos significados. Por un lado, se trata del ciclo lunar de diecinueve años (designa, por tanto, una magnitud física) que descubrió Metón de Atenas. En sus observaciones descubrió que las fases lunares con respecto al Sol y a la Tierra vuelven a ocurrir en las mismas fechas cada 19 años, y con una serie de cálculos determinó el número. El origen de ‘áureo’ pudo deberse a que este número fue grabado con letras de oro en Atenas durante la celebración de unos juegos olímpicos.
Por otro lado, la otra acepción es la puramente matemática. El número de oro es un número irracional cuyo valor exacto es: Antes de los griegos ya se conocían las propiedades de este número (por ejemplo, en el Egipto Antiguo), pero será el pueblo griego, de la mano de Euclides en su obra “Elementos” quien trate y explique el número de oro. Posteriormente Platón considera la sección aurea como la mejor de todas las relaciones matemáticas y considera la llave de la física.
En la Edad Media, Fibonacci escribió Liber abaci, en el que abordaba numerosos problemas teóricos y prácticos. Quizá introdujo los números arábigos en Europa.
Durante el Renacimiento, podemos destacar a Luca Paccioli. Fue un matemático 6 brillante que publicó La divina proporción. Leonardo trabajó con él en la corte de Ludovico el Moro.
La proporción áurea caracterizará las relaciones matemáticas cuyo valor representará el número áureo, considerado por sus propiedades matemáticas, artísticas e incluso místicas. Paccioli se formó con Piero Franccesca, un pintor, y tuvo como amigos a Leonardo y Durero.
El origen de la expresión ‘número de oro’ es incierto. Quizá Euclides fue quien lo introdujo. Leonardo Da Vinci lo llamaba sectia aurea. Aunque realmente, la expresión “número de oro” es contemporánea.
En definitiva, el número áureo es la relación entre el lado mayor y el menor. El mayor por un lado, y la suma del mayor y el menor por otro. Los medios para establecer esta proporción son geométricos.
Fibonacci lo representó con números enteros en una serie (la sucesión de Fibonacci): Cada número es la suma de los dos anteriores. Las proporciones de esta serie aplicadas de forma geométrica se encuentran en la naturaleza.
2.3. Platón y la mímesis Platón introdujo en su teoría, el concepto de imitación que tuvo mucha relevancia en siglos posteriores. La imitación no es otra cosa que una sugerencia o una evocación del mundo de las Ideas, la concepción platónica de la realidad es jerárquica y para él, la realidad empírica no es más que una aproximación a la existencia absoluta, al mundo de las Ideas.
Esa realidad empírica participa de las ideas y por lo tanto, de su imagen (la imagen pictórica). Ésta no es más que una aproximación del objeto material al que imita el pintor o el artista y no es una verdadera copia de él.
La imitación es una sugerencia, la formulación mágica de la mímesis está en su obra La Republica. Por lo que observamos, existe un rechazo de Platón a la imitación pictórica, y ese rechazo se basa en el carácter ilusionista de la pintura, la percepción sensual es confusa y el dominio de la experiencia óptica en la que se basa la pintura (que se basa en la copia natural) esta desprovista de verdad.
Los usos de las perspectivas y de la policromía son acusados de fraude. La imitación, por lo tanto, es inferior porque el imitador que está ceñido a las apariencias no conoce el objeto que representa.
“El poeta o el pintor realizan un trabajo de zapatero sin saber nada de zapatería”.
Dentro de las representaciones pictóricas va a reconocer dos tipos de mímesis: -Construcción de lo parecido: Cuyo criterio se basa en la fidelidad del objeto representado. Se consigue cuando el artista produce una imagen (anchura, longitud y profundidad y los colores que los reviste o les conviene).
7 En lo que atañe a la pintura, Platón piensa en un estilo plano, lineal en el que se apliquen colores locales (propios de cada objeto).
-Imitación fantástica: Se vincula a la adhesión de la apariencia engañosa y está caracterizada por la intención intencionada de las ilusiones ópticas. Esto es la perspectiva, aplicar ilusiones ópticas.
Por ejemplo: la modificación de la anchura, altura o cualquier aspecto de la estatua para que esta luzca más perfecta sería una imitación fantástica.
Respecto a los artistas, Platón distingue entre: -Artistas dependientes de esas apariencias que se vinculan con las apariencias visuales -Artistas poiéticos (más independientes de estas apariencias) El artista poiético está dotado de crear imágenes que son parecidas al ideal inalcanzable. En este sentido, Platón se refiere con admiración a Fideas (que era un artesano) o el arte egipcio (que contenía las características relacionadas con el arte eterno…) La mímesis es una mala copia del mundo de las ideas. El propio Platón pintaba y era un sabio venerado que tuvo una gran influencia en los distintos modos de considerar la pintura.
Laercio tiene una obra que comenta que Platón escribió poemas líricos y también es importante porque compara el arte manual de la pintura y por ello llevarla a un nivel más elevado como el de la poesía.
Otro autor comenta que no rechazó el arte de la pintura sino que la estudió en su juventud. Estudios de nuestros tiempos, demuestran que Platón utilizó el lenguaje de los pintores y las técnicas de los talleres.
A veces, hay una consciencia sobre el significado simbólico del acto de la creación artística aunque esto está vagamente en sus escritos. Imitando el mundo de las Ideas, el artista se convierte en un artista divino o “demiurgo”.
El mundo físico creado por él “no puede ser paralelo a los modelos ideales, móviles pero es análogo al mundo de las Ideas”. La traslación del demiurgo es implícita al mundo de las Ideas.
Ese demiurgo tenemos que relacionarlo con el pintor poiético. Por otro lado, Platón se refiere a la belleza visible que es como el arranque para ir descendiendo desde la belleza de los cuerpos hasta la belleza espiritual e intelectual. Para finalmente llegar a una unión casi mística con la belleza suprema o luz divina que no tiene ni forma ni partes.
Platón habla de la belleza de forma ocasional y casi accidental. “Lo bello es lo que se vincula con el deleite y con el bien”.
Los sofistas fueron los primeros filósofos griegos que fueron atacados por Platón por tener argumentos falsos. El eje de la argumentación gira sobre el término de belleza. En cuanto al Bien es cierto que lo bello se ordena hacia el Bien pero no es el Bien.
8 Lo bello es bello porque participa de la esencia ideal, de la idea de Belleza. La Belleza sirve como introducción material a lo no-material, en algunas obras clásicas, se refieren al amor.
Alcibíades afirmaba que el amor no es bello porque engendra lo bello pero así como el cuerpo encuentra en la fecundidad la inmortalidad así lo encuentra el alma siendo noble o reconociéndose en los demás cuerpos. Esto llevará al alma a la Idea Suprema por la que sufrir.
Existe ciertamente una ambivalencia entre placer y sufrimiento. Platón habla de otros placeres puros y lo ilustra en una orden visual. Hay una belleza mejor (la de los colores puros y la belleza abstracta).
En otros escritos demuestra una gran satisfacción de los procesos pictóricos. En el Tineo describe como pintor del Cosmo al “Demiurgo”.
Platón distingue tres partes en el proceso pictórico: - Preparación de una superficie que es blanca y tiene que estar limpia.
- Dibujo o boceto del contorno.
- Sombreado y coloreado (un cuadro finalizando termina con la adicción de los colores correctos).
Ha dejado un doble ataque hacia lo estético en cuanto a arte porque es una copia de copia, una perniciosa alineación y en cuanto a que la belleza es evasión hacia un éxtasis donde se fusionan las formas. El arte es una mímesis de la naturaleza.
2.4. Aristóteles Aristóteles va a luchar contra ese idealismo de Platón. Platón era enemigo del arte realista porque en él veía un medio para interpretar las sombras.
Aristóteles va a decir que el arte es una imitación de la naturaleza. Para él, encierra un contenido que no puede haber sido tomado de la mente sino de la vida real. Aristóteles va a prestar una atención superficial a las artes visuales pero sus pocas observaciones han sido importantes para la teoría del arte posterior.
Estas están recogidas en los tratados de la poética y la retórica, música…De estos tratados sólo se tienen noticias. No llegó a escribir un tratado sobre las artes visuales y Aristóteles va a reemplazar el dualismo entre la Idea y la apariencia por una noción entre materia y forma.
Él no concibe el proceso de producir un objeto como el “desvanecimiento” que se aleja de su modelo ideal. Lo concibe como un proceso en el que se hace real al alcanzar la forma definida. Es decir, el objeto que surge de esa producción es completamente real.
En su metafísica distingue tres elementos fundamentales de la estructura de los objetos.
9 -Cada objeto está originado por un agente.
-Está formado a partir de algo.
-Se forma hacia algo.
Él pone un ejemplo de un carpintero que elabora un objeto. “Ninguna parte material se desplaza del carpintero al material”. La madera se transforma a través de las herramientas mediante las manos (que tienen conocimiento sobre el arte y alma) y eso es lo que impulsa sus manos. El carpintero es el creador del objeto pero ninguna sustancia traspasa a él.
En cuanto al origen o fuente de esa forma, Aristóteles no lo deja claro. Él lo concibe como algo que se sabe, una “Idea”, y otras veces que es la tradición misma (como una especie de artista colectivo).
Respecto a la pintura dice que valora el color pero no lo sitúa en un lugar elevado en la escala de valores. Para él podemos disfrutar del color sin conocer una pintura, pero no conoceremos el tema del que trata el cuadro.
Los colores bellos valen menos que un boceto claro. Los valores más elevados son: el orden y la nitidez. Estos se consiguen por el dibujo (de la línea), la belleza depende estos dos valores, y de las unidades mensurables (sólo pueden ser expresadas por medio de líneas).
La línea releva la estructura de la obra, en su conjunto. Los más hermosos colores dispuestos no valdrán más que el contorno de la línea (por ejemplo, en tiza) de un boceto.
Para Aristóteles los elementos ideales representan al valor supremo en el arte de la pintura. Cuando analiza la tragedia, dice que su trama es más importante que el personaje individual. El estilo lineal es el valor supremo, mantiene una jerarquía estilística.
En cuanto a la teoría de la imitación, su concepto de mímesis tuvo cierta relevancia. La mímesis no tiene tanta validez como en la doctrina de Platón porque se restringe a las artes.
En su poética, se dice que la imitación es la acción de los hombres, se refiere al ritmo, el lenguaje y la armonía. También se refiere al teatro y la danza e incluso es válido para las artes que emplean color y forma.
La imitación puede tener diferentes niveles, de ahí que debemos representar a los hombres tal como salen en la vida real, o mejor o peor.
Esto ocurre en la pintura donde Aristóteles clasifica a los autores dependiendo como representen los hombres. Algunos de esos autores son Polignoto, Pauson o Dionisos.
10 Las diferencias se refieren a las Ideas, la forma, Aristóteles va a subrayar el valor moral de la pintura. Jenócrates decía que el escultor representa las operaciones del alma y Eufranor expresó la dignidad de los héroes.
Aristóteles, en su obra Política dice que Polignoto es un valeroso pintor de caracteres, también decía que no era necesario que los jóvenes viesen las obras de Pauson. A Polignoto siempre se le ha atribuido el predominio de la línea pero podía llevar unas connotaciones morales. El contenido moral en tanto norma de juicio artístico ha sido considerado por Aristóteles con relación del objeto de mímesis. La expresión moral podía ser un correctivo del concepto de visión mimética y real.
2.5. Jenofonte Fue un gran escritor, observador, contemporáneo de Platón y discípulo de Sócrates. En este escritor, ninguna de sus obras se ocupa del arte pero sí de los problemas de la creación artística. Se refiere a las artes visuales (así como el teatro, la danza, edificios que contempla…) En su obra Memorables nos narra la visita de Sócrates a los talleres de Parrasio y Pleito (entre ellos hablan sobre el significado de la expresión de las emociones y como plasmar las emociones).
Sócrates, como Parrasio, define la pintura como: “la realización de la imagen de unas cosas que vemos con nuestros ojos”.
La pintura se basa en la visión directa; Sócrates le pregunta si se puede representar la disposición del alma y Parrasio le dice que no se puede representar algo invisible.
Sócrates considera la expresión de las emociones como una cualidad esencial de las obras. Aquí no se trata de la representación de la apariencia o de la forma sino de conseguir la expresión de sus emociones. Pero esto resulta complicado.
Jenofonte a través de Sócrates dice que los artistas plasman los seres tal como se ven pero también como cambian con las emociones.
2.6. Policleto Estaba inmerso en el problema del arte. Fue llamado “el Viejo” y fue un escultor de bronce de la mitad del siglo V a.C. Conocemos el arte visual a través de la escultura, en la época de Pericles hay tres artistas principales (Fideas, Mirón y Policleto).
En el siglo IV a.C. (Lisipo, Apeles, Praxíteles) son los autores más relevantes. Aunque hay que decir que Policleto trabajó junto a Fideas, Mirón y otros más.
El catálogo de Jenócrates fue la guía de Plinio (en materia de arte se fijó en él para estudiar los artistas). Policleto fue importante por sus estatuas de atletas y héroes (hechas en bronce).
11 El escultor elaboró un tratado teórico que va a ser como el de los textos clásicos más famosos sobre las artes visuales. Se tituló “el Canon” que nos ha llegado exclusivamente por referencias.
Una de esas referencias, es la que realiza Galeno. El Canon está destinado al cuerpo humano y este es el intento de ideal de belleza, porque las proporciones humanas eran una exacta relación entre todas las partes del cuerpo entre sí con el conjunto.
Policleto se va a ganar el título de “Grande” por parte de sus contemporáneos (más por ese Canon que por sus otras obras). Según él, es necesario que la cabeza sea la séptima parte de la altura total de la figura.
El pie tiene que ser el doble de la palma de la mano y la pierna mide seis veces lo que es la palma de la mano. Y la misma medida entre la rodilla y el ombligo.
Para demostrarlo esculpió una estatua llamada “Doríforo” (portador de la lanza) y es un joven que está completamente desnudo que lleva una ligera lanza en la mano. Galeno decía que la belleza no era un cuerpo sino aquella existente que estaba conmensurada y mensurada entre las partes del cuerpo. Todo esto es lo que escribe el médico (Galeno) sobre la obra de Policleto.
Policleto nos enseña la “simetría” que es básica en la escultura clásica del cuerpo en un hombre llamado Doríforo o “el Canon”. El “Canon” es el primer tratado griego conocido del arte aunque puede que hubiera algunos antes. El Canon indicaba cómo debía de ser una escultura.
2.7. Lisipo Lisipo fue una gran teórico de la cultura que partió de Policleto y va a imponer un nuevo Canon que va a ser de ocho cabezas (mucho más esbelto y a su vez, más manierista).
La Diarthrosis es la fórmula utilizada en las esculturas por la que quedan bien cada parte del cuerpo. Lisipo en el s.IV va a trabajar para Alejando Magno con lo cual las figuras de su Canon son figuras más estilizadas.
El Canon egipcio consistía en una manera de ver la escultura diferente, puesto que utilizaban el hieratismo y la figura se apoyaba sobre una pierna. Además querían representar a los muertos (de una forma perfecta). El rostro se representaba de frente y no de perfil.
Al poner una pierna más adelantada que la otra se crea más profundidad como la del Diadumeno. El de Lisipo es el Apoxiomeno que tiene más profundidad y utiliza la técnica del escorzo. El Discóbolo refleja el movimiento y es necesario verlo desde todos los puntos de perspectiva para tener una mayor visión de la figura.
2.8. Jenócrates de Calcedonia En el período helenístico, comenzó la crítica del arte a través de unos tratados sobre arte pero ninguno ha llegado hasta nosotros. La fuente principal de esos tratados era la 12 historia natural de Plinio, que era una obra enciclopédica (hecha en el siglo I a.C, en la época romana) para la cual se utilizaron textos técnicos-científicos anteriores. Plinio nos habla de dos artistas que escribieron sobre las artes visuales: Antígono y Jenócrates. Del primero, hay cierta confusión, Jenócrates fue más conocido.
Jenócrates fue un escultor que trabajó en el s.III a.C. Trabajó con bronce y va a ser ensalzador de los atletas, y de los artistas: Apeles y Lisipo. Es un representante de su tiempo y realizó manuales que proliferarían en su época y que serviría de guía.
Era un artista crítico y algunos de sus juicios los tomó de Platón y Aristóteles. Su doctrina se basa en cuatro puntos principales: la simetría, el ritmo, la precisión y los problemas ópticos.
La simetría trata de la relación equilibrada de las formas definidas en las que se puede descomponer todo. Ésta y la medida equivalen a la belleza.
El ritmo es una secuencia, hace referencia a una dimensión temporal que es extraña para el medio expresivo de las artes visuales. Pero no podemos conocer su significado, al parecer se refería a algún tipo de animación, de vida en una figura estática o en reposo.
La precisión (akribeia) tenía una variedad de significados pero en realidad se refería a la habilidad profesional del artista. Es la destreza, pero no sólo eso sino a cierto carácter de su estilo que se ve en su obra. También es un acusado realismo, así como la fidelidad de los detalles procedentes de la naturaleza que se refiere a las estatuas y con ello llegan a una perfección total.
El problema óptico se refiere a la perspectiva de profundidad. También toca el concepto de mímesis que a él le induce a no tener en cuenta a los artistas anteriores a Policleto. A éste le alaba por hacer estatuas apoyadas en una pierna pero lo critica por haber creado figuras monótonas en función a las de Mirón (que le superó en variedad de imágenes aunque no representó bien los cabellos).
Otro escultor que sí los supo representar fue Pitágoras (no confundirlo con el filósofo) que también representaba con gran detalle las venas. Además alababa a Lisipo que fue el que supo representar los pequeños detalles.
También observa que Policleto utilizaba acciones groseras y que Mirón las mejoró. Este autor también fue el pionero en estudiar las relaciones entre la simetría y el ritmo.
Lisipo modificó el Canon dotando a sus figuras más elegancia representándolas por su apariencia (esto lo rechazaba Platón porque desconfiaba en el ilusionismo). Afirmó a través de él un principio estético (la libertad del arte frente a la realidad objetiva). Lisipo no copiaba de la naturaleza, y fueron más importantes sus juicios en la pintura.
Jenócrates se preocupa más de la forma que de la mímesis. A Polignoto le atribuye los vestidos transparentes, las bocas abiertas de las esculturas y los diferentes rostros.
A Pánfilo le atribuyen la base científica de la pintura y alaba a Pausanias que resolvió los escorzos mediante el oscuro sobre el claro y así lo consiguió. “Sabe representar la sombra mediante la sombra misma”.
13 Todos son adelantos en cuanto a las técnicas pictóricas. Se lamentaba del colorido (demasiado fuerte) y alaba a Apeles porque había una técnica que utilizaba como el de poner un velo negro para anular la visión de los colores más fuertes o vivos.
3. Roma y la crítica del arte En el arte romano no destaca nadie en especial. Los juicios críticos carecen de interés y aparecen opiniones contradictorias (recopilaciones de autores griegos) Podemos citar a Cicerón o a Quintiliano pero el que destaca es Plinio II o Plinio el Viejo.
3.1. Plinio II (25 d.C- 79 d.C) Su vida estuvo vinculaba a Vespasiano y es autor de una obra de compilación del saber de su época. Los textos de la historia del arte se encuentran en los tres últimos libros. Es el único documento donde se puede extraer información de tratados anteriores y que han sido reconstruidos.
Es el más importante, las aportaciones de Plinio consistieron en la información referente a la museografía romana y su desarrollo en el mundo romano. Pero esta obra no tiene nada de teoría, lo que contiene se refiere al gusto por la mímesis. Hay que tener en cuenta que es romano y éstos son prácticos y esto se manifiesta en la austeridad de su obra.
Se manifiesta partidario de la moderación del lujo que le lleva a criticar obras resultado del lujo como las pirámides egipcias o los mausoleos. También dice que el uso de mármoles es motivo de queja porque son superfluos y se muestra un ferviente admirador de las obras públicas tales como canales o acueductos. Esta admiración por lo útil está en consonancia con otros autores romanos.
3.2. Vitruvio La obra de Vitruvio de “arquitectura libre decem” es el único tratado de la antigüedad que se ha conservado y que nos ha llegado a través de copias. Tiene importancia como documento en la teoría de la arquitectura.
Sin un conocimiento de Vitruvio es muy difícil entender el siglo XIX. Todos los escritos anteriores se han perdido, debemos de considerarlo como un tratado unitario aunque debemos tener en cuenta el carácter compilatorio del tratado y su falta de homogeneidad.
Él reivindica en la introducción en el libro IV que fue el pionero en representar toda la materia de la arquitectura.
De Vitruvio se conoce su gentilicio “Vetruvius” o “Vetrubius” y se acepta como nombre “Marco Vetruvio Polión”. Parece ser que trabajó con Julio César vivió entre el siglo I a.C y el siglo I d.C y construyó la maquinaria militar así como arquitectura civil.
Después trabajó con Augusto y trabajó en la construcción de un acueducto. En el 33 d.C. se jubiló y su hermana, Octavia le protegió y le mantuvo y esto le permitió escribir su tratado.
14 Parece ser que murió en el año 13 d.C. Era anciano cuando escribió el tratado no fue un gran arquitecto. Él cita en una de sus obras una basílica y quiso reforzar la importancia de la arquitectura y dejar un monumento de sí mismo.
En los diez libros de arquitectura, hay una introducción por capítulo que no tiene mucha relación con el contenido del capítulo. Cada introducción tiene un resumen del libro preferente y son en sí mimas una unidad. Contienen afirmaciones de carácter esencial sobre la función del tratado así como los puntos de vista del autor.
El libro I trata de la formación del arquitecto, los conceptos generales y las construcciones. Habla de la gnomónica (ciencia que realiza relojes). También trata de la construcción de maquinarias así de construcciones públicas y privadas.
El libro II trata de los orígenes de la arquitectura trata de la teoría de los materiales para la construcción, en los libros III y IV trata de la construcción de templos así como los órdenes arquitectónicos y de la teoría de las proporciones, centrados en la arquitectura.
El libro V trata de los edificios públicos como los teatros puesto que la gente pasaba allí mucho tiempo y se cuidaba la orientación. En el libro VI se habla de la vivienda privada y el VII de la utilización de materiales de construcción y de la pintura mural y de la teoría de los colores.
El octavo libro trata del agua y de la construcción de acueductos y el noveno trata de la concepción del universo y de las ciencias naturales y el otro capítulo de la gnomónica.
Habla de tres temas en concreto: de su persona, de la función del tratado y sobre los problemas de la arquitectura en general. Tenemos que tener en cuenta que ajusta su concepción los tratados de su época.
También realiza un tratado para su hermana y para Augusto. De Vitruvio destaca su disposición para pedir encargos del que le compara con Dinócrates, la planificación de Alejandría.
En la introducción del libro II, formula una teoría sobre los orígenes de la arquitectura y él piensa que la primera motivación en la búsqueda de la protección del hombre frente al vacío y las fuerzas de la naturaleza. La concepción de las viviendas era de las formas naturales, ya que, los hombres tienden a la mímesis.
La arquitectura fue la primera de las artes o de las ciencias y por ello la destaca en primer lugar. Hay un planteamiento general que tendrá una importancia posterior, entre el sistema cosmológico y planetario. Para él lo que rigen son las leyes de cosmos, las leyes arquitectónicas y del cosmos son idénticas.
E interpreta a Dios como arquitecto del mundo “Deus arquitectus mundi” y el arquitecto lo equipara como un segundo Dios. Y esta es la idea que tomarían los masones.
En el capítulo I hace un modelo del arquitecto que debe de disponer de “fábrica” (cualidades artesanales) y de “radio cinatio” es la capacidad teórica. Y ésta se refiere a 15 los conocimientos científicos que debe de tener un arquitecto, exige que Vetruvio tiene que tener una formación intelectual (años de adiestramiento).
En el libro I expresa los conceptos estéticos de la arquitectura y describe cada uno de ellos. La arquitectura debe responder a la solidez, la utilidad y a la belleza. La solidez va a cubrir los campos de la estática, problemas de la construcción y teoría de los materiales.
La utilidad es el aprovechamiento de los edificios y al cumplimiento de las funciones específica. Y la venustas es la belleza que abarca los postulados de la estética y el problema es entender de las proporciones. Vitruvio divide la belleza en seis conceptos y uno de ellos participa de la utilidad que es la distribución.
Además están la ordenación, la disposición, la euritmia, la simetría, el decoro y la distribución.
El decoro es una aportación romana, importante en la Edad Moderna. Euritmia y simetría pasan intactas de la civilización romana, estos conceptos son de difícil entendimiento a pesar de que te dediques a estudiar estos tratados.
La ordenación es el resultado de la composición proporcionada del edificio en su totalidad y de cada una de sus partes. Y de este concepto está basada la quantitas (medidas) y en realidad supone que el edificio se realiza sobre una unidad modular.
La disposición se refiere al proyecto de arquitectura (la planta, el alzado y la isometría).
Es una perspectiva que se ve tanto la planta como el alzado, lo que hace es enseñar el edificio en tres dimensiones.
Para la disposición debemos tener en cuenta que la ordenación es como una premisa y que el desarrollo de la disposición se lleva con la qualitad. Para él es el proyecto mediante el cual se necesita reflexión e invención. Hay diferentes disposiciones divididas en “ideas”.
El tercer concepto es la euritmia que es el resultado de la proporción aplicada al edificio y sobre todo su efecto que produce sobre el observador. Este concepto se puede relacionar con el concepto de armonía.
El cuarto concepto es la simetría que es la consonancia de las partes con el todo siempre en relación con un módulo. Equivale al concepto de proporción.
Los conceptos de ordinatio, euritmia y simetría son parte del mismo fenómeno estético, el de la “proporción”. El ordinatio es el enunciado mientras que la euritmia es el resultado y la simetría es el efecto. Sobre todo esto, hay que tener cuidado porque son pocos claros, en lo que nos centramos son en sus interpretaciones posteriores.
El decoro de Vitruvio no es lo mismo que el decoro actual más común en las relaciones sociales. La utilización de los órdenes arquitectónicos se vincula con el decoro.
También se refiere a su atribución de determinadas cualidades.
16 El órden dórico se atribuye más a la masculinidad, a la terrenidad. En cambio, el órden corintio está más relacionado con lo femenino.
El toscano es más rudo y el corintio que los romanos van a introducir sería el compuesto de éste con el jónico. El jónico es más femenino al igual que el corintio. A los dioses femeninos, o los que tenían esencia femenina, se les solían representar con el órden corintio. Si eran hombres, con el dórico.
El sexto concepto es la distribución que es el concepto más problemático porque participa de la idea de vetusta y de la utilitas. Algunos aspectos pertenecen más al decoro.
La definición es que es el mejor uso de los materiales, terrenos y del coste de la construcción. Su objetivo es construir según los usos de los constructores a los que los destina y a sus ocupantes (y esto entraría dentro del decoro).
La arquitectura moderna ha tenido diversas interpretaciones de estos conceptos.
También aparece en su texto que la arquitectura debe reflejar la posición de sus ocupantes. Este hecho tiene que ver con la creación de tipologías arquitectónicas.
Nace la “arquitectura parlante” de la Ilustración y él habla algo relacionado con esta arquitectura. La teoría de las proporciones no es un concepto estético sino una relación numérica.
Él define las proporciones como la relación de las partes entre sí, además de que se basan en un módulo y son análogas de las proporciones humanas. Es decir, define la relación numérica que no es más que una relación antropométrica siendo base de la teoría arquitectónica del siglo XV-XVI.
Aparecen los conceptos de “hombre dentro de un círculo” y “hombre dentro de un cuadrado”. Vitruvio ajusta la figura humana con las figuras geométricas más perfectas.
Estas figuras van a tener diversas reflexiones posteriores.
Las relaciones numéricas son complejas y por tanto no hay que profundizar más en ellas. Para entender la teoría de la arquitectura de Vitruvio hay que dirigirse al Renacimiento.
4. El pensamiento renacentista y las artes Se vuelve a la belleza clásica o ideal porque en estos siglos la sociedad toscana tiene el dinero disponible para poder realizar las obras renacentistas. Una de las familias más importantes eran los Medici que se hicieron poco a poco con el poder de Florencia.
La época más importante de ésta va a ser el siglo XV con Lorenzo de Medici. Esta familia se rodeará de los grandes pensadores así como que se hicieron con los manuscritos de bibliotecas en Occidente y Oriente.
En el siglo XV, Bizancio cae y con ello el Imperio Bizantino. Cuya cultura va a ser heredada por la cultura bizantina. Todos los sabios se refugiarán en Florencia y la 17 Toscana. Ellos mismos se denominaron “renacentistas” porque difundirán que la Edad Media fue una edad oscura.
El Renacimiento es un problema que suscita desacuerdos historiográficos. Algunos lo llaman “la decadencia de la Edad Media” otros ni siquiera encuentran nexo entre el siglo XV y el XVI.
El Renacimiento es un período definido por el surgimiento de la literatura artística así como sus ideas completamente diversas a las que hubo en la Edad Media o las que habrá en el siglo XVIII.
Hay una diferencia entre el siglo XV (Quatroccento) y el XVI (Cinqueccento) puesto que prevaleció una actitud fundamental: la concepción de la finalidad del arte.
En este período existió una teoría del arte que la podemos considerar como uno de los rasgos distintivos como la propia existencia de una teoría del arte. Aunque tuvieron una cuna, una patria, son importantes los artistas que “beben” de Italia como Durero, Erasmo de Rotterdam, Francisco de Holanda. Pero exclusivamente se dio en Italia las circunstancias para que se diera lugar al Renacimiento.
El siglo XV tiene sus orígenes en el siglo XIII-XIV en el que los artistas de esa época crearon una base cultural (prerrenacentista) que va a anunciar el Renacimiento.
El término de arte designa dos cosas distintas, ya que, arte puede ser la habilidad de producir intencionadamente un objeto, pero también puede significar un cuerpo organizado de conocimientos con la habilidad de producir objetos. Sin embargo, toda esta concepción cambiará al comprobar que las artes de los escultores (pese a estar en gremios distintos) tenía como problema el mismo: la imitación de la naturaleza, la recuperación de lo antiguo, el neoplatonismo académico y la nueva situación del artista.
Alberti (fundador de la teoría renacentista) escribe tratados de escultura, pintura y arquitectura asociando las tres artes en las introducciones. Y las tendencias centrífugas que parecen que quieren separar las artes nos llegan a través del género del parangone (comparación de las artes). Cuyo principal exponente es el tratado de Da Vinci sobre la pintura.
Los artes se contraponen, comparan, unen, y así él afirmaba que la pintura era la mayor de las artes cercanas a la poesía y a la música lo cual no es extraño puesto que en este debate entra la “ut pintura poesis” (como la pintura así es la poesía). Aristóteles realizó un paralelismo entre el drama y la pintura donde los personajes serían los colores y la pintura sería la trama.
A finales del siglo XVI se intentan dejar patente las tendencias centrífugas de las artes como Vasari. Hay una ambigüedad: el de vivir de las artes y la propia vida de los artistas en las que se centra este autor. Algunos artistas dominaban sobre las tres artes.
Además Vasari indica un origen común de las tres artes, puesto que el dibujo es el origen y las tres artes lo tienen en común. Se hace referencia a algo que no se puede encontrar en otras artes no visuales como la poesía o la música. Por eso se las suele llamar “artes del diseño”.
18 Pocos años después surge en Florencia la academia florentina, aunque tuvo sus precedentes. Esta academia está regida por los primeros manieristas que representará Zuccari. Las bellas artes académicas tienen su origen aquí y en concreto surge el debate entre las artes pero pese a agruparlas no parece que en el Renacimiento haya consciencia de que las artes forman un corpus especial.
La academia platónica se conoce como la institución fundada por Cosme de Medici (se llega entonces a la culminación de los Medici, cuyo heredero es Lorenzo). Su padre la fundó en 1459 y coincide con la llegada de Jorge Gemisto Pletón a Florencia (filósofo bizantino que tras la caída de Constantinopla llegó a la corte florentina). Dio muchas enseñanzas lo que dio lugar a la filosofía platónica (Plotino).
Se puede decir que estas enseñanzas influirán tanto en el arte como en el pensamiento, esta se implantará en la academia. Los autores definen sus tesis en oposición a Aristóteles aunque no todos. Al tiempo que ensalzaban a Platón admiten la teoría de Aristóteles.
Pertenecen a dos artistas: Pico della Mirandola y Maxilio Ficino. Ellos formaron a los grandes artistas en la corte de los Scorza en Milán.
La tendencia común es el ensalzamiento de Platón entendido como neoplatónico, se considera que fue una escuela neoplatónica. Fue una escuela que no defendieron a Aristóteles, al averroísmo, aunque tenía ideas humanistas y la importancia que le daban al buen decir (a la elocuencia en filosofía). Otro intento fue conciliar el platonismo con el cristianismo.
No hay que olvidar que también se intentó introducir ideas aristotélicas (aunque de forma imperceptible).
Los antecedentes estarán en el Treccento (siglo XIV) en el que se fragua la mímesis de la naturaleza pero que se rompió con la Edad Media (Giotto y Dante) se va a cerrar un capítulo de la historia del arte y se comienza otro. Las introducciones naturalistas de Giotto cuyo gótico se nutre de raíces clásicas.
En el caso de Dante, parece claro aunque apunta una nueva época en cuanto a su pensamiento estético (con la fuerza de la imaginación como actividad humana frente a la creación). El mismo Dante se inspira por amor (sensible, carnal, místico, religioso).
Para Dante, la imaginación no es una capacidad para acoger una visión mística sino la fuerza de expresarla.
No era una imaginación forzada (como las figuras extraordinarias) sino imaginación contenida (se inspira en lo real, en la naturaleza) es una imaginación realista. Dante sitúa a Giotto en el primero que recuperó el clasicismo antiguo.
Sitúa a Giotto por su búsqueda en lo antiguo, para expresarlo en su arte. Ellos querían la realidad (por lo tanto prefieren a estatuas coloreadas que blancas). Por tanto, el arte debe de imitar la naturaleza que se encuentra en Petrarca. Puesto que se cree que escribió un tratado perdido de las tres artes en el que se inspiraría Plinio.
19 Petrarca cree que la escultura es un arte más cercano a la naturaleza que la pintura. La escultura es más realista. Este artista se apasiona por el arte de Simone Martini y lo compara con Virgilio e imagina que el pintor asciende hasta el mismo paraíso para pintar a su amada Laura.
5. Boccacio Era contemporáneo de Petrarca y escribió el Decamerón. Fue un autor de relatos y gran conocedor de la literatura latina. Es uno de los primeros en reclamar en Florencia una concepción moderna de patria y de nación que se formarán durante el Renacimiento.
Fue el primero en relacionar, de forma explícita, a las artes visuales con la imitación de la naturaleza.
En una de los relatos del Decamerón, retrata a Giotto cuya fealdad física se conocía y aparecía de forma muy veraz. Y Giotto es elogiado como un genio, Boccacio le atribuye el logro del naturalismo/realismo ideal.
Boccacio nos habla de una nueva época de la pintura. Aquella que pretende imitar a la naturaleza y lo cual lo distingue de sus predecesores que sólo buscaban efectos decorativos y superficiales.
Boccacio está contraponiendo los mosaicos bizantinos que salta a la luz el arte de lo divino, y lo contrapone a Giotto. Éste encierra el alma del hombre en cuerpos limitados, sólidos e identificables. Por tanto, Giotto es una de las luces más brillantes de la gloria de Florencia.
6. Filipo Villani Otro autor importante fue Filipo Villani, que escribió “el libro de los orígenes de la ciudad de Florencia y de sus famosos ciudadanos”. En este libro incluye las primeras vidas de artistas desde la antigüedad clásica.
Recurre a Plinio, para Villani lo característico del artista es su talento superior y su rapidez de ejecución (comparándolo con los pintores griegos). La pintura es lo mejor y reconoce la superioridad de los pintores puesto que los maestros de las demás técnicas les basta con aprender los principios de su arte, mientras que los pintores deben traducir lo que piensan, lo que sienten con talento.
A los demás maestros los llama “sabios” y al compararlo con los pintores a éstos les da más superioridad que se transformará en el concepto de “genio” (como Rafael, Da Vinci…) En cuanto a los asuntos estéticos él cree que es necesario que el artista pinte figuras que parezcan respirar y vivir. Y las actitudes sean tan apropiadas que los actos, las palabras expresen todo esto.
Es decir, él habla de un ilusionismo físico y de una expresión psicológica aunque no hace alusión a la idealización. Y recurriendo a Plinio, Villani afirma que si éste referencia a Apeles él hablará de los pintores florentinos de su época.
20 Y compara a Dante con la poesía antigua. El primero fue Cimabue que imita la naturaleza y cita a Dios. Para Villani, va a igualar a Giotto en reputación a los pintores de la antigüedad clásica e incluso supera a los antiguos.
Dice que la pintura ha recuperado su reputación de antaño y que nunca se podrá superar.
Con estas afirmaciones, Villani dota de un valor absoluto a Giotto. El artista tiene que saber de historia y tiene que ser culto para que se ponga en el mismo nivel de los poetas.
Se basa en la cultura y en las cualidades morales de los pintores. Éstos deben de aspirar a la gloria y a la fama que al lucro económico. Van a triunfar los ideales humanistas que se van a superponer a los valores medievales. Villani habla de los seguidores de Giotto y de un proceso artístico pero sin aportar nada nuevo.
Parece que con Giotto se llega a la culminación del arte. Otra figura importante es Cennino Cennini.
7. Cennino Cennini Es un artista dentro de la teoría del arte y escribió su “libro del arte” que es fundamental para entender la evolución del arte renacentista. Proceden del ámbito de los talleres medievales (de pintores y escultores) que están dentro de estos talleres llamados “Arte”, del renacimiento italiano.
Sobre el autor se conoce poco, vivió en Padua y tuvo una admiración por Giotto (que se había convertido en un mito a final del siglo XIV) “Giotto tradujo el oficio del pintor del griego al latín y lo modernizó.” Su libro de arte está dedicado a la pintura aunque trata otros campos. La composición de su tratado es típica de su literatura medieval o de taller en la época medieval. Dividida en capítulos, independientemente informan al lector sobre el uso de los materiales, superficies, paredes, pergaminos que está dentro de su literatura “de taller”.
Cennini utiliza el método del “exempla” que significa “modelos” que se ve también anteriormente. Todo esto apunta a la tradición medieval que no era tan sólida, empieza a romperse porque el arte imita la naturaleza. Cennini afirma que el mejor timonel está dentro de la naturaleza que supera todos los demás modelos. Este pasaje es la primera formulación dentro de la literatura de la idea de la mímesis que es la base de las artes visuales y es un medio para desarrollar un buen estilo.
8. Lorenzo Ghiberti Lorenzo Ghiberti fue un escultor muy importante en el siglo XV en Florencia. Y dentro del terreno de la teoría nos dejó sus “Commentari” donde incluye su propia biografía, y es por eso importante. Sobre todo el libro II donde habla de los pintores-escultores del siglo XIV.
9. Alberti Alberti es uno de los grandes hombres del Quatroccento (cuando se da el humanismo) además fue arquitecto, matemático, artista, pintor, arqueólogo… Escribió tratados de 21 todo tipo: filosóficos, políticos y sobre la historia del arte como el de “De Re Aedificatoria”. Escribió otro sobre escultura “De Estatua” y otro “De Pintura”. Él se fija en Vitruvio, sin embargo Alberti lo interpreta mediante diez libros de Vitruvio e incluso se permita criticar el arte.
Él fue también el secretario del papa Eugenio IV y ocupó un puesto muy importante en la corte de éste, de Nicolás V y de otro papa (Pío II). Hizo la descripción de las ruinas de Roma, de la ciudad antigua.
10. Leonardo Da Vinci Leonardo Da Vinci es otro hombre universal entre el siglo XV-XVI que forma la más importante tríada de artistas junto a Miguel Ángel y Rafael y formarían a todos los demás artistas. Era un investigador y le gustaba investigar en todos los terrenos, escribía al revés y esto se retrata en la biografía que de él hace Berenzen.
Leonardo estuvo en varias cortes y se llevaba muy mal con Miguel Ángel. Estudió el cuerpo humano y las aves, a través de la disección de los cadáveres. Inventó muchos inventos aunque la mayoría los dejó a la mitad. En cuanto a su concepción, fue un gran historiador y fue fundamental para él la vista puesto que “el ojo no engaña sino que nos informa del mundo con más certeza que la razón”.
La pintura es filosofía aunque no dio una definición del arte, puesto que le interesaba las artes representativas y tenía interés en la ingeniería. Todos sus tratados hablan de diversas ciencias e incluso hay algunos relacionados con la gastronomía.
Él apunta el “parangone” que es la comparación entre las artes, donde trata una serie de temas muy importantes como la relación entre el arte y la naturaleza. Gutterman fue el Leonardo del Norte mientras que Durero lo fue de los países flamencos.
11. Miguel Ángel Miguel Ángel fue un gran poeta, “las Cortes” que escribió trataba de temas religiosos aunque además escribió libros sobre arte.
12. Contexto del siglo XVI El denominado Cinqueccento es el período en el que se vieron rodeados tanto Leonardo como Miguel Ángel.
En este período las ciudades mostraban con cierto orgullo que los mejores artistas pudiesen realizar servicios con el objetivo de que embelleciesen sus edificios y creasen sus obras. Esto no existió en los países del norte y los artistas italianos tendían a volverse hacia las matemáticas como método para estudiar las leyes de la perspectiva y hacia la anatomía para estudiar la construcción del cuerpo humano.
El artista era maestro por derecho propio, que no podía alcanzar fama sin explorar los misterios de la naturaleza y sondear las secretas leyes que rigen el Universo. Aunque los artistas carecían del máximo reconocimiento social porque en este período era común los prejuicios.
22 Hay que señalar que en Italia existían muchas cortes pequeñas necesitadas de honor y de prestigio. Los artistas imponían sus condiciones y eran totalmente libres En cuanto a los arquitectos, hay que señalar que la verdadera aspiración continuaba siendo trazar edificios independientemente de su aplicación, esto es, por la belleza de sus proporciones así como la espaciosidad de sus interiores y la imponente grandiosidad del conjunto. Además aspiraban a una simetría perfecta.
Otra característica patente en el siglo XVI era que los artistas eran hombres a los que nada les parecía imposible, y ésta puede ser la razón de que a veces lograran lo aparentemente inconcebible.
En Florencia, se daba importancia tanto al humanismo literario como al movimiento neoplatónico. Aunque Leonardo estaba en contra de esta tendencia y tenía más cabida dentro del pensamiento de Miguel Ángel.
13. Leonardo Da Vinci Nació en una aldea toscana y fue aprendiz de Verrochio, el cual era capaz de producir tales obras que Leonardo aprendió muchas cosas, tales como preparar cuadros y estatuas así como estudiar las plantas y los animales.
A su vez, tuvo sus discípulos que conservaron sus apuntes y notas. Pero adentrándonos en la propia figura de Leonardo hay que señalar que era un artista florentino y no un intelectual como artista, su meta era explorar el mundo visible con mayor intensidad y precisión.
Exploró los secretos del cuerpo humano, realizando la disección de más de treinta cadáveres. También pasó años observando y analizando el vuelo de los insectos y pájaros lo que le ayudó a concebir una máquina voladora.
Tanto los príncipes como los generales quería que construyese tanto fortificaciones y canales así como armas y artificios nuevos. Además Leonardo era capaz de entretenerlos mediante juguetes mecánicos.
Hay que señalar que era zurdo y cuidó de escribir de derecha a izquierda, de modo que sus notas sólo pueden ser leídas con mediación de un espejo. Otra aportación fue su frase “el Sol no se mueve” en la que se percibe la revelación de que la tierra se movía.
Todas sus exploraciones de la naturaleza eran recursos para enriquecer su conocimiento del mundo visible, tal como lo precisaría para su arte. Podría transformar su amado arte de la pintura de humilde artesanía en una ocupación honorable y noble.
Leonardo demostró que la pintura era un arte liberal, y que la labor manual que suponía no era más que el trabajo material de escribir en relación con la poesía. Comenzaría un cuadro y lo dejaría sin concluir a despecho de los requerimientos urgentes de quien se lo hubiese encargado.
Las obras que concluyó fueron escasas a pesar de que sus traslados fueron diversos.
Primero de Florencia a Milán, más tarde de Milán a Florencia y se puso al servicio del 23 notorio aventurero César Borgia, más tarde se dirigió a Roma y finalmente a la corte de Francisco I de Francia donde murió en 1519.
Algunas obras cuya importancia es esencial en la teoría del arte son: La última cena y la Mona Lisa. Comenzando con la primera hay que decir que cubre las paredes de un recinto oblongo utilizado como refectorio por los monjes del monasterio de Santa María delle Grazie de Milán. Esta obra fue la primera en mostrar con tanta fidelidad y vida un episodio sagrado.
En esta obra su relevancia artística se encuentra en los detalles, y estas obras eran juzgadas por personas cultas en razón de su naturalismo. Leonardo estudió la Biblia y quiso hacer visible uno de los últimos episodios de la vida de Cristo, donde divulga que uno de sus doce apósteles le traicionará. La composición parece poseer la armonía y el natural equilibrio que caracterizó las pinturas góticas.
Además está presente su profunda penetración en las reacciones humanas. Esto también se transmite en su Mona Lisa que parece que vive en el cuadro y piensa por sí misma.
Las expresiones de esta dama florentina parecen cambiar y era una figura algo rígida y estática.
En Leonardo también es común que deje algo por adivinar a través del sfumato en el que el contorno borroso y los colores suavizados permiten fundir una sombra con otra y deja siempre algo a nuestra imaginación.
Leonardo era considerado como un uomo universal, y su personalidad era como un único molde. En ocasiones parece incluso situar la teoría por encima de la práctica allí donde las matemáticas no tienen aplicación, la certeza es inalcanzable.
En una ocasión sugiere que si no se entiende las razones de los procesos de la naturaleza, no necesitará de la experiencia puesto que es fuente de todo nuestro conocimiento. La experiencia visual es el modelo de la experiencia ya que, contemplar es la obtención de una prueba irrefutable. La visión perfecta es la captación de lo que contemplamos y observar es un proceso activo.
Considera importante la visión, porque le permite ver en ello y le revela la abundancia de formas existentes en el mundo real y en los fenómenos ópticos. Al elogiar a la visión, seguía las tradiciones de los talleres artísticos y una tendencia científica de la época.
Hay que señalar que su capacidad para observar la naturaleza fue mayor de lo que cabría esperar de un espectador convencional.
La perfecta combinación de teoría y práctica impregnaba toda su obra, y constituían en la disección de cadáveres como método para analizar la anatomía humana. Leonardo era el pittore anatomista. En sus dibujos representaba el cuerpo de la forma más claramente posible y quería sustituir el verdadero cuerpo como objeto de estudio. Leonardo logró que estos dibujos fueran informes científicos reveladores de sus cualidades expresivas.
En los contrastes encontró que la fealdad hace que lo bello pareciese más bello. En cuanto a belleza piensa que son cualidades emocionales no mensurables, y en las que se observan nuestras preferencias personales.
24 14. Miguel Ángel Recibió una formación como la de cualquier otro artesano, desde los trece hasta los dieciséis años en el taller de Ghirlandaio. Se dedicó a estudiar las obras de Giotto, Masaccio, Dontatello y las de los clásicos.
Al igual que Leonardo también diseccionó cadáveres y dibujó cada detalle de los cuerpos gracias a su poder de concentración y a su retentiva.
En cuanto a su trabajo decir que se le encargó la pintura de un episodio florentino sobre la sala de juntas del Ayuntamiento. Otro momento destacable fue cuando volvió a Milán en 1506 y recibió el encargo del mausoleo de Julio II. Se dedicó a escoger los bloques de mármol aptos para construir su obra de arte, aunque este proyecto entró en conflicto con la nueva basílica de San Pedro.
Aunque fue necesario que un alto dignatario fuese hasta Florencia donde Miguel Ángel se marchó por miedo de que otros artistas pudiesen hacer su trabajo tras su muerte.
Cuando volvió a Roma, le pidieron otro encargo: decorar la cúpula de la capilla Sixtina.
Esta capilla fue mandada construir por Sixto IV, las paredes ya estaban decoradas pero la bóveda estaba vacía. Miguel Ángel aceptó de malas maneras puesto que se consideraba un escultor y no pintor, aun así comenzó realizando un boceto de los doce apóstoles y durante cuatro años pintó imágenes gigantescas de diferentes episodios bíblicos. No sólo pinto la bóveda sino que también pintó las bovedillas y debajo de ellas. La composición general resulta armoniosa a ojos de cualquier espectador.
En cuanto a sus dibujos anatómicos decir que en ellos se percibe el juego de músculos, y de La creación de Adán decir que la relevancia artística recae en el vínculo entre Adán y Dios puesto que es el punto culminante de la pintura.
Tras terminar la capilla Sixtina, continúo su trabajo con el mausoleo que lo adornó mediante estatuas de cautivos. El esclavo moribundo parece moverse y concibió las figuras como si se hallaran contenidas en el bloque de mármol en el que trabajaba, quitaba las partes sobrantes hasta que esas figuras apareciesen.
Cuando Miguel Ángel ya era un anciano, rechazó el pago de la que hubiera sido su última obra: la coronación de la cúpula de San Pedro. Él estableció que esa cúpula no debía de mancillarse. Por tanto, esta cúpula es monumento al espíritu del artista florentino.
Al igual que Leonardo, pensaba que la belleza no es un sistema mensurable. Es un reflejo de lo Bueno o de lo Divino, es una contemplación serena donde se anhela el origen último. Además establece una jerarquía estética donde cuanto más ascendemos menos forma tiene la belleza y cuánto más cerca permanece de la tierra, más forma tiene la belleza.
Cualquier tipo de belleza (ya sea terrenal o casi mística) nos despierta el deseo de alcanzar la fuente. El amor es la esencia de belleza.
25 En cuanto al origen de las obras de arte, Miguel Ángel establece que el origen reside en la imagen que se encuentra en la mente del artista. El concepto habita dentro de su mente, y el proceso creativo comienza con el concetto para continuar con el modelado de la arcilla y terminar al penetrar la obra en la piedra, completándose como estatua.
El concetto es un sinónimo de Idea aunque la familiaridad que mantenía Miguel Ángel con el platonismo hizo que evitara llamarlo Idea. La obra de arte, por tanto, no será el auténtico reflejo de la imagen mental del artista.
15. El método biográfico de Vasari El primer método que se utilizó para crear Historia del Arte fue el método biográfico ideado por Vasari, es decir, es como un inventario de biografías de artistas. Este crítico entiende la Historia del Arte como una relación de autores y su importancia alcanza hasta la crisis neoclásica y romántica.
Su obra literaria Vidas es una fuente de conceptos que llegan hasta la actualidad, donde se emplea la acuñación del término Renacimiento a su propia época y donde realiza sus percepciones de lo que es un artista.
La personalidad del artista se ve reflejada en la obra de arte del propio artista. Vidas fue publicada en 1550 aunque tuvo su aumentada segunda edición en 1568. En la primera sólo trataba de artistas fallecidos o cuyo trabajo hubiese finalizado y en la segunda habla sobre artistas vivos y en plena etapa creativa.
Trató son suma aptitud las técnicas artísticas de todas las artes y tuvo su interés por la iconografía. Además relaciona los artistas que trabajan en los mismos años y en la misma región y los agrupa en escuelas.
Basándose en la perfecta regla del arte le toma la medida a cada obra y artista para después pronunciarse sobre el mayor o menor éxito en el intento de alcanzar la perfección. En la biografía la personalidad del artista puede explicar amplios desarrollos históricos, las formas artísticas son invención de artistas individuales, y las características de estilo se deben a tendencias particulares de un artista.
Vasari consideraba que el arte había seguido su curso a través de la historia en tres etapas: la gloria de la Antigüedad, la decadencia de la Edad Media y el “renacimiento” característico de “nuestro tiempo”.
Hay que señalar que para Vasari sólo hay dos momentos en la Historia del Arte que son momentos idóneos: la Antigüedad y el Renacimiento. Para Vasari sólo es válido lo antiguo y lo moderno clásico.
El Renacimiento a su vez lo divide en las primeras luces donde el arte tuvo como meta la imitación de la naturaleza. Admira a Giotto porque estaba lejos de alcanzar la perfecta regla del arte, y por tanto, fue un pionero.
Otra división del Renacimiento fue la segunda età de consolidación que ocupó el siglo XV, y donde la producción artística mejoró. Además se buscaba la veracidad científicamente medida en pintura y escultura. Conoce las limitaciones cuando observa 26 un período inserto en un proceso total, conducente al último grado de perfección, cuando se considera una época como un paso en el camino hacia la “perfecta regla del arte”.
La última etapa sería la “età moderna” que comienza con Leonardo hasta la época de Vasari donde se supera la sequedad de la etapa anterior. Es la culminación de todo el Renacimiento y los artistas alcanzaron cimas de la máxima perfección que nos llevan a tratar cuestiones de carácter más teórico. Cada artista y obra se entienden en contextos distintos y deben de enjuiciarse por dos patrones.
El primero es el histórico, donde el patrón de juicio es relativo ¿Cuál fue el significado del artista en su época? ¿Cuáles son sus logros en relación al período? El otro contexto y patrón de juicio son absolutos ¿Cuál es el valor de cada artista y cada obra, cuando se enjuician a partir de la perfecta regla del arte? 27 ...